Si vous êtes fidèles (et attentifs) à Laterna Magica, vous savez à quel point Chris Marker nous fascine et donc nous intéresse. L'homme et rare mais Les Inrocks ont réussi une petite prouesse intellectuelo-technologique en partant à la rencontre de Marker dans l'univers virtuel de Second Life. Alors une fois n'est pas coutume, et parce que les réponses de Marker sont diablement intéressantes, voire éclairantes, voici le copié-collé de l'entretien-virtuel réalisé par Serge Kaganski et Julien Gester avec Marker :

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La seconde vie de Chris Marker (Interview)

Rare dans les médias, l'artiste nous a accordé un passionnant entretien qui s'est déroulé dans l'univers de Second Life où il tient une expo dont nous vous offrons une visite virtuelle, en vidéo.

Visitez en vidéo l'exposition de Chris Marker sur Second Life, A Farewell to Movies.

Chris Marker est l’un des grands artistes du cinéma des cinquante dernières années, même s’il récuse ce genre de terminologie, trop grandiloquente à ses yeux, et préfère se définir comme artisan bricoleur. Il est aussi un personnage public secret, toujours abrité derrière son pseudonyme, rarement présent dans les médias. Ses films n’ont jamais rencontré ce que l’on appelle “le grand public” mais sont célèbres dans le monde entier. Son bricolage le plus fameux, La Jetée (1962), a enfanté un remake de Terry Gilliam (L'Armée des 12 singes) et un bar du même nom à Tokyo, fréquenté par tous les cinéphiles de passage.

A ses débuts, il faisait partie d’une bande où l’on retrouvait Resnais, Demy, Varda, Franju, puis il s’en est détaché pour accomplir une œuvre solitaire, attentive aux grands mouvements du monde et de l’histoire, formulant des hypothèses futures, fondée principalement sur l’art du montage, poreuse à toutes les avancées technologiques, inventant ses propres enjeux formels à l’écart de toute école. Ses engagements politiques forts ont toujours fait une place au doute, parfois à une forme d’humour, à l’exemple de son chat Guillaume, félin stylisé qui prolifère depuis quelques années dans ses divers travaux. En déplaçant son “engagement” sur le terrain d’une poétique de la mélancolie et d’une inventivité permanente, il a su donner une forme ultrasingulière et percutante à l’histoire et à la politique, transformant pour le meilleur le cinéma militant – et le cinéma tout court. Il faut voir tous ses films, pour voir l’histoire et le cinéma autrement.

Il faut lui parler aussi, recueillir la parole de ce sage aujourd’hui âgé de 87 ans. Mais ce n’est pas facile, parce que l’homme esquive depuis toujours les interviews et n’a pas le goût des apparitions médiatiques. Alors que son dernier entretien accordé à un journal français datait de plusieurs années, il nous a proposé l’idée d’une rencontre dont les modalités s’accorderaient autant à son choix de la discrétion qu’à ses préoccupations de toujours. Cette rencontre s’est déroulée dans l’univers virtuel de Second Life, où Chris Marker se fait appeler Sergei Murasaki (et nous Iggy Atlas). Il y dispose d’une île qu’il a appelée Ouvroir en référence à l’Oulipo, l’Ouvroir de littérature potentielle, et d’une délocalisation par des artistes viennois de son actuelle exposition de photographies, A Farewell to Movies (jusqu’au 29 juin au musée du Design de Zurich).

Réalisé par claviers et écrans interposés, cet entretien appelait une vitesse inhabituelle, sans doute inédite, une allure qui fera peut-être paraître certaines réponses un peu courtes, mais qui produit le plus souvent la cristallisation presque instantanée d’une pensée infiniment alerte et malicieuse. “Il faudrait raser la Sorbonne et mettre Chris Marker à la place”, disait Henri Michaux.

Entretien

 [6:04] Iggy Atlas – Pourquoi le choix d’un entretien sur SL (Second Life) plutôt qu’en RL (real life) ?
[6:04] Sergei Murasaki – J’espère que ça ira plus vite.
[6:04] Iggy Atlas – Comment vous êtes-vous retrouvé à exposer sur SL ?
[6:05] Sergei Murasaki – Curiosité d’abord. Ensuite ça devient addictif.
[6:05] Iggy Atlas – En quoi ?
[6:06] Sergei Murasaki – Vous avez lu L’INVENTION DE MOREL d’Adolfo Bioy Casares ?
[6:06] Iggy Atlas – Non, aucun de nous deux ne l’a lu. Honte à nous ?
[6:07] Sergei Murasaki – Pas de quoi vous vanter… Eh bien, c’est exactement le monde de ce chef-d’œuvre que je retrouve dans SL.
[6:07] Iggy Atlas – Pouvez-vous nous préciser en quoi ?
[6:08] Sergei Murasaki – Onirisme. Sentiment de la porosité entre le réel et le virtuel.
[6:08] Iggy Atlas – Quelle pratique avez-vous de fait de ce monde virtuel ?
[6:09] Sergei Murasaki – Un exemple : quand Serge m’a dit que vous seriez deux, mon RÉFLEXE a été “il faut un troisième siège”. Ce qui est idiot dans la réalité, mais pas ici.

