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Sont regroupées ici nos critiques des films présentés cette année à Cannes dans la section Un Certain regard. 

Involontaires (De Ofrivilliga) de Ruben Östlund (Suède)

Dans une salle de classe, une institutrice demande à une de ses élèves de désigner le trait le plus long, sur les deux qu'elle lui montre. La différence est manifeste et l'élève répond juste mais l'ensemble des autres élèves désignent eux avec assurance la mauvaise réponse. Le test est réitéré plusieurs fois jusqu'à ce que l'élève donne la mauvaise réponse dans le seul but d'être en phase avec ses camarades. La maîtresse explique alors la supercherie et l'entente préalable avec la classe pour la faire douter.

Cette séquence extraite du début du film symbolise mieux que n'importe quelle autre le principe de ce film. Involontaires se construit autour de cinq petites histoires indépendantes mais dans lesquelles, pour chacune, est posée la question de l'individu à l'intérieur du groupe. Un monsieur reçoit un impact de feux d'artifice et essaye de faire croire que tout va bien pour lui ; deux adolescentes entament une soirée fortement alcoolisée ; un groupe de mecs apparemment virils se rabaissent aux pires blagues salaces ; une actrice de cinéma trop fière pour avouer une faute banale et innocente ; une institutrice témoin d'une scène entre un de ses collègues et un élève et qui ne sait pas si elle doit s'exclure du groupe composé des profs ou nier ce qu'elle a vu. Toute la question est de conserver la face malgré la pression exercée par le groupe. De petits drames surviennent qui menacent l'équilibre de ces groupes. Ruben Östlund manie l'ironie et le sarcasme avec brio. Le principe des saynètes convoque le parallèle avec le cinéma d'un des plus fameux compatriotes du cinéaste, Roy Anderson. La comparaison s'arrête cependant très vite. Involontaires n'a pas la même ambition picturale, ni la même portée humaniste que chez Anderson.La mise en scène de Ruben Östlund reste rigoureuse, basée sur un principe de décalage permanent qui sied idéalement au sujet. Le regard du cinéaste est dès plus affûté. C'était une découverte et nous serons sans doute attentifs aux évolutions de ce cinéaste.

Ciel 9 (Wolke 9) d'Andreas Dresen (Allemagne)

Voila un film peu évident à vendre et qui aura sans doute un  peu de mal à se frayer un chemin jusqu'en salle. Andreas Dresen réalisateur de Un Eté à Berlin, raconte l'histoire d'Inge, une sexagénaire mariée depuis près de trente ans au même homme et qui entame une passion amoureuse avec son voisin de 76 ans. Le récit est cru, sans tabou et Andreas Dresen filme les corps comme s'ils étaient ceux de jeunes adultes dans la pluspart des films d'aujourd'hui. L'originalité du film tient donc à l'âge des protagonistes. Le film est cru aussi parce que la lumière est naturelle, la mise en scène dépouillée. Les corps n'ont pas non plus été charcutés par un quelconque chirurgien. De fait, le cinéaste montre l'acte d'amour sans complaisance, juste pour ce qu'il représente et ce qu'il est. Dresen ne magnifie en rien cette passion. Plus le public sera jeune, plus il risquera de trouver celà glauque. Au-delà de cette remarque, on ne peut pas non plus faire l'impasse sur la conclusion du film, assez scandaleuse tant elle est baclée.

Tokyo Sonata de Kyoshi Kurosawa (Japon)

Tokyo Sonata marque un tournant radical dans le travail de Kyoshi Kurosawa. Le réalisateur japonais, esthète du cinéma fantastique et d'horreur (quoique son oeuvre est assez inégale) change complètement de registre et signe un drame social complexe et fascinant, parfait révélateur de l'état de la société japonaise aujourd'hui. Tokyo Sonata lorgne d'abord du côté de Laurent Cantet (L'Emploi du temps) et Nicole Garcia (L'Adversaire) avec cette histoire d'un cadre d'entreprise qui n'arrive pas à avouer son licenciement à sa famille et s'enfonce peu à peu dans un engrenage mensonger. La ténébreuse affaire Romand plane instanténément sur ce film dont les ressorts semblent très vite identifiés. Mais Kyoshi Kurosawa ne sombre pas dans la redite. Le drame n'est pas forcément inéluctable. Fort d'un scénario malin et d'une mise en scène au diapason, Kurosawa dynamite les rapports familiaux et écorgne sérieusement le principe fondamentale de l'autorité du père. Le film prend une tournure assez étrange dans sa dernière demi-heure avec l'apparition non préparée d'un personnage de cambrioleur excentrique joué par l'acteur fétiche du cinéaste, Kôji Hakusho. Cette partie du film s'intègre malgré tout intelligemment à l'ensemble. Tokyo Sonata s'achève littéralement sur une bonne note mais le malaise est bien là, les valeurs sociales et familiales complètement bouleversées : une sorte de requiem pour une société japonaise (ici) au bord de l'implosion. 

Tokyo ! de Michel Gondry, Leos Carax, Bong Joon-Ho (Japon/France) 

On a eu Paris, je t'aime, Chacun son cinéma (sorte de Cannes, je t'aime) et on aura bientôt New York, I Love You. Tokyo !, en revanche, est presque un cri de désamour. A moins que... Car qui aime bien châtie bien. 

Tokyo ! compile trois moyens-métrages très différents les uns des autres et signés par Gondry, Carax et Bong Joon-Ho, le réalisateur de The Host. Le résultat est aussi étrange que brillant. Les trois films se répondent admirablement et donne une image assez loufoque de cette ville folle qu'est sans doute Tokyo.

Interior Design/ Michel Gondry : Un jeune couple cherche à s'installer dans Tokyo. Ils sont hébergés provisoirement par un ami. Les personnages se perdent rapidement dans l'immensité de cette ville. La jeune femme subit même une transformation étonnante. L'univers bric-broc de Gondry s'adapte parfaitement à cette fable mélancolique bercée par la musique d'Etienne Charry, un des membre de Oui-Oui, l'ex-groupe de rock de Michel Gondry. Les fans de Gondry se retrouveront forcément dans ce petit film simple et beau, un peu dans le ton de La Science des rêves.

Merde/Leos Carax : Une créature surgit des égouts de la ville et terrorise tous les individus sur son passage. Cannes est le seul endroit ou une rencontre avec Carax, grand cinéaste à l'oeuvre malade, est encore possible. C'est à Cannes que Pola X fût d'abord montré (et profondément détesté par beaucoup) et c'est encore à Cannes que l'on retrouve Carax avec Tokyo !, dix ans plus tard... Tourné rapidement et clandestinement, le film risque d'en laisser encore beaucoup circonspects. Merde, c'est sans doute ce que Carax hurle à la gueule de ceux qui le déteste. Merde est aussi le nom de son personnage, une créature vulgaire et terroriste bientôt capturée et jugée. Merde est une sorte de Godzilla humain, un monstre improbable et incompris. Un peu comme Carax qui livre encore une fois un film complètement fou, libre, baroque, bordélique même, et provocateur. La provocation risque d'ailleurs d'être très mal perçue par certain. C'est tour à tour drôle et consternant mais on en garde finalement que le caractère jouissif. En espérant que Carax (toujours vivant !) ne se laisse pas enterrer encore.

Shaking Tokyo/Bong Joon Ho : Reclus volontairement dans son appartement depuis près de 10 ans, un homme tombe subitement amoureux de sa livreuse de pizza. Le phénomène dit des Hikikomoris est semble t'il assez courant au Japon. Ryû Murakami en a d'ailleurs tiré un roman fabuleux et essentiel, Parasites. Le film de Bong Joon Ho est lui un petit chef d'oeuvre de sensibilité, de délicatesse, en plus de receler de trouvailles visuelles. Une petite histoire suprenante et attachante, probable sommet de cet audacieux et très joli programme de film-sketchs. Sortie française le 15 octobre

Afterschool d'Antonio Campos (Etats-Unis) 

Les premières images sont saisissantes - toutes glanées sur la toile - et mélangées sans discernement : la pendaison de Saddam Hussein, des corps mutilés, un girlfight dans un couloir de lycée, un chat joueur de piano ou encore le début d'une vidéo porno dans laquelle la fille se fait salement humiliée. Ce programme, c'est celui d'un ado propre sur lui, spectateur attentif des succès du web.

Le ton est vite donné. Afterschool mélangera pendant près de deux heures images youtubisantes et point de vue du cinéaste. Un point de vue bien particulier avec un zoom à bloc et une caméra qui cherche constamment ses personnages, quitte à les cadrer maladroitement. Tout l'enjeux du film est là, d'abord là : comment une action plus ou moins anodine se retrouve soudain mise en ligne sur le net ? Cette instantanéité n'est pas neuve mais elle fait ici assez froid dans le dos tant elle se confronte à des évènements graves.

Afterschool suit une bande d'ado pensionnaires d'un petit lycée américain bon chic bon genre. Les élèves les plus sages se masturbent devant des vidéos pornos dans leurs chambres, d'autres dealent de la cocaïne. Une chronique finalement très ordinaire ou l'on observe également certains élèves recopier leurs devoirs avant d'entrer en classe ou encore reluquer l'entre-cuisse et le décolleté de leur belle prof de littérature.

Dans la première demi-heure, il est aussi beaucoup questions de deux soeurs jumelles. Elles fascinent l'ensemble du lycée mais leur présence - constante - est fantomatique, vaporeuse. Lorsqu'on les voit, elles sont à l'arrière plan du cadre, elles sont lointaines ou passent rapidement devant la caméra. Comme les soeurs Lisbon de Virgin Suicides, elles sont belles, mystérieuses et inaccessibles. Un évènement grave concernant les deux soeurs va perturber durablement l'équilibre de la vie de ce lycée.

Antonio Campos livre avec Afterschool une étude quasi clinique de la vie de lycée et, plus encore, du rapport à l'image qu'entretiennent ici les élèves. L'exercise est brillant tant le dispositif mis en place par le cinéaste est aboutit. La stylisation est extrême mais pudique et se noie en plus dans un montage intelligent. Afterschool ressemble par certains aspects à 2h37, l'abominable film australien de Muralli Thalluri, lui-même largement inspiré par l'Elephant de Gus Van Sant. Antonio Campos se démarque admirablement de ces deux exemples. Afterschool est la promesse d'un grand talent. Antonio Campos a d'ailleurs déjà été primé à Cannes en 2005 (pour son film Buy it now) par le prix du court-métrage de la Cinéfondation.

Los Bastardos d'Amat Escalante (Mexique)

Ancien assistant de Carlos Reygadas (producteur ici), Amat Escalante est l'auteur d'un premier film un peu mal foutu mais prometteur, Sangre, lequel avait déjà été présenté à Cannes en 2005. Los Bastardos arrive maintenant et ne mettra pas tout le monde d'accord. Los Bastardos garantit pourtant une claque monumentale dans la gueule et c'est bien pour cela qu'il divisera. Amat Escalante était donc à bonne école avec Reygadas.

Les bâtards dont il est questions dans le titre sont deux pauvres immigrés clandestins mexicains. Ils errent dans Los Angeles à la recherche de petits boulots dans des chantiers. On leurs confie bientôt une mission lucrative : un meurtre.