[6:12] Iggy Atlas – Cette île, les objets qui s’y trouvent, le musée… En êtes-vous le créateur et propriétaire ?
[6:13] Sergei Murasaki – Non, je n’ai jamais été propriétaire de rien. Ce sont des copains viennois qui ont assuré l’intendance. Géniaux d’ailleurs.
[6:13] Iggy Atlas – Combien de temps passez-vous sur SL ?
[6:14] Sergei Murasaki – Pas énormément parce que j’ai encore BEAUCOUP de travail en RL. Mais si je pouvais…
[6:14] Iggy Atlas – Si vous pouviez ?
[6:14] Sergei Murasaki – Je m’y retirerais pour de bon. Comme Brando à Tahiti. Avec moins de soucis pour l’entretien.
[6:16] Iggy Atlas – Comment appréhendez-vous la manière dont cet espace virtuel et ses usagers se sont inventé une vie, une économie, un commerce virtuel de corps et de devises ?
[6:16] Sergei Murasaki – Tout le côté commerce m’ennuie autant qu’en RL. D’ailleurs je n’y comprends rien. Mais comme je ne comprends déjà pas l’économie du monde réel…
[6:17] Iggy Atlas – Quelle place trouve SL dans vos préoccupations artistiques de toujours ?
[6:19] Sergei Murasaki – Je ne crois pas avoir jamais eu de “préoccupations artistiques”. J’aime bricoler. Ici, c’est le super-bricolage.
[6:20] Iggy Atlas – Ce que vous avez pu “bricoler” jusque-là, votre œuvre, ne prophétisait-elle pas ces nouvelles technologies en même temps qu’elle les appelait ?
[6:21] Sergei Murasaki – Faudrait alléger votre vocabulaire. “Artistique”, “prophétiser”, tout ça ne me ressemble pas. Je m’en tiens au bricolage, avec ce qu’il y a d’honorable dans l’artisanat.
[6:23] Iggy Atlas – Est-ce que SL et plus généralement les nouvelles pratiques de communication ne permettent pas de prolonger votre goût de la dissimulation, du mystère ?
[6:25] Sergei Murasaki – Il semble que quand on ne se montre pas tout le temps à la télé, on vous attribue le goût du mystère. Passons. Mais j’ai bien aimé qu’un critique de l’expo de Zurich écrive que j’étais “né pour être un avatar”.
[6:26] Iggy Atlas – Précisément, le choix d’un pseudonyme ou votre absence des médias résonnent particulièrement dans cette pratique nouvelle de l’avatar virtuel.
[6:26] Sergei Murasaki – Il y a des avatars réels ?
[6:26] Iggy Atlas – Des masques ?
[6:27] Sergei Murasaki – Ah, ça c’est autre chose. Max Jacob raconte l’histoire de deux Masques qui se donnent rendez-vous – sans s’être vus naturellement. Et quand ils enlèvent leur masque, stupeur : “Ce n’était ni l’un ni l’autre.”
[6:29] Iggy Atlas – Un avatar ou un pseudonyme, est-ce pour vous un masque ? Une manière d’effectuer une partition entre votre bricolage et ce que le reste du monde appelle “une œuvre”, “de l’art”... ?
[6:30] Sergei Murasaki – Je suis beaucoup plus pragmatique que ça. J’ai choisi un pseudo, Chris Marker, prononçable dans la plupart des langues, parce que j’avais bien l’intention de voyager. Rien de plus à chercher.
[6:31] Iggy Atlas – Mais dès lors, vous avez créé un personnage, universellement considéré comme un artiste.
[6:32] Sergei Murasaki – Je ne me suis jamais trop soucié de la façon dont on me considérait.

[6:32] Iggy Atlas – L’expo délocalisée sur SL s’intitule Farewell to the Movies, “L’Adieu aux films”. Comment interpréter cet adieu ?
[6:34] Sergei Murasaki – A Farewell TO Movies, please. Hommage à Hemingway (auteur de A Farewell to Arms (1929), “L’Adieu aux armes” – ndlr). Une façon de dire adieu au cinéma, sans doute, mais sans exagérer. Le droit de se contredire est inscrit par Baudelaire dans son projet de Constitution.
[6:35] Iggy Atlas – De l’adieu aux armes à l’adieu aux films, faut-il considérer que le film est une arme ?
[6:36] Sergei Murasaki – Sûrement pas. Juste une correspondance euphonique. Il ne faut jamais me prêter trop d’intentions.
[6:37] Iggy Atlas – Le cinéma appartient-il donc au passé ?
[6:37] Sergei Murasaki – On peut jouer avec l’idée. Godard le fait très bien. Mais lui, il est cinéaste.
[6:38] Iggy Atlas – Vous êtes-vous jamais considéré vous-même comme cinéaste ?
[6:38] Sergei Murasaki – Ja-mais.
[6:38] Iggy Atlas – Quelle étiquette préférez-vous en ce cas ? Bricoleur multimédia ?
[6:39] Sergei Murasaki – Bricoleur sûrement. Multimédia… Bon, ça appartient au jargon contemporain.
[6:40] Iggy Atlas – Les nouvelles technologies ont-elles modifié en quelque chose votre rapport aux images, aux sons, ce que vous en faites ?
[6:43] Sergei Murasaki – Forcément. Pouvoir faire tout un film, Chats perchés (2004), avec mes dix doigts, sans aucun appui ni intervention extérieurs… Et ensuite aller vendre moi-même le DVD que j’ai enregistré à la braderie de Saint-Blaise… Là j’avoue que j’ai eu un sentiment de triomphe : du producteur au consommateur, direct. Pas de plus-value. J’avais accompli le rêve de Marx.
[6:44] Iggy Atlas – A ce propos, l’exposition mêle les portraits d’artistes, les images de manifestations anciennes et récentes, les photos de personnalités politiques. Comment définiriez-vous les rapports entre votre bricolage et ce que l’on appelle communément l’idéologie ?
[6:47] Sergei Murasaki – Je crains que ce qu’on appelle communément l’idéologie n’ait plus guère de rapport avec sa définition originelle, qui était ruse de guerre, pour commencer. Maintenant c’est plutôt le substitut à une guerre qui n’existe pas. Mais ça nous entraînerait un peu loin…
[6:48] Iggy Atlas – Votre travail n’a-t-il pas toujours comporté une dimension politique ?
[6:50] Sergei Murasaki – On l’a dit. Moi, pour faire court, j’ai toujours précisé que la politique, art du compromis (et c’est tant mieux), ne m’intéresse guère. Ce qui m’intéresse c’est l’histoire, et j’ajoutais : “La politique ne m’intéresse que dans la mesure où elle est la coupe de l’histoire dans le présent.” Mais je déteste me répéter.
[6:53] Iggy Atlas – Dans des films tels que 2084 (1984), votre travail dessinait un futur hypothétique. Aujourd’hui, on parle de fin des idéologies, vous dites adieu aux films, Godard parle de mort du cinéma, le réel n’est plus seul, qu’est-ce qui pour vous s’estompe tandis que d’autres choses naissent ?
[6:56] Sergei Murasaki – Malraux avait une formule formidable, que curieusement personne n’a reprise : “Ce qui naît là où les valeurs meurent, et qui ne les remplace pas.” La difficulté des temps est qu’avant d’apporter des idées nouvelles il faudrait détruire tous les simulacres que le siècle, et son instrument favori, la TV, génèrent à la place de ce qui a disparu. C’est pourquoi je suis passionné par toute cette nouvelle grille d’informations, internet, blogs, etc. Avec ses inévitables scories. Mais une nouvelle culture naîtra de là.
[6:58] Iggy Atlas – Et quelle culture voyez-vous naître de là ?
[7:01] Sergei Murasaki – Nos petits-enfants le diront. Tout ce qu’on peut dire c’est que “quelque chose” existe, ce qui n’est déjà pas mal. Au-delà, c’est de la cartomancie (ou de la politique).

[7:01] Iggy Atlas – Vous disiez que vous retrouviez dans SL L’Invention de Morel, que retrouvez-vous de vos films dans Second Life ?
[7:02] Sergei Murasaki – La présence du chat Guillaume, en tout cas. Vous avez vu comme il a pris possession des lieux ?
[7:02] Iggy Atlas – N’y êtes-vous pas pour quelque chose ?
[7:03] Sergei Murasaki – C’est l’erreur commune. Difficile à expliquer pour qui n’a pas été chat dans une vie antérieure (ce qui est mon cas). Guillaume avait une personnalité telle qu’il s’est imposé à mes complices viennois sans que je leur aie rien demandé. Vous pourrez vérifier avec eux. Le chats ont des pouvoirs, vous savez.
[7:04] Iggy Atlas – Le réel occupe une place prépondérante dans certains de vos films, de Sans soleil (1982) au Fond de l'air est rouge (1977). Lorsque vous êtes ici, ne vous manque-t-il pas ?
[7:05] Sergei Murasaki – Je n’aurais pas cru que Sans soleil était tellement soumis au réel, mais si vous le dites…
[7:05] Iggy Atlas – Nous n’avons pas dit soumis…
[7:06] Sergei Murasaki – Quand le réel est vraiment présent, il a plutôt tendance à soumettre le reste…
[7:07] Iggy Atlas – Qu’est-ce qui vous occupe aujourd’hui en RL ?
[7:08] Sergei Murasaki – Si vous voulez dire “vraiment aujourd’hui”, je suis fasciné par les aventures de la torche olympique. Le sketch à San Francisco était la plus magnifique slapstick comedy que j’ai vue depuis longtemps.
[7:08] Iggy Atlas – Et plus généralement ?
[7:10] Sergei Murasaki – Bon, quand on apprend dans la foulée qu’un type, John Paulson, a gagné 3 milliards de dollars en jouant à la Bourse, et qu’à quatre heures de vol de chez lui, à Haïti, il y a des émeutes de la faim, ça vous ramène à une sobre réalité.
[7:10] Iggy Atlas – Comment vous informez-vous de nos jours ?
[7:12] Sergei Murasaki – Revue de presse internationale sur internet, CNN et Al-Jazeera anglais, et ma chaîne favorite, la russe, RTR Planeta, et mes informateurs ici et là – et aussi le merle du XXe arrondissement, qui me raconte tous les cancans du voisinage à cinq heures du mat.
[7:13] Iggy Atlas – Qu’est-ce qui maintient à ce point éveillé votre intérêt pour la marche de ce monde ?
[7:14] Sergei Murasaki – La curiosité, c’est tout. Je n’ai jamais éprouvé grand-chose d’autre.