Los Bastardos fait d'abord preuve d'une rigueur extrême dans la mise en scène. La photo de Matt Uhry est somptueuse et les plans-séquences aussi fascinant que chez Reygadas. Après, le contenu du film est ce qui destabilise le plus. Escalante nous montre une famille type américaine complètement asphyxiée. Le mari est parti, la mère fûme du crack devant la télé, le fils est un zombie lobotomisé par son écran d'ordinateur et sa console de jeu. Le portrait n'est pas très éloquent. La misérabilisme est partagé par les deux camps : les opulents américains vs. les pauvres mexicains. Los Bastardos bascule ensuite dans une sorte de jeu malsain. On se rapproche de chez Haneke, le cynisme en moins. Juste, les deux anti-héros du film pénètrent dans la maison et nous imposent une relation malsaine avec leur futur victime. Ils prennent le temps de parvenir à leurs fins. La mère - puisque c'est elle qui doit être tuée - leur prépare à manger ; ils se partagent le crack, se baignent dans la piscine etc. Ainsi, ils prennent le risque de prendre en sympathie leur proie. Survient alors, très brutalement, un évènement. Le spectateur est fatalement assommé, abasourdit, d'autant plus que la façon dont cet évènement est filmé est troublante de réalisme. La secousse aura sa réplique, tout autant inattendue et bluffante. Los Bastardos se termine là-dessus, laissant sur le carreau bon nombre de spectateurs choqués par le caractère intense de ce qui vient de se dérouler. La claque est violente et Los Bastardos une expérience rare de cinéma.

Je veux voir de Khalil Joreige et Joana Hadjithomas (Liban)

"Que peut le cinéma face à la guerre ?". C'est cette interrogation qui a nourrit l'idée originale de ce long-métrage. Les deux réalisateurs invitent Catherine Deneuve, icône du cinéma international, à rencontrer Rabin Mrouhé, acteur libanais fétiche des cinéastes. Les deux comédiens vont traverser ensemble un pays ravagé par la guerre, avec l'espoir de voir à travers eux une beauté resurgir de sous les décombres.

Je veux voir arrive presque en même temps que le film, entre fiction et documentaire aussi, de Philippe Aractingi Sous les bombes. Comme l'héroïne de ce film, Deneuve et Mrouhé traversent du nord au sud un Liban apocalyptique. Ce qui les distingue de l'héroïne du film d'Aractingi est cependant très clair. Eux, ne cherchent rien de précis, seulement veulent-ils constater l'état du Liban au Moment-M de ce tournage, en juillet 2006. Dans la première minute du film, le dispositif de mise en scène est énoncé par les cinéastes. Catherine Deneuve, que l'on essaye de convaincre de bien réfléchir à ce dans quoi elle s'embarque, regarde l'horizon depuis la baie vitrée de l'aéroport de Beyrouth. Elle le martèle à plusieurs reprises "Je veux voir".

Le Liban est un pays en perpétuelle reconstruction. Ce que Catherine Deneuve arrive à voir dans ce ce film, se sont les ruines des immeubles détruits. On ne les verra bientôt plus, le Hezbollah rasant et reconstruisant à vitesse grand V. L'aventure à laquelle se mêle les deux acteur est imprésivible. Les cinéastes en captent toute la vérité et c'est ce qui rend le film impressionnant et passionnant. Une discussion anodine sur la ceinture de sécurité dans les voitures en dit plus long sur la soif de liberté des libanais que la pluspart des discours théoriques. Au milieu du film, un écran noir interrompt brièvement le périple des acteurs livrés à eux-mêmes ; comme si les cinéastes interrogeaient à ce moment les spectateurs sur leur désir, à eux aussi, de voir. Le film prend une tournure inattendue et saisissante lorsque la voiture dans laquelle se trouvent les acteurs pénètre un chemin miné. Deneuve a t'elle vraiment risquée de sauter sur une mine ? Rien que l'idée, dans sa démarche, est admirable et prouve à quel point le film est courageux, à quel point le Liban est redevenu un pays incertain. 

Tulpan de Sergey Dvortsevoy (Kazakhstan)

Le Kazakhstan n'est pas un territoire vierge pour le cinéma. On a déjà parlé ici de son plus grand représentant, l'excellent Darejan Omirbaev, auteur notamment de Kardiogramma, Tueur à gage ou La Route. Le Kazakhstan, c'est ce pays là qui abrite aussi Ulzhan, la belle institutrice qui accompagne Philippe Torreton dans son périple à travers la steppe kazakhe dans le dernier (beau) film de Volker Schlöndorff.

Tulpan est donc une excellente nouvelle puisque ce film apporte la preuve que le cinéma n'est pas circonscrit au seul nom d'Omirbaev dans ce pays d'asie centrale. Cela dit, autant Omirbaev est un cinéaste avant tout citadin, autant Tulpan suit l'exemple de Schlöndorff est nous offre avant tout les paysages arides mais somptueux de la steppe Kazakh. Tulpan est le nom d'une jeune fille d'un groupe de bergers nomades. Lorsque Asa revient de son service militaire, il doit se marier afin de pouvoir devenir ensuite berger lui-même. Tulpan se refuse à lui au motif qu'il a de grandes oreilles. L'histoire du film est plutôt simple mais le cinéaste arrive à nous transporter littéralement par la rigueur de sa mise en scène et par l'audace de certaines séquences. On n'est assurément pas dans le Silence des agneaux... Vers la fin du film, Dvortsevoy oppose à la pudeur émotionnelle de ses personnages, une ahurissante et très bruillante scène d'un accouchement très douloureux d'un agneau. La sueur, la poussière, tout celà est palpable. D'où un humanisme sincère qui transpire à chaque plan. Formidable découverte.

La Nouvelle vie de Monsieur Horten (O'Horten) de Bent Hamer (Norvège)

Après une escapade américaine avec l'excellent Factotum (avec Matt Dillon en Bukowski), Bent Hamer revient au cinéma simple et burlesque qui a d'abord fait sa renommé (avec Eggs puis, surtout, Kitchen Stories). Monsieur Horten est un conducteur de locomotives sur le point de prendre sa retraite. Il n'a jamais raté un train de sa vie, mais le dernier, par un concours de circonstances, il le manquera. La Nouvelle vie que l'on nous promet dans le titre français est assez mensongère. Bent Hamer filme simplement les petites cocasseries auxquelles Monsieur Horten se retrouve confronté par le hasard d'un train raté. Pour qui est sensible à l'humour scandinave, pour qui aime à s'imaginer dans un univers quelque part au coeur du triangle Aki Kaurismaki - Jacques Tati - Roy Andersson, il est urgent de découvrir le cinéma de Bent Hamer. Les gags sont simples, la mise en scène épurée, et on ressort de la salle frais et heureux car, même si les personnages sont de vieux monsieurs, on est sensible à la simplicité de leurs vies. C'est tout le charme des personnages et des films de Bent Hamer. Sortie française le 18 juin.

La Fête de la fille morte (A festa da menina morta) de Matheus Nachtergaele (Brésil)

C'est dans des conditions inédites et effrayantes que nous avons découvert ce film, un après-midi cannois en milieu de festival. L'équipe du film, une quinzaine de personnes environ, monte sur scène pour présenter le bébé. Le réalisateur nous invite soudain à une minute de silence. Le prétexte invoqué : chaque matin sur le tournage, l'équipe se réunissait pour une minute silencieuse... Le spectacle auquel nous assistons est ahurissant. Le réalisateur bouge les lèvres comme s'il était en pleine incantation tandis qu'à sa droite, son actrice principale est littéralement en transe. Il aurait fallu que nous filmions cette scène pour que vous puissiez le croire...

La Fête de la fille morte raconte l'histoire de Santinho, promu leader spirituel d'une communauté de l'amazonie profonde après avoir été reconnu l'auteur d'un "miracle" lors du suicide de sa mère. Cette incursion au sein de cette secte est déstabilisante à souhait ; surtout dans les conditions énoncées plus haut dans lesquelles nous avons été invité à cette troublante fête. Santinho est un personnage complexe et fascinant mais pour le moins troublant. Ne serait-ce que pour les séquences d'inceste avec son père. La Fête de la fille morte laisse donc perplexe. On ressent toute la fièvre qui s'empare de cette communauté, les couleurs sont magnifiques et les ritournelles chantées sont enivrantes. Au final, on est complètement perdu, entre fascination et dégoût profond. L'expérience de ce film fût assez extrême et finalement désagréable.

Soi Cowboy de Thomas Clay (Grande-Bretagne)

Thomas Clay n'a pas trente ans qu'en deux films a peine il s'impose comme l'un des réalisateurs les plus insupportables du moment. Pourquoi cette cinglante accusation ? Parce que déjà dans son premier film, l'extraordinaire The Great Ecstasy of Robert Carmichael, Thomas Clay montrait ostensiblement a quel point il est persuadé d'être un grand metteur en scène. Avec son ambitieuse mise en scène, il pouvait en effet s'enorgueillir d'un talent hors norme. Là ou Thomas Clay commence sérieusement à devenir inbuvable, c'est quand il réalise Soi Cowboy, commençant déjà à se regarder le nombril et à s'auto-référencer.

Soi Cowboy part d'une idée simple qui a son charme : la relation entre un anglais obèse et une jeune et frêle thaïlandaise enceinte à Bangkok. Ils ne communiquent pas, elle se refuse à lui mais malgré tout, on sent une certaine affection entre les deux. Dis comme ça, Soi Cowboy peut sembler intéressant. Mais Thomas Clay n'avait rien à dire, rien a raconter, juste un peu de péloche et d'argent à dépenser. Il s'amuse à perdre le spectateur dans le le vide sidérale de ses plans-séquences inutiles. Le comble est atteint lorsqu'il abandonne ses personnages pour suivre gratuitement une vieille dame avançant très difficilement avec son déambulateur dans un couloir. Le couloir est sans fin et l'on sent qu'on est parti pour la regarder dix minutes durant pour arriver au bout. A mi-chemin, elle fait demi-tour, provoquant rires et sarcasmes. Thomas Clay joue avec ses spectateurs mais il n'a pas grand chose à dire. Il filme interminablement des cafetières ou autres objets utilitaires et abandonne ses deux personnages à une cohabitation morne et silencieuse dont il semble quelque peu se moquer. Le noir et blanc granuleux ajoute au style paresseux du cinéaste qui par quelques allusions aimeraient sans doute nous faire croire qu'il dénonce l'attitude des occidentaux en Thaïlande. On bascule subitement vers la couleur. L'envers du décor. Bref, peu d'idée, rien d'intéressant, juste une impression d'être le nez dans la farine. Prétentieux en plus lorsque le cinéaste cite Robert Carmichael ou lorsqu'il relate au téléphone une discussion sur l'accueil de ce film à Cannes. On s'est bien foutu de nous...  

Benoît Thevenin

Eldorado de Bouli Lanners (Belgique)

Knitting (Niu Lang Zhi Nu) de Yin Lichuan (Chine)

Acné de Federico Veiroj (Uruguay)

Le Voyage aux Pyrénées de Jean-Marie et Arnaud Larrieu (France)

"Les Pyrénées sont aux Alpes ce que la Quinzaine des réalisateurs est à la Sélection Officielle" (dixit un des frères Larrieu en présentation. Jolie formule).