[7:14] Iggy Atlas – Quel spectateur de cinéma êtes-vous aujourd’hui ?
7:15] Sergei Murasaki – Hélas hélas hélas…
[7:15] Iggy Atlas – Hélas ?
[7:15] Sergei Murasaki – J’avais toujours professé que le cinéma se regarde en salle, et que la TV sert d’aide-mémoire. Je me suis honteusement parjuré. Simplement parce que je n’ai plus le temps.
[7:16] Iggy Atlas – Quels films voyez-vous ?
[7:17] Sergei Murasaki – C’est assez anarchique. J’aime beaucoup les grandes séries américaines. Vous disiez : politique. Est-ce qu’on a jamais fait mieux dans ce domaine que THE WEST WING (A la Maison Blanche – ndlr) ?
[7:19] Iggy Atlas – Et The Wire, par exemple ?
[7:19] Sergei Murasaki – J’allais le citer ensuite. Mais là je dirais plutôt : sociologie. Sauf qu’on a intérêt à mettre les sous-titres anglais.
[7:21] Iggy Atlas – Qu’est-ce qui, au-delà du politique et du sociologique, vous fascine dans la prolifération actuelle de ces séries ?
[7:23] Sergei Murasaki – D’abord leur qualité proprement cinématographique. C’est là que sont l’invention et l’innovation, sur tous les plans, récit, montage, casting, son… Ils sont en avance sur Hollywood.
[7:25] Iggy Atlas – Il semble que vous ayez cette passion des séries en commun avec un de vos amis, Alain Resnais. Est-ce une chose dont vous discutez ?
[7:26] Sergei Murasaki – Je suppose que ça remonte à notre passion pour les comic-strips, à une époque où on se faisait regarder comme des demeurés.
[7:27] Iggy Atlas – Etes-vous toujours attentif au travail de ces vieilles connaissances que sont Alain Resnais, donc, mais aussi Agnès Varda, Jean-Luc Godard…
[7:28] Sergei Murasaki – Bien sûr. Agnès est en train d’enregistrer une interview avec Guillaume (vous voyez ce que je vous disais).
[7:30] Iggy Atlas – Comment présenteriez-vous l’œuvre de votre vie, la somme de vos bricolages, à un jeune qui ne connaîtrait pas Chris Marker ?
[7:30] Sergei Murasaki – Je lui dirais de lire L’Invention de Morel et d’aller au cinéma.
[7:30] Iggy Atlas – Pour voir quoi ?
[7:31] Sergei Murasaki – Au hasard, en oubliant tout ce qu’on lui a dit de voir.

Julien Gester et Serge Kaganski

On lui doit quelques documentaires fameux sur la CIA, le FMI, et certaines figures politiques américaines et françaises. William Karel propose une oeuvre dès plus sérieuse qui ne masque pourtant pas sa roublardise. Opération Lune en est l'exemple le plus manifeste. Pour Laterna Magica, William Karel parle de son oeuvre à venir, de ses films passés, mais pose aussi son regard sur quelques sujets brûlants. De Kennedy à Sarkozy, ce que William Karel dit risque de ne pas laisser indifférent...

Laterna Magica : William Karel, sur quoi travaillez-vous actuellement ?

William Karel : En ce moment, je suis en train de finir le montage d’un film mi-fiction, mi-documentaire, que j’ai tourné pendant un an aux Etats-Unis avec des comédiens américains comme Kirk Douglas, Cyd Charisse ou Ben Gazzara…

… sur quel sujet ?

Ca tourne autour du milieu du cinéma. Ca part d’un fait réel, le meurtre d’une actrice qui a eu lieu au début des années 40. Soixante ans après, on retrouve des documents. Le flic qui avait 25 ans au moment ou l’enquête n’avait pas aboutit, réouvre l’enquête et essaye de comprendre ce qui s’est passé.

Est-ce que ça a quelque chose à voir avec "Le Dahlia Noir" de James Ellroy ?

Non mais on me l’a déjà demandé (rires). C’est pareil, soixante ans après ils réouvrent l’enquête ?

Non non, l’histoire se déroule pendant les années 40… Sinon, présenté comme ça, le film semble avoir des raisonnances avec votre documentaire "Hollywood". Est-ce que c’est le cas ?

Oui bien sûr… Hollywood était aussi faux que Opération Lune. Enfin… toute une partie. Je racontais des trucs aberrants et on était surpris que les gens y croient. Il y avait des faux témoignages dans le film. On avait vu une histoire comme quoi les enfants américains détestaient manger les fruits frais parce qu’ils préféraient de loin les trucs en boîte, qui avaient meilleurs goûts. On avait raconté dans le film qu’ils avaient inventé un produit à Los Angeles, ou ils mettaient quelques gouttes d’une substance qui donnait un goût de fer blanc à une salade de fruits frais, pour que les enfants s’habituent et mangent… Arte m’a envoyé une pile de lettres de gens en France qui demandaient comment trouver ce produit en France pour leurs enfants ! Plus on raconte n’importe quoi et plus les gens y croient…

En France, les cinéastes éprouvent des difficultés à réagir rapidement à l’actualité politique et on a peu de films sur nos présidents, même s’il y a sans doute beaucoup de choses à dire… A quoi cela est du selon vous ?

Je ne pense pas que ça vienne des cinéastes. Ce doit être les chaînes qui sont frileuses. Arte était un peu moins frileuse et a accepté le projet Poison d’avril, mais ce sont les chaînes qui… Par exemple, si aujourd’hui vous proposez un documentaire sur Sarkozy, vous ne trouverez aucune chaîne. Y compris, et j’ai des amis qui les ont sollicités,  Canal ou d’autres chaînes qui ne sont pas nationales comme France 2 ou France 3. Il y a une impossibilité.

Il y a un autre point, et c’est pour cela que pendant cinq ans je n’ai fait que des documentaires aux Etats-Unis, c’est que les américains parlent, contrairement aux Français. J’ai des amis qui essayent d’en faire sur la guerre d’Algérie, même sur Dien Bien Phû ! J’ai un ami, Patrick Jeudy, qui est allé retrouvez des responsables, cinquante ans après. Ils ne racontent rien… Comme ils espèrent toujours… En France, un homme politique se dit toujours qu’il pourra finir au Conseil constitutionnel ou au Sénat, tandis qu’aux Etats-Unis, les hommes politiques finissent par rentrer dans le privé et ne reviennent plus. Ils parlent donc beaucoup plus facilement. C’est très facile de faire des films là bas.

En parlant de présidents, vous vous êtes déjà intéressé à Giscard ("VGE, le théâtre du pouvoir"), à Mitterrand ("Un Mensonge d’Etat"). A quand Chirac et Sarkozy ?

Sarkozy, j’aurais adoré. Chirac, dans Poison d’avril, il en est beaucoup question. Sarkozy j’adorerais le faire… mais comme j’ai dit beaucoup de mal de lui dans des entretiens, j’ai peu d’espoir. Mais c’est un personnage intéressant. J’aurais même pu faire un film sur Carla Bruni (sourire).

Actuellement, vous êtes à l’affiche via le film de Philippe Faucon, "Dans la vie"…

… comme scénariste oui. Ma fille joue dedans d’ailleurs. Elle est la femme du personnage joué par Philippe Faucon.

Pouvez-vous parler de votre collaboration avec lui ?

C’est le cinquième film. Disons que je suis un réalisateur de fiction frustré. Si je pouvais, je ne ferais que des fictions mais on ne m’a pas laissé en faire pendant des années jusqu’à Poison d’Avril. Et donc avec Faucon, j’ai écris des scénarios… mais j’en écris tout le temps. Dès que j’ai un moment, j’en écris un, j’adore ça.

C’est une collaboration privilégiée avec lui ?

Oui, je le connais depuis longtemps et on a l’habitude de travailler ensemble. Mais il garde toujours très peu de ce que j’écris (rires).

Mais justement, est-ce que vous vous déciderez a garder vos scénarii pour vous et à passer à la fiction ?

Normalement bientôt. Celui que je suis en train de finir, avec Kirk Douglas et Ben Gazzara, passera début juin sur Canal +. Après je dois faire pour France 2 une fiction, mais une fiction disons politique…

… dans le style de "Poison d’avril"  ?

Non, c’est un huis clos. France 2 a eu du courage d’accepter ce projet, mais pas parce que le projet est dérangeant… Vous savez, c’est en 1981, avant l’élection de François Mitterrand, il y a eu un dîner organisé par Edith Cresson. Ils ont commencé à dîner à 9 heures chez Edith Cresson et ça a duré deux heures. Le but, c’était comment abattre Giscard et faire gagner Mitterrand. On a rencontré Giscard et fait 50 heures d’entretien pour savoir comment ça c’était passé, parce que Mitterrand, avec perfidie, avant de mourir, a appelé Giscard et lui a raconter les détails du dîner, et comment Chirac avait assassiné Giscard. Pour le film, j’ai rencontré Edith Cresson, ainsi que la femme qui servait à table etc. Ils étaient cinq au dîner. Le film commence à 21h et finit à 22h30…

… En temps réel ?

En temps réel et à deux personnages parce qu’ils ont dîné sans aborder le sujet et vers 21 heures, ils ont pris leurs desserts et sont allés dans le salon. Le film commence avec un générique pendant le dîner où ils disent n’importe quoi et après ils se retirent pour discuter. L’idée est donc de mettre deux personnages dans un huis clos et en temps réel. Ce qui est important c’est l’écriture mais surtout que ce soit bien joué. Mais on a pas encore débuté le casting. Il faut que les acteurs soient crédibles, qu’ils soient aussi bon qu’Helen Mirren dans The Queen… France 2 a pensé à Michel Bouquet (NDLR : il a déjà joué le personnage de Mitterrand dans le film de Guédiguian Le Promeneur du Champs de Mars), mais en 1981, Mitterrand n’avait qu’une soixantaine d’années. Enfin, on a encore le temps, c’est pour le début de l’année prochaine.

Et dans le cas ou ça ne se ferait pas, j’écris un film d’après un livre américain de Gérald Shapiro qui s’appelle Les Mauvais Juifs. On a acheté les droits. C’est une comédie autour du cancer et des soins palliatifs en phases terminale. C’est un livre très drôle mais je ne sais pas comment ça passera à l’écran. Par exemple, ma fille, à qui je l’ai fait lire, l’a jeté en disant qu’on ne peut pas plaisanter avec ce genre de sujet…

« On peut rire de tout mais pas avec tout le monde » ...

Exactement. Lui était le premier, Desproges, à rigoler de ça. Tous ses sketchs « j’ai pas le cancer » et son communiqué ou il disait « Pierre Desproges est mort ». C’est fort de rigoler jusqu'à la fin

Vous avez beaucoup travaillé sur les questions géopolitiques, notamment avec "CIA : Guerres secrètes" ou "Le Monde selon Bush". Actuellement, le débat en France porte sur l’envoi d’un contingent supplémentaire de soldats français en Afghanistan. Quel est votre point de vue sur cette question ?

Je ne suis pas spécialiste en politique mais je pense que c’est d’une bêtise totale, une aberration complète. Je ne comprend pas du tout cette manie, alors que Bush est en fin de parcours, de se raccrocher à lui et lui donner une certaine crédibilité. Je trouve ça effarant.

Votre canular "Opération Lune" a particulièrement bien fonctionné. Et a en croire les déclarations de Marion Cotillard exhumées par Marianne, ça a bien marché sur elle aussi…

… Oui oui, elle n’a pas cité le film mais il y en a pas eu beaucoup pour dire ça (rires)

Moi, ce qui m’a fasciné dans ce film, c’est que vous ayez réussi à convaincre Donald Rumsfeld d’apporter sa caution au sujet. Comment avez-vous procédé ?