Après Un homme, un vrai et Peindre ou faire l'amour, les deux frères les plus décompléxés (et libertins) de France nous invitent à un curieux Voyage aux Pyrénées. Jean-Pierre Darroussin et la toujours magnifique Sabine Azéma incarnent un couple d'artistes en vacances dans les Pyrénées... et madame est complètement nymphomane. Ils veulent être discret et ce n'est pas gagné. Surtout qu'un ours tchèque est dans les parages... Le Voyage aux Pyrénées n'est que pure fantaisie. C'est barge, débridé et déluré, mais intelligent et quelque peu audacieux parfois. On rit beaucoup, les gags sont énormes (mais plus c'est énorme et mieux ça passe). Un retournement s'opère dans la dernière demi-heure et ce n'est pas ici que l'on trahira le secret. Rien de bien fameux dans le fond mais c'est tellement irrésistible, bien joué et inattendu que ça motive instantanément à la découverte de ce film particulièrement loufoque. Le cinéma des frères Larrieu, c'est une bouffée d'oxygène à chaque fois. Alors, n'hésitez surtout pas à aller respirer l'air pur pyrénéen ! Sortie nationale le 9 juillet 2008

Dernier Maquis de Rabah Ameur-Zaïmeche (France)

Elève Libre de Joachim Lafosse (Belgique)

Monsieur Morimoto de Nicola Sornaga (France)

Réalisateur, producteur et acteur, Sydney Pollack s'est éteint lundi à l'âge de 73 ans. Il souffrait depuis quelques mois d'un cancer.

Réalisateur de près d'une vingtaine de longs-métrages, on doit à Pollack quelques films majeurs et dans des genres très différents : le thriller politique Les 3 jours du Condor, le drame On achève bien les chevaux, la comédie Tootsie ou encore le film d'aventure Jeremiah Johnson et la fresque Out of Africa.

Sydney Pollack débute sa carrière de cinéaste en 1966 avec Trente minutes de sursis. La même année, il réalise Propriété interdite, oeuvre qui marque la première des sept collaborations du cinéaste avec son ami Robert Redford. En 1970, son intense drame On achève bien les chevaux lui vaut pour la première fois une large reconnaissance. Sydney Pollack reçoit notamment sa première nomination à l'Oscar du meilleur réalisateur, récompense qu'il obtient en 1985 avec Out of Africa.

C'est dans les années 70 que Sydney Pollack livre ces plus grands films. Il retrace en 1972 l'impressionnant destin de Jeremiah Johnson, avant de devenir à la suite d'Alan J. Pakula, un des fers de lance du cinéma politique américain des 70's. Après Nos Meilleurs années dans lequel le couple Redford-Streisand se débat face à la chasse aux sorcières du sénateur McCarthy, Pollack enchaîne, toujours avec Redford, avec le thriller paranoïaque Les 3 jours du Condor.

Outre Redford, Pollack a dirigé quelques uns des plus grands acteurs de l'histoire du cinéma. Au début de sa carrière, il signe deux films avec Burt Lancaster (Les Chasseurs de Scalps en 1968, Un Chateau en enfer en  1970) puis dirige Robert Mitchum dans le polar nippon Yakuza (1975), Al Pacino dans Bobby Deerfield (1977) et Paul Newman dans Absence de malice (1982). Pour Pollack, Dustin Hoffman se travesti et devient Tootsie (1985), tandis que Tom Cruise est encore un jeune acteur prometteur lorsqu'il s'empare de La Firme (1993).

A partir des années 90, Sydney Pollack devient un cinéaste moins intéressant, s'égarant notamment dans un remake inutile du Sabrina de Billy Wilder et dans lequel Harrison Ford et Julia Ormond reprennent les rôles tenus à l'époque par Humphrey Bogart et Audrey Hepburn. Il dirige à nouveau Harrison Ford dans l'anecdotique thriller L'Ombre d'un soupçon (1999). En 2005, Pollack revient au thriller paranoïaque et offre avec L'interprète (avec Nicole Kidman et Sean Penn) un dernier grand film. (Lire notre critique)

En parallèle de sa carrière de cinéaste, Sydney Pollack est aussi connu pour ses talents d'acteurs. On le voit dans Maris et femmes de Woody Allen (1992) mais c'est surtout dans Eyes Wide Shut qu'il se distingue (1999). Grand ami de Stanley Kubrick, c'est lui qui favorise le choix de Tom Cruise et de Nicole Kidman aux yeux du maître, de même qu'il remplace au pied levé Harvey Keitel suite au désistement de ce dernier.

Ces dernières années, Sydney Pollack avait conservé sa fibre politique. Outre L'Interprète, il est producteur de Michael Clayton de Tony Gilroy mais aussi l'auteur d'un téléfilm évènement pour HBO, Recount. Le film, toujours inédit, revient sur les élections américaines de 2000 et le recompte des voix de l'état de Floride, lequel permit in fine à George W. Bush de devenir président des Etats-Unis.

Benoît Thevenin

Sevrés de news pendant le festival de Cannes (c'est un comble mais on ne sait pas encore se démultiplier :-S), nous revoilà pour alimenter la rubrique et... quoi de mieux et de plus alléchant que les premières images du nouveau film de David Fincher, The Curious Case of Benjamin Button ? La transition avec Cannes est évidente puisque ces premières images sont accompagnées par le thème officiel de la montée des marches, Aquarium de Camille Saint-Saens ! A l'occasion de Benjamin Button, Fincher retrouve son acteur porte-bonheur (Seven et Fight Club étant 2 de ses réussites majeurs), Brad Pitt, lequel est soumis à un curieux syndrôme : vieillard, il se met soudain à rajeunir. Pour en découvrir un peu plus et pour faire monter d'un cran votre impatience, abreuvez-vous des premières images !

Palme d'Or : Entre les murs de Laurent Cantet

Grand Prix du Jury : Gomorra de Matteo Garrone

Prix spécial du 61e festival de Cannes : Catherine Deneuve pour Conte de Noël & Clint Eastwood pour L'Echange

Prix du scénario : Luc et Jean-Pierre Dardenne pour Le Silence de Lorna

Prix de la mise en scène : Nuri Bilge Ceylan pour Trois Singes

Prix d'interprétation masculine : Benicio del Toro pour Che

Prix d'interprétation féminine : Sandra Corveloni pour Linha de Passe

Prix du jury : Il Divo de Paolo Sorrentino

Camera d'Or : Hunger de Steve McQueen

Mention spéciale à la Caméra d'Or : Ils mourront tous sauf moi de Valeria Gaia Germanica

Un Certain Regard

Prix Un Certain Regard - Fondation Gan pour le cinéma : Tulpan de Sergei Dvortsevoy.

Prix spécial du Jury Un Certain Regard : Tokyo Sonata de Kyoshi Kurosawa

Prix coup de coeur du Jury Un Certain Regard : Wolke 9 de Andreas Dresen.

Prix de l'espoir : Johnny Mad Dog de Jean-Stéphane Sauvaire 

Prix du K-O : Tyson de James Toback 

Semaine internationale de la Critique
Grand Prix : Snow de Aida Begic

Nous arrivons (Benoît, Greg et Mickael) à voir l'ensemble des films de la compétition, ainsi qu'un certain nombre des oeuvres présentées dans les sections parallèles. Nous essayerons, dans la mesure du possible, de publier nos impressions sur chacun des films. Des critiques détaillées de tous les films vus (près d'une cinquantaine), seront en ligne les jours suivant le festival. Restez attentifs !

En attendant, retrouvez sur ce billet notre buzz perso et actualisé à mesure des projos que nous découvrons

Ce billet sera actualisé quotidiennement pendant la durée du festival

Au jour du 25 mai, 12 ème jour du festival...

TABLEAU DES ETOILES/Laterna Magica

SELECTION OFFICIELLE

Malheureusement, nous n'avons pas Palermo Shooting de Wim Wenders ni 24 City de Jia Zhang-Ke.

Entre les murs de Laurent Cantet. François Bégaudeau joue son propre rôle dans l'adaptation par Laurent Cantet de son roman. Le cinéaste à su puiser l'essentiel de la substance du livre et Entre les murs est une superbe réussite. Cette confrontation entre professeur et élèves en situation scolaire précaire est riche d'humanité, de sensibilité. Bégaudeau a un peu le beau rôle mais le film demeure honnête et passionnant. Laurent Cantet est plus que jamais le plus fin cinéaste-sociologue de France. Lire la critique complète

My Magic de Eric Khoo. Le précédent film du cinéaste singapourien, Be With Me, avait été une magnifique découverte, quoique inégal. My Magic, film naïf et minimaliste déçoit un peu. On apprécie la sensibilité du cinéaste mais on aimerait aussi un peu plus d'ambition. Un joli petit film mais rien de plus...

Il Divo de Paolo Sorrentino. Portrait caustique du sénateur italien Giulio Andreotti, figure politique controversée en Italie pour ses liens supposés et avérés avec la mafia. Il est tout simplement lié à tous les scandales politiques transalpins des 30 dernières années. Le film est audacieux et exhubérant, dans la plus pure tradition débridée du cinéma de Sorrentino. Le cinéaste est au cinéma italien ce que Tarantino est au cinéma US. La mise en scène est incroyable, souvent gratuite mais malgré tout, il y a avec Il Divo de la palme dans l'air. Au moins un prix d'interprétation pour Toni Servillo, absolument incroyable dans la peau de Giulio Andreotti.

Synecdoche New York de Charlie Kaufman. Première réalisation pour le scénariste le plus barge aujourd'hui à Hollywood. On retrouve les obsessions et névroses constatées dans les films de Spike Jonze qu'il a écrit. Kaufman n'a pas le même génie visuel que Jonze ou Gondry mais son film reste assez brillant ne serait-ce bien sûr que pour son écriture. Constat surtout valable pour la pemière partie du film ; la seconde, laquelle se noie sous plusieurs niveaux de réalités et donc de narration, est déjà un peu plus décevante. Un film un peu inégal, complètement névrotique et porté par un casting indé assez génial : Phillip Seymour Hoffman, Catherine Keener, Michelle Williams, Hope Davis, Samantha Morton, Jennifer Jason Leigh, Emily Watson...

Adoration d'Atom Egoyan. Grosse déception encore avec ce film, sans doute le moins intéressant réalisé à ce jour par cet immense cinéaste canadien qu'est Egoyan. Adoration n'est cependant pas honteux. Un bon petit film dans lequel un jeune orphelin élevé par son oncle tente de reconvoquer le souvenir de ses parents disparus. Obsession, fanatisme religieux , manipulation... Adoration aurait pu être bien plus passionnant et complexe qu'il ne l'est.

La Frontière de l'aube de Philippe Garrel. Le seul film jusqu'a présent à avoir été hué à son issue. Rien de scandaleux pourtant sinon un poussif triangle amoureux déjà vu 1000 fois. Et déjà vu chez Garrel tant ce film rappelle en de nombreux points son précédent Les Amants réguliers ! Les amants... avait reçu le prix de la mise en scène à Venise. Le noir et blanc sublime qui est encore au rendez-vous ici pourra peut-être permettre à Garrel de faire la passe de deux. Pour le reste, n'écoutez pas les mauvaises langues qui démontent honteusement ce film un peu hors du temps mais assez fascinant.

La Femme sans tête de Lucrecia Martel. Chef de file du jeune cinéma argentin, Lucrecia Martel divise depuis ses débuts. Née à Cannes (La Cienaga, son premier film avait été retenu en sélection parallèle en 2001), son parcours est plus que jamais lié à la Croisette (La Nina Santa fut sélectionné en 2004 et Martel était membre du jury l'année dernière !). Bref, peut-être doit-on la présence du film en compétition au fait que la cinéaste à pris là ses quartiers mais La Femme sans tête, d'une médiocrité confondante, ne méritait tout simplement pas les égards d'une montée des marches. Un film symbolique de la tristesse de cette compétition 2008.

Che de Steven Soderbergh. L'ampleur du film (4h28 car Guerrilla et The Argentine proposés au public dans la même séance) faisait très peur. Ce que Soderbergh nous a offert est simplement brillant. La sélection s'avérant cette année plus que médiocre dans son ensemble, Steven peut espérer rejoindre le club des doubles palmés. Soderbergh n'a pas sacrifié son ambitieux projet à la traditionnelle image romantique du révolutionnaire argentin. Le Che incarné par Del Toro est tout en nuance. Un film brillant et posé. Soderbergh sait être sobre ; Del Toro l'est ici tout autant. Un film majeur, c'est garanti.