Il n’a jamais apporté sa caution. Les cinq conseillers de Nixon, je les ai rencontrés un an avant pour faire un film sur le Watergate et on a fait une heure et demie d’entretien avec chacun des cinq conseillers. Quand on a décidé de faire ce faux documentaire, pour le rendre crédible, on a fait des transcriptions de tous ces entretiens et on a choisi des petits bouts chez chacun pour les mettre bout à bout et faire croire qu’ils parlaient de ça. Ils ne parlent pas une seconde dans le film de la Lune mais il y a un faux témoins au milieu, qui est la secrétaire de Nixon, et qui est la seule à parler de la Lune. Elle permet de faire les liens. Les autres donc n’en parlent pas, ils n’étaient pas au courant.

Après le poisson d’avril, "Poison d’avril". "Opération Lune" et "Poison d’avril" ont justement ça en commun : l’idée du pouvoir de l’image sur les spectateurs les plus crédules...

Ce n’était pas un jeu Poison d’avril. Il y a eu tellement de livres après l’élection certifiant que c’était ce qui avait fait basculer l’élection, cette folie vous vous souvenez…

Mais c’est un point de vue partiel voire partial par rapport à l’explication de l’échec de Jospin. C’est plus une thèse…

… sur le fait qu’entre le vendredi et le dimanche, le cours des élections a basculé ? Plus ou moins. Tout le monde pensait que Jospin allait arriver. Si vous lisez le journal de Sylviane Jospin, qui a eu l’honnêteté de le publier tel qu’elle l’a écrit, à cinq heures de l’après-midi le dimanche, elle écrit que Lionel est a l’arrière de la voiture et il écrit son discours de remerciement aux français de l’avoir choisi…

Il y avait des indices. Je me souviens d’un documentaire de Canal + ou John-Paul Lepers pose à Jospin la question de son élimination, et il rit…

Oui. Je l’ai gardé dans le film d’ailleurs cet extrait. Lepers lui demande s’il y a une chance et Jospin dit « je ne réponds pas aux questions fantaisistes ». J’ai enlevé un autre extrait avec Martine Aubry, le samedi matin, lors de la conférence de presse. On lui demande si Jospin peut ne pas être qualifié et elle répond en demandant s’il n’y a pas d’autres questions. Ils ont vraiment été aveuglés.

Tous vos films ou presque évoquent un complot. Quel recul avez vous par rapport à ça ?

J’adore ça la théorie du complot. Ca nourrit toutes mes insomnies (rires). Sur Kennedy, bon je ne vais pas refaire un autre film, mais il y a des gens que j’ai rencontrés il y a dix ans comme Robert Berg qui est toujours à la CIA. Il fouille tout le temps lui aussi. Il est obsédé. Il m’envoie des documents sur l’assassinat de Kennedy. Il vient de m’envoyer une piste qui semble la plus sérieuse, ou se seraient trois français partis de France qui auraient tués Kennedy. Trois qui auraient été payés 1 millions de dollars et l’un se trouverait à Marseille.

C’est vraiment une piste sérieuse ?

Celle là ? Très.

Parce qu’en même temps, ca apparaîtrait quasiment au moment ou la France est dénigrée et montrée du doigt par les américains...

Ce n’est pas pour dénigrer. Lui rassemble les documents et fait son enquête.

Mais depuis le temps que Kennedy a été assassiné, cette piste française a t’elle ne serait-ce qu’été murmuré par quiconque ?

Non, mais comme tous les dix ans ils ouvrent une partie des archives de la CIA, et que lui travaille là-bas, il me dit sur quoi il est tombé. Sur le film que j’ai fait sur la CIA, a propos de l’assassinat de Kennedy, on le voit (Robert Berg), tomber sur des trucs somptueux, des dossiers préservés dans des boîtes en acier. Pour les sortir, il fallait une note signée par le président des Etats-Unis. Il a perdu son poste parce qu’il a tenté d’imiter la signature et les documents ont été déclarés perdus. Il est aussi fou que moi dans le complot ! Il y a cinquante théories sur l’assassinat de Kennedy, la seule que tout le monde confirme, c’est que ce n’est pas Oswald qui l'a tué.

"Le Monde selon Bush" me paraît beaucoup plus honnête que le travail de Michael Moore sur le même sujet. Est-ce que vous, les américains vous connaissent ?

Le public je ne sais pas mais les hommes politiques oui. Je suis resté cinq ans aux Etats-Unis et j’ai fait neuf films. A l’ambassade à Paris ils me connaissent. Je ne fait pas de propagande pour les Etats-Unis. Années après années, alors que je critique très durement les Etats-Unis,  à l’ambassade ils continuent de m’aider si je cherche un témoin dont je n’ai pas la trace. C’est ça qui est étonnant. Quand je travaillais sur Le Monde selon Bush, a un moment il y a des documents qui sont sortit aux Etats-Unis sur le grand-père Bush, le père du premier président Bush. Après cinquante ans, les documents ont été mis a disposition du public, et on s’est rendu compte qu’il collaborait avec les nazis. Je trouvais que c’était une information extrêmement intéressante et je cherchais des photos ou des bouts de films pour voir la tête qu’il avait. Il y en avait nulle part. Un des types avec qui je travaillais m’a dit « mais aux Etats-Unis, ce n’est pas comme en France. Appelez la famille Bush, ils vont vous donner ce que vous cherchez ». J’ai téléphoné en étant extrêmement gêné. Ils savaient très bien que si je demandais des photos du grand-père c’était parce que la semaine précédente dans Time, ils avaient raconté toute l’histoire… Le lendemain, ils me donnaient tout ce qu’ils avaient. Du coup, vous vous dites que votre rôle est totalement inutile et qu’ils s’en foutent complètement…

Justement, c’est ce qui m’amenait à vous posez cette question. Michael Moore a un succès mondial, ses films sont vus, mais est-ce que finalement l’impact que ces films ont va plus loin que le simple titillement de la conscience des spectateurs ?