Delta de Kornel Mundruczo. Jeune réalisateur hongrois de Pleasant Day, Mundruczo a obtenu à Cannes ce que son compatriote et maître Bela Tarr n'a pas pu ramener : une véritable ovation. Delta est un film radical, dur, plombant mais d'une puissance assez unique. C'est une expérience de cinéma, un film pas forcément aimable. Nous on adore et, pour sa mise en scène et sa force narrative, Delta mériterait de trouver sa place au palmarès.

Two Lovers de James Gray. Dans le New-York lugubre de James Gray, une histoire d'amour improbable et à sens unique se tisse entre deux voisins de palier. James Gray est un grand metteur en scène et il le prouve ici encore. Two Lovers n'a cependant pas la force brute des oeuvres mafieuses du cinéaste. Une déception...

L'Echange de Clint Eastwood. Clint reste au sommet de son art. L'Echange est un film impressionnant, tant narrativement que pour sa mise en scène, et demeurera sans doute une des réussites majeurs du cinéaste. Malgré tout, nous sommes déçus, à cause d'un dernier quart d'heure insupportable, dans lequel Clint ne nous épargne aucun pathos et enfonce avec peu de tact les clous de son histoire. C'est très frustrant tant le film est par ailleurs admirable. Angelina Jolie est convaincante... mais sans plus.

Le Silence de Lorna de Luc et Jean-Pierre Dardenne. Ceux qui n'aiment pas les deux frères peuvent passer leur chemin. Lorna est plus posé que leurs précédents films mais les cinéastes titillent la même fibre sociale et humaniste que dans leurs autres longs-métrages. Au 5e jour du festival, on se dit que Lorna peut clairement envisager une troisième couronne cannoise. Limpide et habile, Lorna distille quelques moments forts. Arta Dobroshi est une découverte magnifique. Jérémie Rénier est lui aussi saisissant.

Services de Brillante Mendoza. Le cinéma philippin est en plein renouveau et Mendoza son principal chef de fil. Après le magnifique John-John, sorti en salle au début de cette année, voici Services (Serbis en V.O), dans lequel Mendoza nous fait visiter un cinéma porno, lieu de transitions ou plusieurs petites histoires se tissent. Le film rappelle parfois La Chatte à deux têtes de Nolot mais se révèle bien plus lumineux et subtile que ce dernier. Dans le brouhaha de Manille, les êtres se frottent sans tabou ni honte et, miracle du cinéma de Mendoza, ce n'est jamais vulgaire. La conclusion du film est géniale.

Gomorra de Matteo Garrone. Plongée très réaliste dans l'univers de la Camorra, cette mafia italienne, cancer de la société transalpine. Il y a dans ce film quelques scènes assez fortes mais le film manque quand même de puissance, d'audace etc. La durée du film (2h15) rend ce film d'autant moins supportable. En tous les cas guère passionnant et, avec un sujet tel, c'est un comble. Lire la critique complète

Les Trois Singes de Nuri Bilge Ceylan. Une belle histoire de sacrifice, un excellent trio de personnages, des images toujours aussi uniques chez Ceylan mais une lenteur parfois exagérée. Le grief est pauvre mais parfois à Cannes, on perd patience.

Linha de Passe de Walter Salles et Daniela Thomas. Football et religion se mêlent dans cette histoire d'une famille en lutte contre un certain déterminisme d'une société brésilienne asphixiée et disfonctionnelle. Beaucoup de justesse et de vérité. Un excellent film qui ne décevra pas les aficionados de Salles.

Un Conte de Noël d'Arnaud Desplechin. Un film ambitieux ne serait-ce que par l'ampleur de sa mise en scène. Quelque scènes d'une force incroyable, une irrévérence dans les rapports entre les personnages qui est assez réjouissante mais, malgré tout, une impression assez tiède. A quoi cela tient ? Peut-être au contexte de Cannes qui fait que ce film, tout de même très bavard et dans la tradition d'un certain cinéma français, a un peu de mal a être complètement digéré. Signalons aussi un casting impeccable, Amalric en tête. Ce conte de Noël partage beaucoup de points communs avec Rois et Reine, précédent film du cinéaste, mais ne paraît pas - en tous cas pas instantanément - aussi riche et puissant.

Valse avec Bashir d'Ari Folman. Un ovni, mi documentaire, mi fiction et... entièrement animé. Le film évoque sur un mode onirique le massacre de Sabra et Chatila. La justesse du propos, la subtilité des scènes, la force du discours et l'audace du traitement font de ce film, plus qu'une curiosité, un véritable petit miracle de cinéma qui a déjà toutes les chances de se trouver une petite place au moment du palmarès. Lire la critique complète

Leonera de Pablo Trapero. Les cinq premières minutes sont extraordinaires. La suite se déroule ensuite plus banalement, sur un faux rythme et sans surprise. La mise en scène est sobre mais intéressante. L'actrice principale est parfaite mais son personnage apathique ne suscite guère de compassion. Un film un peu étrange, intéressant mais tout simplement vain. Anecdote concernant le générique : le film est produit par Walter Salles, lui-même en compèt' avec Linha de passe.

Blindness de Fernando Meireilles. Le film d'ouverture de ce cette Sélection officielle laisse une impression des plus mitigée, peut-être à cause de l'attente qui aura longtemps précédé la découverte de ce long-métrage. Meireilles est toujours autant virtuose avec sa caméra, peut-être un peu trop. Blindness est bancal, ne convainc pas tout à fait... certainement pas nous. Lire la critique complète

HORS-COMPETITION :

Indiana Jones et le Royaume des crânes de cristal de Steven Spielberg. Un pur plaisir de retrouver Indy même si le scénario de David Koepp en laissera beaucoup sur le carreau. Contrat rempli, ni plus ni moins. Lire notre critique par ailleurs.

Vicky Cristina Barcelona de Woody Allen. Une cuvée 2008 dès plus fraiche et convainquantes pour l'incorrigible cinéaste new-yorkais. Son exil en Espagne est réjouissant, dans la lignée de Match Point, une pincée de cynisme en moins. Les acteurs sont aussi beaux que juste. Sublime découverte que Rebecca Hall. Javier Bardem est incroyable (et évidemment à l'opposée de son rôle de serial killer chez les Coen) et Woody est amoureux de Scarlett. Le film ravira forcément les fans.

The Chaser de Na Hong-Jin. Une histoire de tueur en série coréenne qui rappelle parfois Memories of Murder. Mais parfois seulement. Na Hong-Jin n'a pas le même talent que Bong Joon-Ho mais il sait indéniablement filmer. L'histoire de The Chaser est assez incroyable dans son déroulement et laisse parfois perplexe par la grossiereté de certains événements de l'intrigue. Ceci n'empêche pas un certain plaisir et The Chaser est un film efficace à defaut d'être malin. Premier film du cinéaste, il s'agit - à ce jour - du plus gros succès du cinéma coréen.

Maradona par Kusturica d'Emir Kusturica.  Lire la critique

Le Bon, la brute et le cinglé de Kim Jee-Woon.

Surveillance de Jennifer Lynch   Lire la critique

Kung-Fu Panda de Marl Osborne et John Stevenson. Lire la critique, par Michael Frasse-Mathon.

DANS LES SECTION PARALLELES:

• Un Certain regard : suivre le lien
• Quinzaine des réalisateurs : suivre le lien
• Semaine de la critique : Les 7 jours, Les Grandes personnes et La Sangre Brota

Sur le Marché du film

Martyrs de Pascal Laugier. Pascal Laugier, réalisateur du très très moyen Saint-Ange, revient avec un film précédé par un buzz assez intense. Martyrs serait une boucherie, un film traumatisant, ce qui d'ailleurs lui ferme sans doute pour le moment tous les accès aux salles de cinéma. Tant mieux en fait car si le film est effectivement ultra-violent, il est aussi complaisant dans cette violence, peu malin même. On ne tombe pas dans les travers caricaturaux et scandaleux d'une daube extrême comme Frontière(s) mais Martyrs vole à peine plus haut. Le ballon de baudruche allégé en fait de la connerie de son homologues et de ses dialogues édifiants. Martyrs reste racoleur, malgré une première partie assez bien menée et réellement intense. Les trois derniers quarts d'heures sont en revanche consternant à tous les niveaux. Et surtout inutiles. La sortie salle de ce film, elle n'est pas gagnée, et sa rumeur, il est désormais nécessaire de la pondérer.

B.T

Voir Indiana Jones à Cannes et mourir... Non, il ne faut pas déconner à ce point, d'autant plus que l'exclu n'est que très relative. Mais voilà, c'est avec un enthousiasme débordant que l'on a pu pénétrer dans la salle du Palais pour découvrir un peu avant tout le monde le film le plus attendu de l'année, voire de ces dernières années.

Disons le tout de suite, les réactions du public - composé pour une partie de fans purs et durs et pour l'autre de spectateurs moins familiés de l'univers du docteur Jones - auront été plus que tièdes... et c'est un indice qui ne trompe pas... Disons le aussi, ici nous ne sommes pas des fans hardcores de la saga, juste nous avons beaucoup - et plus encore même - de sympathie pour la trilogie initiale. Alors forcément, la question que la plupart se pose encore à l'heure où ces lignes sont écrites, est de savoir si oui ou non, Indy méritait le buzz savament entretenu par George Lucas et Steven Spielberg ?

La réponse est oui, indubitablement, et parce qu'il y a plus d'inventivité dans cet épisode que dans la pluspart  des films d'aventure sorti en salles depuis près de 25 ans. Il faut faire confiance à Steven Spielberg et à son talent incontestable de metteur en scène. Le rythme fou dans lequel nous sommes tout de suite plongé permet de revenir sans préambule aux sources du divertissement, ce  dont Indy et Spielberg sont justement d'une certaine manière, les chantres. Le rythme ne sera pas éfreiné jusqu'au bout mais on ne peut pas dire non plus que l'on s'ennuie une seconde. Qu'est ce qui fait qu'Indy déçoit alors une partie de son public ? La collusion entre deux univers essentiels du cinéaste, la cohabitation aussi entre une esthétique un peu cheap, proche des autres Indiana, et des effets-spéciaux modernes et pourtant un peu bidon (parfois).

Pour Indy 4, Spielberg a réuni sa dream-team : George Lucas a la production, évidemment, David Koepp pour le scénar et Janucz Kaminski à la photo. Ce n'est pas forcément gage de réussite. La photo de Kaminski, particulièrement bien léchée semble comme pensé pour lisser au mieux les visages de quelques vieux acteurs... Karen Allen est celle qui en souffre le plus, d'autant plus que son jeu et son personnage de Marion sont particulièrement déplorables ici. Et c'est le gros gros point noir du film. Harrison Ford lui aussi est clairement vieillissant mais il s'en tire de manière honorable. Il est juste trop vieux pour les cascades d'antant. Shia LaBeouf prend peu à peu le relais même si justement, dans sa conclusion, Spielberg indique clairement que le temps d'Indy Jr n'est pas encore venu.

Finalement, Indy 4 laisse une impression de déjà vu. C'était peut être mieux avant mais ça n'empêche pas de s'amuser quand même. C'est toujours un pur bonheur de voir ses aventures se poursuivre, même si Spielberg s'amuse à prendre le contre-pieds de l'attente suscitée. Ce quatrième volet s'adresse t'il aux fans ? On les laissera se prononcer. Nous, malgré nos réserves, ont à carrément pris notre pied.

Benoît Thevenin

Indiana Jones et le Royaume du Crâne de Cristal - Note pour ce film :

Réalisé par Steven Spielberg
Avec Harrison Ford, Cate Blanchett, Karen Allen, ...
Année de production : 2007
Sortie française le 21 mai 2008

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Au jour le jour, pour la durée du festival (14-25 mai), le fil actu des projets cinés.

(avec Le Film Français)

Samedi 24 mai

• Adrien Brody sera le héros du prochain film de Barbet Schroeder, A Very simple crime. L'acteur partagera l'affiche avec la comédienne allemande Franka Potente. Le tournage du film est prévu pour début 2009. D'ici là, le cinéaste aura sorti son dernier film en date à ce jour, Inju, avec Benoît Magimel.

Vendredi 23 mai

• Nicole Garcia tournera en avril prochain l'adaptation du Mal de Pierre de Milena Agus, "une destinée féminine de l'après-guerre à nos jours, le portrait d'une femme qui dit une passion fiévreuse et débordante". Jean Dujardin devrait jouer le premier rôle masculin. L'héroïne n'a elle pas encore été castée.
• François Cluzet réalisera en début d'année prochaine son premier long-métrage en tant que réalisateur, La Femme Trophée.
• Mélanie Laurent passe elle aussi de l'autre côté de la caméra pour les besoins d'un premier long-métrage. Le projet est décrit comme "une comédie romantique très drôle et très triste". Mélanie Laurent n'est pas novice derrière la caméra. Elle présente cette année à Cannes et en compétition son court-métrage De moins en moins.
• La société Haut et court, produira à la rentrée L'autre monde de Gilles Marchand, coécrit avec son complice Dominik Moll. Annoncé comme un thriller sophistiqué, le film devrait réunir à l'écran Grégoire Leprince-Ringuet, Louise Bourguoin et Melvil Poupaud.
• Olivier Assayas travaille déjà sur son prochain film. Il s'agira de A la poursuite du bonheur, adaptation du best-seller de Douglas Kennedy.  

Jeudi 22 mai

• Jean-Paul Salomé (Belphégor, Arsène Lupin, Les Femmes de l'ombre), dirigera un casting international à l'occasion du Camélon, scénario qu'il a coécrit avec Nathalie Carter. Le film, qui devrait être une coproduction entre la France et le Québec, réunira Marc-André Grondin (C.R.A.Z.Y) et Félicity Huffman (Desperate Housewives). Le Caméléon racontera l'hsitoire vraie de Frédéric Bourdin, un jeune fugitif français qui se fait passer pour Nicolas Barclay, un adolescent américain disparu trois mois plus tôt.
• Nobuhiro Suwa et Hou Hsiao Hsien - pour ne citer qu'eux - ont montrés la voie. Une autre pointure du cinéma d'auteur asiatique, le coréen Im Sang-soo (The President's last bang, Une Femme coréenne) tournera en France son prochain film. Le projet s'intitule simplement A woman in Paris, est présenté par le cinéaste comme "un drame érotique avec une femme attirante, qui a de l'humour et des liaisons avec de nombreux hommes. A travers ce drame, on percevra les tensions raciales (...)".  

Mercredi 21 mai

• Christophe Gans tournera au premier trimestre 2009 Le Cavalier suédois, adapté du roman de Leo Perutz, et avec Vincent Cassel en tête d'affiche.
• Xavier Gens réalisera en début d'année prochaine Vanikoro, du nom de l'île où Jean-François de Galaup, comte de la Pérouse, s'était échoué au XVIIIe siècle.
• Jonathan Zaccaï sera à l'affiche du prochain film de Micha Wald après Voleurs de chevaux. Simon Konanski est un road-movie dans le lequel Zaccaï sera sur la route en compagnie de deux vieux juifs et d'un cerceuil. Jonathan Zaccaï prépare par ailleurs son premier long-métrage en tant que réalisateur.
• Actuellement à l'affiche avec Nés en 68, Olivier Ducastel et Jacques Martineau mettrons en scène L'arbre et la forêt, avec Yannick Renier.
• Ce n'est plus un secret pour personne, Will Smith s'intéresse au remake de Bienvenue chez les Ch'tis. Le film qu'il produira (on ne sait pas encore s'il jouera dedans) s'intitulera Welcome to the Sticks et verra un employé d'une grande société envoyé au fin fonds des Etats-Unis et qui y découvrira le vrai sens de la vie...
• Mathieu Kassovitz, dont Babylon A.D sortira dans les salles le 23 août, prépare déjà son prochain tournage. Il s'agira de L'Ordre de la morale. Le film est inspiré de faits réels : les événements qui se sont déroulés en Nouvelle Calédonie entre les deux tours de l'élection présidentielle française de 1988, dans la grotte d'Ouvéa lors de l'assaut des troupes militaires françaises après une prise d'otages par les indépendantistes kanaks. Le tout s'étant terminé par un massacre. Kassovitz lui-même jouera le rôle du capitaine Le Gorju, alors chef du détachement du GIGN.
• Lauréat CNC des trophées du 1er scénario, Marc Barrat réalisera son premier film Orpailleur ou l'histoire d'un jeune guyanais qui part à la recherche de son frère. Produit par Richard Magnien et Mat Films (déjà à l'origine de Nèg Maron de Jean-Claude Flamand), Orpailleur sera le premier film guyanais.
• Un biopic de la mythique chanteuse portugaise Amalia Rodrigues sera prochainement tourné par Carlos Coelho Teixera.

Samedi 17 mai

• Jérémie Rénier, présent à Cannes en compèt' avec Le Silence de Lorna, termine le tournage de The Vintner's Luck. Réalisé par Niki Caro, le film réunit Rénier, Gaspard Ulliel, Vera Farmiga, et Keisha Castle Hughes. Adaptation d'un best-seller anglo-saxon, l'histoire est celle d'un vigneron, au début du XIXe siècle, à la recherche du cru parfait et de sa relation avec un ange.
• Le camerounais Jean-Pierre Bekolo tournera à la rentrée Eto'o l'africain, d'après la vie de la star du football Samuel Eto'o. Le film devrait sortir en prévision de la Coupe du monde 2010 en Afrique du sud.
• Europa Corp produira le nouveau film de Gérard Jugnot, une comédie de moeurs intitulée Rose & Noir.
• Producteur français établi en suède avec sa société DFM Fiktion, Olivier Guerpillon s'apprête à produire Sound of Noise, premier long-métrage du tandem suédois Johannes Stjärne Nilsson et Ola Simonsson, trois fois sélectionnés à Cannes pour leurs courts-métrages. O. Guerpillon a déjà produit 2 autres films entre la Suède et la France : Capitaine Achab de Philippe Ramos et Les Grandes personnes, premier film d'Anna Novion (avec JP. Darroussin), présenté cette année à la Semaine de la critique.

Jeudi 15 mai

• La réalisatrice de Moi, toi et tous les autres, Miranda July, tournera cet été son prochain film, Satisfaction.
• Lucia Puenzo, grand prix de la Semaine de la critique en 2007 avec son film XXY, sera elle aussi en tournage cet été. El Nino Pez, coproduit par MK2 est décrit par Nathanael Karmitz comme "dans la même veine gonflée de XXY".
• Charles de Meaux réalisera à la rentrée Stretch avec Romain Duris. Le film se déroulera dans l'univers des jockeys. Tournage entre la France et Macao et une pointure à la photo en la personne de Christopher Doyle.
• Autre chef op' fameux - avec Bruno Dumont surtout - Philippe Van Leuw passe à la réalisation et signera Rwanda 7 avril 1994
• La BBC produit le nouveau film de Jane Campion, Brighton Star ; ainsi que la comédie policière In the loop, laquelle réunit Steve Coogan, James Gandolfini et Tom Hollander

Première publication le 30 mai 2007

Sven, un jeune allemand, arrive à Auschwitz pour effectuer son service civique, sur les lieux même de ce qui a été le plus sordide crime contre l’humanité du XXème siècle. Il est affecté auprès de Krzeminski, un survivant octogénaire qui continue de vivre sur le camp.

Le film de Robert Thalheim ne prend pas la forme d’un examen de conscience. Sven débarque timidement à Auschwitz. Il est « l’Allemand » et, même si les tensions avec le peuple polonais sont aujourd’hui apaisées, Sven sait qu’il porte sur ses épaules un lourd héritage. Il se doit d’être attentif à ses paroles, à ses actes. Les plaisanteries douteuses de quelques rescapés (« demande-lui si son grand-père est lui aussi déjà venu travailler ici ») ne peuvent masquer le malaise qui subsiste.

Krzeminski, un octogénaire survivant du camp, ne facilite pas la tâche de son auxiliaire. Il est un vieil homme aigri, qui ne supporte pas de se sentir faible. Ses rapports avec Sven sont tendus et le passif des Allemands en terre polonaise n’y est sans doute pas pour rien. Sven reste néanmoins suffisamment attentif et sérieux pour être très généralement bien accepté par ceux qui vivent ici.

A travers la relation qu’il noue avec la très charmante Ania, une autre question surgit : l’enracinement à sa terre natale peu importe qu’elle ait été le théâtre d’horreurs inconcevables. Ania n’a pas connu la guerre, elle a grandit sur ces lieux et a du mal à envisager de partir. On ne peut pas dire que le passé n’a aucune prise sur elle mais elle est logiquement moins affectée que Krzeminski. Le vieil homme est lui lié à cette terre pour la vie. Sa famille n’arrive pas à le convaincre de les rejoindre pour une vie plus facile auprès de ceux qui l’aiment. Krzeminski est traumatisé par la guerre et a besoin de vivre avec ses souvenirs. Sur le camp, il est d’ailleurs le dernier à les évoquer auprès des étudiants en visite, le dernier à rappeler ce qu’il a vécu à l’occasion des commémorations qui s’organisent. Mais au final, Krzeminski effectue un constat tragique. Alors qu’il vient d’être interrompu dans un de ses discours de mémoire, le vieil homme sent que sa place n’est plus ici. « Ce que j’ai vécu n’est plus important, « La Liste de Schindler » leur fait plus d’effet ».

Et puis les touristes est un film apaisé, sans colère ni ressentiment, mais simplement humain. Le sujet était tout de même sensible mais Robert Thalheim arrive à nous toucher sans heurt. Le cinéaste signe là son second film, après Tout ira bien, sortit il y a tout juste un an en France.

Benoît Thevenin

Et puis les touristes - Note pour ce film :

(première publication le 20 avril 2008)

"Sous les bombes, la plupart sont morts sous les pierres. C'est pour eux que nous avons fait ce film..."

En 2005, Philippe Aractingi tourne Bosta l'autobus, road-movie musical énergique et flamboyant, sorte de symbole d'un Liban en reconstruction, loin des bombes. L'image du Liban souffre de ces guerres multiples qui ont endeuillé un pays martyr que l'on imagine mal, en occident, autrement que sous les ruines. Malheureusement, l'assassinat  dans un attentat du Premier Ministre Libanais Rafic Hariri, marque le début d'une nouvelle période de déstabilisation profonde du pays. Une fois de plus l'idée d'une nation libre et paisible, comme le Caramel de Nadine Labaki nous le présentait il y a peu, est mise à mal. Mais le Liban de Caramel n'était qu'une parenthèse dans l'histoire tourmentée du Liban. Lors d'un bref entretien à Cannes en mai dernier, la réalisatrice (également actrice dans Bosta) nous confiait "les bombes ont recommencés à tomber sur Beyrouth alors que nous faisions la fête de fin de tournage sur la plage". Tout un symbole.