En tout cas lui est rentré en dépression après la réélection de Bush. Tout le monde pariait, et moi aussi d’ailleurs, que jamais les américains seraient assez débiles pour voter une deuxième fois pour Bush. Il paraît qu’il s’est enfermé pendant trois semaines, tellement le choc était fort pour lui.

Nous sommes ici à Vesoul dans une région qui à travers le mouvement Medvedkine ou le conflit social chez Lip, a joué un rôle important par rapport aux contestations de 68. La question a peut-être valeur de sujet de thèse et a nourrit de nombreux ouvrages. Alors que l'on célèbre ses quarante ans, un nouveau Mai-68 est-il possible aujourd’hui selon vous ?

Je suis toujours naïf et je dirais oui. Je pense qu’il y a tous les prémices. Je pense que les gens ne supporterons pas…. Bon je ne suis arrivé en France qu’en 1981. Je n’ai même pas la nationalité française, j'ai la nationalité suisse et israélienne… mais je sais que les français sont comme ça, somnolant de temps en temps, mais ils se réveillent…. Je m’embarque toujours dans des paris stupides, mais je ne sais même pas si Sarkozy finira les quatres années qu’il reste de son mandat. Les gens ne supporterons pas… Il fera une erreur monstrueuse, ça va lui échapper. J’espère que ça ne concernera pas la force nucléaire mais je pense que c’est comme un gamin, qui est arrivé jusqu’ici, qui a eu un jouet. Il prend ses décisions tout seul, il ne consulte personne. C’est un fou, un danger public.

Par rapport aux groupes Medvedkine, un des membres était Chris Marker. Lui c’est plus les ouvriers, les conflits sociaux et vous la géopolitique, le pouvoir… mais est-ce que Chris Marker a pu être à un moment donné une inspiration pour vous ?

Non. J’aurais voulu. Vraiment, j’admire tout ce qu’il fait. Si je cherchais des filiations, ce serait Brian Lapping par exemple, qui travaille à la BBC… Moi je ne fais pas de documentaires au sens classique, c’est plus du journalisme d’investigation. Une fois que je décide de traiter un sujet, je commence déjà à rechercher pendant dès mois qui est encore vivant et qui a quelque chose à raconter. Surtout pas un historien ou un journaliste, mais des témoins qui parlent à la première personne. Je les cherche, j’essaye de les convaincre de me raconter ce qu’ils savent, et je vais m’asseoir en face d’eux. Le forme du film n’a aucun intérêt. A la limite si je pouvais faire comme Jérôme Prieur, celui qui a fait Corpus Christi… Il fait parfois des films de quatre heures avec uniquement des entretiens, et aucune archive etc. Il n’y a que les entretiens qui l’intéresse. C’est presque une corvée de donner une forme agréable au film. Certains critiques disent que c’est comme de la radio filmée. C’est vrai mais j’aime bien. Rien ne remplace un témoin direct je pense. Pour revenir à Kennedy, dans le film que j’ai fait, j’avais retrouvé le sous-directeur de la CIA. Bob Kennedy était persuadé que c’était la CIA qui avait descendu son frère. Lui m’a raconté que le lendemain de l’assassinat, Bob Kennedy est arrivé en fracassant la porte de son bureau et a demandé « pourquoi vous avez descendu mon frère ? ». Raconté par un historien ou un journaliste, ça n’a aucun intérêt. Raconté par celui qui était assis dans le bureau…

Propos recueillis par Benoît Thevenin à Vesoul, le 3 avril 2008.

Pour en savoir plus :

• Notre texte sur les documenteurs, publié le 13 février 2005

• Notre portrait de William Karel, publié le 19 mars 2005

En l'espace de 10 ans, tout s'est accéléré pour Philippe Claudel. Après plusieurs romans plutôt bien considérés (dont Le Bruit des trousseaux et J'abandonne), il reçoit en 2005 le prix Renaudot pour Les Âmes Grises, qu'Yves Angelo adapte au cinéma. Avec Il y a longtemps que je t'aime, Philippe Claudel revient à on premier amour, le cinéma. Un premier film immédiatement apprécié et d'ailleurs accueillis par la sélection officielle du festival de Berlin en février dernier. Philippe Claudel revient pour nous sur son parcours et sur son film...

Laterna Magica : Vous avez écris plusieurs romans avant votre premier film. La réalisation est-elle quelque chose qui vous a toujours attiré ?