'Il fallait filmer avec les évènements et non pas contre les évènements" (P. Aractingi)

Quand Bosta l'autobus sort en salles, le Liban est en guerre. Les bombes israéliennes tombent sur Beyrouth après que le Ezbollah ait capturés deux soldats de Tsahal.  Sous les bombes, second long-métrage de Philippe Aractingi, marque bien les bouleversements dont a été victime le Liban depuis 2005. Le film a été tourné en direct et représente donc une réaction spontané et même quasi documentaire de cette période. Encore une fois, Aractingi nous embarque sur les routes du Liban. Une femme est à la recherche de son fils sans savoir si celui-ci est vivant. "Je courre après des fantômes" dit-elle. Le Liban que nous découvrons est en ruine, encore, après qu'un mois de bombardements ait tué des milliers de libanais, ensevelis sous les pierres. Le film montre les ravages d'une guerre, matérialisé par les décombres, mais avec un impact similaire sur les consciences. Un enfant de 13 ans explique qu'il vient de vivre sa deuxième guerre. Et même si un libannais explique qu'ils sont "tous les frères d'un même pays", le liban est un pays plus que jamais divisé. La guerre détruit tout, terrasse même ceux qui ne la concerne pas. Le parcours de cette mère est cahoteux mais guidé par l'espoir. La trajectoire qui est la sienne au coeur de ces ténèbres nous forcera à ressentir toute une palette de sentiments, qui sont les siens. Sous les bombes, la tragédie.

Il y a quelques semaines, nous évoquions le film israélien Beaufort, lequel se plaçait évidement du point de vue des soldats de Tsahal, dans ce même contexte de la guerre de 2006 entre Israël et le Liban. Alors on enfonce une porte ouverte, mais la guerre est terrible pour tous ces protagonistes. Nous avons là encore la preuve. Et Sous les bombes, est un témoignage bouleversant de ces traumatismes lointain et un film qu'il est important de voir.

Benoît Thevenin

Sous les bombes - Note pour ce film :

Cronenberg revient à la SF. Après une série de film plus ancrés dans le réel qu'a l'acoutûmé  (History of violence, Les Promesses de l'ombre), le cinéaste canadien David Cronenberg pour s'atteler bientôt à un film de Science-fiction. Le projet en question serait un remake du film espagnol Los Cronocrimes, polar noir teinté de SF dans lequel un homme effectue un retour dans le passé une heure avant un crime important qu'il tentera donc d'empêcher. (avec SchockTillYouDrop)

Michael Moore voit plus loins que le 11/09. Michael Moore souhaite réaliser une suite à son célèbre documentaire Fahrenheit 9/11, film qui lui valut la Palme d'Or lors du festival de Cannes 2004. Moore revient cette année avec ses producteurs de Paramount Vantage avec l'idée de vendre lors du marché du film du festival, son idée. Fahrenheit 9/11 tentait d'éclaircir les causes des attentats du 11/09 avec une charge violente contre le président Bush Jr. (avec ComingSoon)

Jan de Bont prend la suite de "Point Break".  Ex-collaborateur privilégiée de Paul Verhoeven, Jan de Bont n'a pas le talent de son maître et on le sait. Voila que le cinéaste néerlandais (Speed, Twister) s'égare de nouveau dans un film improbable, une suite au culte Point Break de Kathryn Bigelow. Le film devrait se dérouler 20 ans après l'histoire du premier film. Héros de Point Break, Keanu Reeves retrouvera t'il pour l'occasion le réalisateur qui l'avait dirigé dans Speed ? Aucun détail n'a pourtant été donné concernant ce projet, sinon que le tournage devrait se dérouler à Singapour en Asie du sud-est.
Keanu Reeves partageait l'affiche de Point Break avec Patrick Swayze. Ce dernier est actuellement au plus mal du point de vue de sa santé. (avec The Hollywwod Reporter)

Nicolas Cage est mauvais. Le neveu de Francis Ford Coppola n'en finit plus de se compromettre dans les rôles les plus improbables (Next, Ghost Rider, Wicker Man etc) et là, on ne sait trop que pensé de son prochain fait d'arme. Nicolas Cage devrait en effet reprendre le rôle tenu par Harvey Keitel dans un remake du Bad Lieutenant d'Abel Ferrara. Werner Herzog, déjà annoncé sur d'autres projets suite à son retour réussi l'an passé avec Rescue Dawn, aurait accepté de mettre en scène ce remake. Tournage prévu à la fin de l'été. (avec Variety).

B.T

Batman Begins a plus ou moins divisé les spectateurs dans l'attente du renouveau de la franchise, après le massacre commis par Joel Schumacher dans sa succession à Tim Burton. The Dark Knight, par Chistopher Nolan encore, jouit d'un buzz extraordinaire, porté avant tout par la qualité des bandes-annonces. Un fan s'est amusé à un exercice de style assez troublant. Bien sûr, personne n'a encore vu The Dark Knight dans son intégralité. Mais le fan que nous évoquons s'est donc ingénié à réaliser une bande-annonce du Batman de Tim Burton sorti en 1989, en suivant scrupuleusement le modèle de montage de la première bande-annonce de The Dark knight ! La vidéo suivante vous permettra de comparer les deux bandes-annonces avec une sorte de constat : le retour aux sources est sans doute bien réel, Nolan est probablement un vrai fan du travail de Burton, et Burton a vraisemblablement influencé l'approche de Nolan. Pour savoir dans quelles largeurs, il faudra encore patienter jusqu'à la sortie officielle de The Dark Knight (13 août 2008) et le comparer plus en détail avec le film de Burton...

B.T

• Et pour (re)voir la toute dernière bande-annonce de "The Dark Knight", reportez-vous vers ce lien (et découvrez aussi les nouvelles B.A de Indiana Jones 4 et Phénomènes)

publié le 25/01/2008

En compétition, Fantastic'Arts Gérardmer 2008

Teeth débute comme une comédie chaste autour de la perte de l'innocence. Dawn (Jess Weixler) est une jeune adolescente victime d'une particularité physique pour le moins effrayante : son vagin a des dents... et il mord. Pour se préserver, Dawn milite très activement dans un groupe prônant la chasteté jusqu'au mariage. Dawn, aussi jolie qu'inaccessible devient fatalement la cible des garçons de son lycée. Elle est celle qu'il faut pervertir, celle qui intrigue. A partir de cette idée détournée du syndrome médical Vagina Dentata, Mitchell Lichtenstein réalise un film hybride, entre horreur et comédie. Une véritable fable en fait, laquelle questionne les premiers désirs sexuels adolescents avec une férocité incroyable et un second degré vecteur de toutes les jouissances.

Teeth se transforme presque en objet filmique féministe tant la gente masculine en prend pour son grade. Les personnages masculins sont tous des pourritures qui essayent de profiter de la fragilité supposée de Dawn. Il y a quelques scènes instantanément cultes, comme l'examen par le gynécologue ou la séquence de la perte réelle de la virginité de Dawn. En tout cas, Mitchell Lichtenstein ne nous épargne pas grand chose des castrations dont seront victimes les plus téméraires des boys du film.

Dawn devient une super-héroïne, la défenseur de l'amour pur, et l'obstacle au bout desquelles les perversités des uns ne viendront jamais triompher. Satire grincante des amours adolescentes, Teeth est plus qu'une curiosité, une vraie révélation. Jess Weixler, qui joue le rôle de Dawn, est épatante et irrésistible. A noter la présence au casting de John Hensley - le fils de Sean dans Nip/Tuck - en demi-frère plus perturbé que sa soeur elle-même, par le secret de cette dernière.

B.T

TRIVIA : Quelques films autour du même "sujet"

• Killer Condom de Martin Walz (1996/Allemagne)
• Killer Pussy de Takao Nakano (2004/Japon)

Teeth - Note pour ce film :

Réalisé par Mitchell Lichtenstein
Avec Jess Weixler, Hale Appleman, Josh Pais, ...
Année de production : 2007
Sortie française le 7 mai 2008

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Indy, Batman & Shyamalan : nouvelles bandes-annonces ! Plus besoin de mots pour évoquer ces projets les plus attendus des semaines prochaines. Ci après, les nouvelles B.A de Indiana Jones et le Royaume du Crâne de cristal, de The Dark knight et de Phénomènes, le nouveau film de Manoj Night Shyamalan.

The Dark Knight de Christopher Nolan (B.A 3)

The King of Manchester. Eric Cantona est entré à tout jamais dans la légende de Manchester United en inscrivant les plus belles pages du parcours du club dans les 90's. Devenu acteur émérite, salué récemment pour sa prestation dans le téléfilm de TF1 Papillon noir, Eric Cantona pourrait bien marier ses deux passions, cinéma et le football. L'entremetteur ne serait autre que Ken Loach. Le cinéaste palmé à Cannes en 2006 avec Le Vent se lève, préparerait un nouveau film centré sur les supporters des Red Devils. Une idée somme toute cocasse, les supporters mancuniens n'étant pas particulièrement réputés pour leur enthousiasme les après-midi de matchs ! En tout cas beaucoup moins que leurs voisins ennemis de Liverpool, ou même des londoniens d'Arsenal. A propos des Gunners, Nick Hornby a justement consacré l'ouvrage culte et au trois-quart autobiographique de sa passion pour le club des canonniers : Carton jaune. Qu'importe, le retour du King à United, ce n'est bien sûr qu'une chimère, mais même si Ken Loach transforme la star en simple supporter pour un film a vocation forcément sociale (et Dieu sait si le foot est important dans la société britannique), on est impatient de découvrir ça ! Sortie du film envisagée pour 2009. (avec The Sunday Time)

Les attentats de Londres par R. Bouchareb. Sitôt son devoir de membre du jury du prochain festival de Cannes accomplit , Rachid Bouchareb (Indigènes) tournera à Londres son nouveau film London River. Le cinéaste s'intéressera aux conséquences des attentats islamistes du 7 juillet 2005 à travers le parcours de deux étrangers (Brenda Blethyn et Sotigui Kouyate) sur les traces, au lendemain des attaques terroristes, de leurs enfants respectifs. Un pitch qui rappelle notamment le film de Philippe Arinctingi Sous les bombes (sortie le 14 mai en salle, lire notre critique) (avec Variety)

Chéreau le suiveur. Dans Intimité (2001), Patrice Chéreau filmait un homme (Mark Rylance) suivre une femme (Kerry Fox) dans les rues de Londres. Ils finissaient par se retrouver régulièrement pour une passion secrète et torride. Cette fois, pour Persécution, son nouveau film qu'il prépare trois ans après Gabrielle, Chéreau suivra un Romain Duris à la fois loup et lièvre. L'acteur fétiche de Klapisch jouera le rôle d'un homme sur les traces de la femme qu'il aime (Elsa Zylberstein) mais qui s'aperçoit bientôt qu'il est lui-même poursuivit par un inconnu (Antoine de Caunes). Le tournage débutera en septembre à Paris. (avec Le Film français)

G. Depardieu et M. Madsen ne mentent pas. Après avoir tourné sous la direction d'Olivier Assayas (Boarding Gate), l'acteur tarantinien Michael Madsen s'apprête à travailler avec une autre figure du cinéma hexagonal. Il donnera la réplique à Guillaume Depardieu dans le film US indépendant Men don't Lie que réalisera John Spencer. L'action du film se déroulera à Paris. Depardieu incarnera un aristocrate britannique et Michael Madsen un écrivain débutant en quête d'inspiration. (avec Variety)

Isabelle Huppert, femme fidèle. Oui c'est connu, Isabelle Huppert est plutôt fidèle a certains cinéastes, Claude Chabrol en tête. Mais pas loin derrière, on a Benoît Jacquot. Avec Villa Amalia, le cinéaste s'offre une cinquième collaboration avec elle (après Les Ailes de la colombe (1980), L'Ecole de la chair (1997), Pas de scandale (1998) et La Fausse Suivante (1999)). Huppert décidera dans ce film de changer de vie après avoir retrouvé par hasard un ami d'enfance au bras d'une inconnue. Xavier Beauvois devrait être du casting. (avec les Inrocks)

B.T

"The Descent 2". Neil Marshall a réussit avec The Descent à nous offrir sans doute le film le plus terrorisant de cette dernière décennie. Plus encore que Rec. Doté d'un budget de 10 millions de dollars, le film a connu un joli succès mondial du au bouche-à-oreille et engrangé plus de 57 millions de recettes. Celador films et Pathé envisagent, probablement sur ces critères, une suite au film de Neil Marshall. Le cinéaste ne réalisera pas mais produira cette suite que son monteur Jon Harris, pour ses débuts derrière la caméra, devrait mettre en scène. Shauna MacDonald et Natalie Mendoza, héroïnes du premier opus, reprendront leurs rôles au côtés de Gavan O'Herlihy, Joshua Dallas, Anna Skellern, Douglas Hodge et Krysten Cummings. L'histoire verra les survivantes forcées à redescendre dans les grottes d'où elles se sont enfuies afin de retrouver le reste de leur groupe... (avec The Hollywood reporter)

"Ninja assassin". James McTeigue (V pour Vendetta) réalisera pour The Weinstein Company Ninja Assassin dont le tournage doit commencer instamment. Le film, peut-être une version live de Ninja Scroll (à prendre avec des pincettes), réunira outre la star coréenne de la pop Jung Ji-Hoon (Je suis un cyborg), le chinois Collin Chou (Matrix Reloaded & Revolutions, DOA), les britanniques Naomie Harris (28 jours plus tard, Pirates des Caraïbes 2 & 3) et Ben Miles (V pour Vendetta) mais également l'américain Rick Yune. Ce dernier vient de rejoindre le casting et interprétera le ninja rival au héros joué par Jung Ji-Hoon. (avec The Hollywood Reporter)

Quelques changements

• Maggie Gyllenhaal (La Secrétaire, The Dark Knight) remplace Tony Collette au casting du prochain film de Sam Mendes - toujours sans titre - et avec John Krasinski et Maya Rudolph (avec Variety)
• Javier Bardem ne sera pas le héros central de la comédie musicale The Nine. L'acteur ibérique fait faux bond à Rob Marshall et aux frères Weinstein, la faute à un problème de disponibilité. The Nine a été maintes fois reporté du fait de la grève des scénaristes de l'automne dernier... (avec Worst Previews)

B.T

Si vous êtes fidèles (et attentifs) à Laterna Magica, vous savez à quel point Chris Marker nous fascine et donc nous intéresse. L'homme et rare mais Les Inrocks ont réussi une petite prouesse intellectuelo-technologique en partant à la rencontre de Marker dans l'univers virtuel de Second Life. Alors une fois n'est pas coutume, et parce que les réponses de Marker sont diablement intéressantes, voire éclairantes, voici le copié-collé de l'entretien-virtuel réalisé par Serge Kaganski et Julien Gester avec Marker :

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La seconde vie de Chris Marker (Interview)

Rare dans les médias, l'artiste nous a accordé un passionnant entretien qui s'est déroulé dans l'univers de Second Life où il tient une expo dont nous vous offrons une visite virtuelle, en vidéo.

Visitez en vidéo l'exposition de Chris Marker sur Second Life, A Farewell to Movies.

Chris Marker est l’un des grands artistes du cinéma des cinquante dernières années, même s’il récuse ce genre de terminologie, trop grandiloquente à ses yeux, et préfère se définir comme artisan bricoleur. Il est aussi un personnage public secret, toujours abrité derrière son pseudonyme, rarement présent dans les médias. Ses films n’ont jamais rencontré ce que l’on appelle “le grand public” mais sont célèbres dans le monde entier. Son bricolage le plus fameux, La Jetée (1962), a enfanté un remake de Terry Gilliam (L'Armée des 12 singes) et un bar du même nom à Tokyo, fréquenté par tous les cinéphiles de passage.

A ses débuts, il faisait partie d’une bande où l’on retrouvait Resnais, Demy, Varda, Franju, puis il s’en est détaché pour accomplir une œuvre solitaire, attentive aux grands mouvements du monde et de l’histoire, formulant des hypothèses futures, fondée principalement sur l’art du montage, poreuse à toutes les avancées technologiques, inventant ses propres enjeux formels à l’écart de toute école. Ses engagements politiques forts ont toujours fait une place au doute, parfois à une forme d’humour, à l’exemple de son chat Guillaume, félin stylisé qui prolifère depuis quelques années dans ses divers travaux. En déplaçant son “engagement” sur le terrain d’une poétique de la mélancolie et d’une inventivité permanente, il a su donner une forme ultrasingulière et percutante à l’histoire et à la politique, transformant pour le meilleur le cinéma militant – et le cinéma tout court. Il faut voir tous ses films, pour voir l’histoire et le cinéma autrement.

Il faut lui parler aussi, recueillir la parole de ce sage aujourd’hui âgé de 87 ans. Mais ce n’est pas facile, parce que l’homme esquive depuis toujours les interviews et n’a pas le goût des apparitions médiatiques. Alors que son dernier entretien accordé à un journal français datait de plusieurs années, il nous a proposé l’idée d’une rencontre dont les modalités s’accorderaient autant à son choix de la discrétion qu’à ses préoccupations de toujours. Cette rencontre s’est déroulée dans l’univers virtuel de Second Life, où Chris Marker se fait appeler Sergei Murasaki (et nous Iggy Atlas). Il y dispose d’une île qu’il a appelée Ouvroir en référence à l’Oulipo, l’Ouvroir de littérature potentielle, et d’une délocalisation par des artistes viennois de son actuelle exposition de photographies, A Farewell to Movies (jusqu’au 29 juin au musée du Design de Zurich).

Réalisé par claviers et écrans interposés, cet entretien appelait une vitesse inhabituelle, sans doute inédite, une allure qui fera peut-être paraître certaines réponses un peu courtes, mais qui produit le plus souvent la cristallisation presque instantanée d’une pensée infiniment alerte et malicieuse. “Il faudrait raser la Sorbonne et mettre Chris Marker à la place”, disait Henri Michaux.

Entretien

 [6:04] Iggy Atlas – Pourquoi le choix d’un entretien sur SL (Second Life) plutôt qu’en RL (real life) ?
[6:04] Sergei Murasaki – J’espère que ça ira plus vite.
[6:04] Iggy Atlas – Comment vous êtes-vous retrouvé à exposer sur SL ?
[6:05] Sergei Murasaki – Curiosité d’abord. Ensuite ça devient addictif.
[6:05] Iggy Atlas – En quoi ?
[6:06] Sergei Murasaki – Vous avez lu L’INVENTION DE MOREL d’Adolfo Bioy Casares ?
[6:06] Iggy Atlas – Non, aucun de nous deux ne l’a lu. Honte à nous ?
[6:07] Sergei Murasaki – Pas de quoi vous vanter… Eh bien, c’est exactement le monde de ce chef-d’œuvre que je retrouve dans SL.
[6:07] Iggy Atlas – Pouvez-vous nous préciser en quoi ?
[6:08] Sergei Murasaki – Onirisme. Sentiment de la porosité entre le réel et le virtuel.
[6:08] Iggy Atlas – Quelle pratique avez-vous de fait de ce monde virtuel ?
[6:09] Sergei Murasaki – Un exemple : quand Serge m’a dit que vous seriez deux, mon RÉFLEXE a été “il faut un troisième siège”. Ce qui est idiot dans la réalité, mais pas ici.

[6:12] Iggy Atlas – Cette île, les objets qui s’y trouvent, le musée… En êtes-vous le créateur et propriétaire ?
[6:13] Sergei Murasaki – Non, je n’ai jamais été propriétaire de rien. Ce sont des copains viennois qui ont assuré l’intendance. Géniaux d’ailleurs.
[6:13] Iggy Atlas – Combien de temps passez-vous sur SL ?
[6:14] Sergei Murasaki – Pas énormément parce que j’ai encore BEAUCOUP de travail en RL. Mais si je pouvais…
[6:14] Iggy Atlas – Si vous pouviez ?
[6:14] Sergei Murasaki – Je m’y retirerais pour de bon. Comme Brando à Tahiti. Avec moins de soucis pour l’entretien.
[6:16] Iggy Atlas – Comment appréhendez-vous la manière dont cet espace virtuel et ses usagers se sont inventé une vie, une économie, un commerce virtuel de corps et de devises ?
[6:16] Sergei Murasaki – Tout le côté commerce m’ennuie autant qu’en RL. D’ailleurs je n’y comprends rien. Mais comme je ne comprends déjà pas l’économie du monde réel…
[6:17] Iggy Atlas – Quelle place trouve SL dans vos préoccupations artistiques de toujours ?
[6:19] Sergei Murasaki – Je ne crois pas avoir jamais eu de “préoccupations artistiques”. J’aime bricoler. Ici, c’est le super-bricolage.
[6:20] Iggy Atlas – Ce que vous avez pu “bricoler” jusque-là, votre œuvre, ne prophétisait-elle pas ces nouvelles technologies en même temps qu’elle les appelait ?
[6:21] Sergei Murasaki – Faudrait alléger votre vocabulaire. “Artistique”, “prophétiser”, tout ça ne me ressemble pas. Je m’en tiens au bricolage, avec ce qu’il y a d’honorable dans l’artisanat.
[6:23] Iggy Atlas – Est-ce que SL et plus généralement les nouvelles pratiques de communication ne permettent pas de prolonger votre goût de la dissimulation, du mystère ?
[6:25] Sergei Murasaki – Il semble que quand on ne se montre pas tout le temps à la télé, on vous attribue le goût du mystère. Passons. Mais j’ai bien aimé qu’un critique de l’expo de Zurich écrive que j’étais “né pour être un avatar”.
[6:26] Iggy Atlas – Précisément, le choix d’un pseudonyme ou votre absence des médias résonnent particulièrement dans cette pratique nouvelle de l’avatar virtuel.
[6:26] Sergei Murasaki – Il y a des avatars réels ?
[6:26] Iggy Atlas – Des masques ?
[6:27] Sergei Murasaki – Ah, ça c’est autre chose. Max Jacob raconte l’histoire de deux Masques qui se donnent rendez-vous – sans s’être vus naturellement. Et quand ils enlèvent leur masque, stupeur : “Ce n’était ni l’un ni l’autre.”
[6:29] Iggy Atlas – Un avatar ou un pseudonyme, est-ce pour vous un masque ? Une manière d’effectuer une partition entre votre bricolage et ce que le reste du monde appelle “une œuvre”, “de l’art”... ?
[6:30] Sergei Murasaki – Je suis beaucoup plus pragmatique que ça. J’ai choisi un pseudo, Chris Marker, prononçable dans la plupart des langues, parce que j’avais bien l’intention de voyager. Rien de plus à chercher.
[6:31] Iggy Atlas – Mais dès lors, vous avez créé un personnage, universellement considéré comme un artiste.
[6:32] Sergei Murasaki – Je ne me suis jamais trop soucié de la façon dont on me considérait.

[6:32] Iggy Atlas – L’expo délocalisée sur SL s’intitule Farewell to the Movies, “L’Adieu aux films”. Comment interpréter cet adieu ?
[6:34] Sergei Murasaki – A Farewell TO Movies, please. Hommage à Hemingway (auteur de A Farewell to Arms (1929), “L’Adieu aux armes” – ndlr). Une façon de dire adieu au cinéma, sans doute, mais sans exagérer. Le droit de se contredire est inscrit par Baudelaire dans son projet de Constitution.
[6:35] Iggy Atlas – De l’adieu aux armes à l’adieu aux films, faut-il considérer que le film est une arme ?
[6:36] Sergei Murasaki – Sûrement pas. Juste une correspondance euphonique. Il ne faut jamais me prêter trop d’intentions.
[6:37] Iggy Atlas – Le cinéma appartient-il donc au passé ?
[6:37] Sergei Murasaki – On peut jouer avec l’idée. Godard le fait très bien. Mais lui, il est cinéaste.
[6:38] Iggy Atlas – Vous êtes-vous jamais considéré vous-même comme cinéaste ?
[6:38] Sergei Murasaki – Ja-mais.
[6:38] Iggy Atlas – Quelle étiquette préférez-vous en ce cas ? Bricoleur multimédia ?
[6:39] Sergei Murasaki – Bricoleur sûrement. Multimédia… Bon, ça appartient au jargon contemporain.
[6:40] Iggy Atlas – Les nouvelles technologies ont-elles modifié en quelque chose votre rapport aux images, aux sons, ce que vous en faites ?
[6:43] Sergei Murasaki – Forcément. Pouvoir faire tout un film, Chats perchés (2004), avec mes dix doigts, sans aucun appui ni intervention extérieurs… Et ensuite aller vendre moi-même le DVD que j’ai enregistré à la braderie de Saint-Blaise… Là j’avoue que j’ai eu un sentiment de triomphe : du producteur au consommateur, direct. Pas de plus-value. J’avais accompli le rêve de Marx.
[6:44] Iggy Atlas – A ce propos, l’exposition mêle les portraits d’artistes, les images de manifestations anciennes et récentes, les photos de personnalités politiques. Comment définiriez-vous les rapports entre votre bricolage et ce que l’on appelle communément l’idéologie ?
[6:47] Sergei Murasaki – Je crains que ce qu’on appelle communément l’idéologie n’ait plus guère de rapport avec sa définition originelle, qui était ruse de guerre, pour commencer. Maintenant c’est plutôt le substitut à une guerre qui n’existe pas. Mais ça nous entraînerait un peu loin…
[6:48] Iggy Atlas – Votre travail n’a-t-il pas toujours comporté une dimension politique ?
[6:50] Sergei Murasaki – On l’a dit. Moi, pour faire court, j’ai toujours précisé que la politique, art du compromis (et c’est tant mieux), ne m’intéresse guère. Ce qui m’intéresse c’est l’histoire, et j’ajoutais : “La politique ne m’intéresse que dans la mesure où elle est la coupe de l’histoire dans le présent.” Mais je déteste me répéter.
[6:53] Iggy Atlas – Dans des films tels que 2084 (1984), votre travail dessinait un futur hypothétique. Aujourd’hui, on parle de fin des idéologies, vous dites adieu aux films, Godard parle de mort du cinéma, le réel n’est plus seul, qu’est-ce qui pour vous s’estompe tandis que d’autres choses naissent ?
[6:56] Sergei Murasaki – Malraux avait une formule formidable, que curieusement personne n’a reprise : “Ce qui naît là où les valeurs meurent, et qui ne les remplace pas.” La difficulté des temps est qu’avant d’apporter des idées nouvelles il faudrait détruire tous les simulacres que le siècle, et son instrument favori, la TV, génèrent à la place de ce qui a disparu. C’est pourquoi je suis passionné par toute cette nouvelle grille d’informations, internet, blogs, etc. Avec ses inévitables scories. Mais une nouvelle culture naîtra de là.
[6:58] Iggy Atlas – Et quelle culture voyez-vous naître de là ?
[7:01] Sergei Murasaki – Nos petits-enfants le diront. Tout ce qu’on peut dire c’est que “quelque chose” existe, ce qui n’est déjà pas mal. Au-delà, c’est de la cartomancie (ou de la politique).

[7:01] Iggy Atlas – Vous disiez que vous retrouviez dans SL L’Invention de Morel, que retrouvez-vous de vos films dans Second Life ?
[7:02] Sergei Murasaki – La présence du chat Guillaume, en tout cas. Vous avez vu comme il a pris possession des lieux ?
[7:02] Iggy Atlas – N’y êtes-vous pas pour quelque chose ?
[7:03] Sergei Murasaki – C’est l’erreur commune. Difficile à expliquer pour qui n’a pas été chat dans une vie antérieure (ce qui est mon cas). Guillaume avait une personnalité telle qu’il s’est imposé à mes complices viennois sans que je leur aie rien demandé. Vous pourrez vérifier avec eux. Le chats ont des pouvoirs, vous savez.
[7:04] Iggy Atlas – Le réel occupe une place prépondérante dans certains de vos films, de Sans soleil (1982) au Fond de l'air est rouge (1977). Lorsque vous êtes ici, ne vous manque-t-il pas ?
[7:05] Sergei Murasaki – Je n’aurais pas cru que Sans soleil était tellement soumis au réel, mais si vous le dites…
[7:05] Iggy Atlas – Nous n’avons pas dit soumis…
[7:06] Sergei Murasaki – Quand le réel est vraiment présent, il a plutôt tendance à soumettre le reste…
[7:07] Iggy Atlas – Qu’est-ce qui vous occupe aujourd’hui en RL ?
[7:08] Sergei Murasaki – Si vous voulez dire “vraiment aujourd’hui”, je suis fasciné par les aventures de la torche olympique. Le sketch à San Francisco était la plus magnifique slapstick comedy que j’ai vue depuis longtemps.
[7:08] Iggy Atlas – Et plus généralement ?
[7:10] Sergei Murasaki – Bon, quand on apprend dans la foulée qu’un type, John Paulson, a gagné 3 milliards de dollars en jouant à la Bourse, et qu’à quatre heures de vol de chez lui, à Haïti, il y a des émeutes de la faim, ça vous ramène à une sobre réalité.
[7:10] Iggy Atlas – Comment vous informez-vous de nos jours ?
[7:12] Sergei Murasaki – Revue de presse internationale sur internet, CNN et Al-Jazeera anglais, et ma chaîne favorite, la russe, RTR Planeta, et mes informateurs ici et là – et aussi le merle du XXe arrondissement, qui me raconte tous les cancans du voisinage à cinq heures du mat.
[7:13] Iggy Atlas – Qu’est-ce qui maintient à ce point éveillé votre intérêt pour la marche de ce monde ?
[7:14] Sergei Murasaki – La curiosité, c’est tout. Je n’ai jamais éprouvé grand-chose d’autre.

[7:14] Iggy Atlas – Quel spectateur de cinéma êtes-vous aujourd’hui ?
7:15] Sergei Murasaki – Hélas hélas hélas…
[7:15] Iggy Atlas – Hélas ?
[7:15] Sergei Murasaki – J’avais toujours professé que le cinéma se regarde en salle, et que la TV sert d’aide-mémoire. Je me suis honteusement parjuré. Simplement parce que je n’ai plus le temps.
[7:16] Iggy Atlas – Quels films voyez-vous ?
[7:17] Sergei Murasaki – C’est assez anarchique. J’aime beaucoup les grandes séries américaines. Vous disiez : politique. Est-ce qu’on a jamais fait mieux dans ce domaine que THE WEST WING (A la Maison Blanche – ndlr) ?
[7:19] Iggy Atlas – Et The Wire, par exemple ?
[7:19] Sergei Murasaki – J’allais le citer ensuite. Mais là je dirais plutôt : sociologie. Sauf qu’on a intérêt à mettre les sous-titres anglais.
[7:21] Iggy Atlas – Qu’est-ce qui, au-delà du politique et du sociologique, vous fascine dans la prolifération actuelle de ces séries ?
[7:23] Sergei Murasaki – D’abord leur qualité proprement cinématographique. C’est là que sont l’invention et l’innovation, sur tous les plans, récit, montage, casting, son… Ils sont en avance sur Hollywood.
[7:25] Iggy Atlas – Il semble que vous ayez cette passion des séries en commun avec un de vos amis, Alain Resnais. Est-ce une chose dont vous discutez ?
[7:26] Sergei Murasaki – Je suppose que ça remonte à notre passion pour les comic-strips, à une époque où on se faisait regarder comme des demeurés.
[7:27] Iggy Atlas – Etes-vous toujours attentif au travail de ces vieilles connaissances que sont Alain Resnais, donc, mais aussi Agnès Varda, Jean-Luc Godard…
[7:28] Sergei Murasaki – Bien sûr. Agnès est en train d’enregistrer une interview avec Guillaume (vous voyez ce que je vous disais).
[7:30] Iggy Atlas – Comment présenteriez-vous l’œuvre de votre vie, la somme de vos bricolages, à un jeune qui ne connaîtrait pas Chris Marker ?
[7:30] Sergei Murasaki – Je lui dirais de lire L’Invention de Morel et d’aller au cinéma.
[7:30] Iggy Atlas – Pour voir quoi ?
[7:31] Sergei Murasaki – Au hasard, en oubliant tout ce qu’on lui a dit de voir.

Julien Gester et Serge Kaganski

Le nazisme par Haneke. Après un remake aussi inutile qu'éprouvant de son Funny Games (actuellement en salle), Michael Haneke retourne à son autriche natale. Il y tournera dès le moi de juin Le Ruban rouge, dans lequel il tentera, à travers le prisme d'une école de campagne des années 20, de comprendre les mécanismes ayant conduit au nazisme. Haneke espérait reformer pour ce film le couple maudit de Funny Games 1ere version (Susanne Lothar et Ulrich Mühe). Confronté à la disparition tragique de Mühe a l'été 2007, Haneke a finalement décidé de confier le rôle a un autre acteur de La vie des autre, Ulrich Tukur (vu également dans Amen de Costa-Gavras). (avec toutlecine et Les Inrocks)

Le rapt du Baron Empain par Lucas Belvaux. Marco Bellochio était revenu dans Buongiono Notte sur l'enlèvement et la mort du député italien Aldo Moro par les Brigades Rouges italiennes. Le cinéaste belge Lucas Belvaux (La raison du plus faible) s'intéressera à un fait divers similaire et contemporain, l'enlèvement en 1978 du Baron Edouard-Jean Empain, à l'époque Président-directeur général du groupe Empain-Schneider. Le riche homme d'affaire belge avait été libéré après près de 2 mois de séquestration. Pour jouer le rôle de l'industriel, Belvaux à choisi Yvan Attal. (avec Les Inrocks)

Un nouveau biopic pour J. Schnabel. Acclamé par la critique et multi-récompensé pour son Scaphandre et le papillon, Julian Schnabel réalisera bientôt un biopic de la romancière pour enfant Dare Wright. Le scénario est écrit par Caroline Thompson, une des collaboratrices de Tim Burton (Edward aux mains d'argent, L'étrange Noel de Mr Jack). (avec Les Inrocks)

Teresa Palmer dans "Transformers 2". La sublime actrice australienne Teresa Palmer s'égare chaque jours un peu plus dans les pires projets possibles. Passons sur 2h37, oeuvre ultra prétentieuse et édifiante mais qui restera comme le film qui l'a révélé. On est moins conciliant avec l'abominable The Grudge 2 de notre ami Takashi Shimizu. Maintenant, Teresa Palmer, un temps annoncée parmi les membres de la Justice League de George Miller, révise ses plans pour cause d'emploi du temps surchargé. Elle troque un blockbuster pour un autre et fera la potiche à l'instar de Megan Fox dans Transformers 2. (avec Worst Previews)

B.T