Philippe Claudel : Oui, c'est même quelque chose qui remonte à loin. Mes premiers essais, c'était lorsque j'étais étudiant à Nancy dans les années 80. Il commençait alors à se mettre en place un département cinéma qui est ensuite devenu, bien plus tard, l'IECA (Institut Européen du Cinéma et de l'Audiovisuel, école rattachée à la faculté des lettres de Nancy). On était tout un groupe à bidouiller des courts-métrages avec les moyens du bord. Et déjà à cette époque, il y avait chez moi un désir de faire des longs. J'avais écrit un ou deux scénarios de longs-métrages mais que je n'avais jamais réussi à montrer. Je ne connaissais pas grand monde dans le cinéma professionnel. Je faisais un peu ce que vous faites là mais dans le cadre d'une radio libre. J'avais comme ça quelque contacts avec des metteurs en scène ou des comédiens mais ça n'allait pas plus loin. J'ai laissé ça de côté pendant assez longtemps, pour plus me concentrer sur mes romans. Il y a une dizaine d'année, quand j'ai commencé à publier, le cinéma est revenu vers moi par la personne d'Yves Angelo qui m'avait demandé de travailler avec lui. C'est finalement grâce à Yves que je suis revenu dans le milieu, en tant que scénariste. J'ai rencontré beaucoup de producteurs, de techniciens et, au fil des années, le désir de maîtriser complètement un film s'est accentué. Et là, il se trouve que j'avais le scénario qui me passionnait et que je n'avais envie de le redonner à personne. Et j'ai eu la chance de rencontrer des producteurs qui ont voulu le faire.

L'histoire de "Il y a longtemps que je t'aime" se déroule à Nancy et le film est parsemé de clins d'oeil à la région. Etait-il important pour vous de rester fidèle à vos racines. Aussi, qu'elle est la part personnelle que vous avez mis dans ce film ?

Il était très important que ça se passe en province. Très franchement, si la région Lorraine et la ville de Nancy n'avait pas pu nous aider... La région Lorraine a donné une enveloppe. Ils ont développé un secteur partenariat cinéma depuis Les Âmes grises (NDLR, de Yves Angelo, d'après le roman de Philippe Claudel) et là ils ont consacré leurs subventions de l'année passée à ce film. Ils ont aussi créé un bureau des tournages. C'est donc une région qui s'ouvre de plus en plus au cinéma. S'il n'y avait pas eu ça, et la ville de Nancy qui nous a beaucoup aidé en nous prêtant une maison, qui nous a beaucoup facilité la vie pour le tournage dans la ville, et si une autre région avait été preneuse... Voila, on le faisait dans une autre ville. Ce qui était important, c'était que cela se passe en province, parce que c'est typiquement pour moi une vie de province, des relations de provinces.
Comme Nancy et la région ont été partenaires, moi j'étais très heureux. Ca me permettait d'être dans des endroits que j'aime, que je connais très bien, de faire travailler aussi des gens de la région, des figurants, des techniciens d'appoints, des stagiaires et notamment des étudiants de l'IECA. Ca me permettait aussi de dessiner une sorte d'autobiographie. Les lieux que j'ai choisis sont tous des lieux qui ont un sens dans ma vie : la fac de lettres et mon bureau de la fac, mais aussi la piscine de Nancy Thermal que j'ai beaucoup fréquenté, la place d'Alliance, le musée des Beaux-Arts etc. Tous les lieux qui ont été choisis, ou qui sont seulement aperçus, témoignent un peu comme cela d'une histoire personnelle. Le spectateur ne le voit pas, ne s'y intéresse pas, mais pour moi c'était important.

Dites-moi si je me trompe mais il me semble que vous éprouvez une attirance pour l'asie, et qui serait symbolisée dans le film par le personnage l'enfant adoptée par Léa (Elsa Zylberstein) ?

Oui oui c'est vrai. Moi même j'ai adopté. Ma fille est née au Viêt Nam. Il y a des échos personnels. C'est à la fois une région du monde que je connais bien et qui m'a beaucoup apporté, mais c'est aussi un thème assez personnel l'adoption.

Le titre du film pourrait être celui d'une comédie romantique mais induit en fait l'idée principale du film qui est la suite de la contine A la Clairefontaine (NDLR "Jamais je ne t'oublierai"). Tout le film me parait construit sur ce principe. Il y a d'abord ce que l'on voit en surface, puis ce qui apparaît peu à peu lorsque l'on gratte.

Oui et c'est ce que je fais aussi dans mes romans. J'aime beaucoup solliciter l'intelligence du lecteur, ou du spectateur. Il y a des films ou des romans que je n'aime pas trop car ils me laissent trop en dehors, tout m'est expliqué, tout m'est dit et je n'ai pas a réfléchir puisque tout est là. Ce qui m'intéressait, c'était de fonctionner de manière plus impressionniste, d'arrêter des scènes avant que l'on en sache trop, avant qu'un sentiment, une émotion, ne soit développée, de façon à ce que le spectateur puisse continuer seul le chemin. Donner des signes, des indices, des morceaux de sens, mais au spectateur ensuite de compléter.

Toute l'émotion est d'ailleurs contenue jusqu'à...

... sauf à la fin ou elle explose. C'est une scène d'accouchement. Ce personnage qui a été longtemps enclos, soudain se libère et sort tout ce qu'elle a. Là, il n'était pas question de la brider l'émotion. Au contraire, il fallait qu'elle jaillisse violemment. Mais autrement, sur tout le film effectivement, on avance prudemment jusqu'à ce moment.

La thématique de l'enfermement est récurrente dans votre oeuvre littéraire et dans ce film. Pour moi elle est d'abord liée à l'idée d'ouverture sur le monde. Quel est votre point de vue à ce propos ?

Oui c'est ça. C'est un film qui essaye d'inspecter cette thématique de l'enfermement, de l'exclusion aussi, et également, ce qui va de paire, pour ce qui provoque l'exlusion, du regard que les autres peuvent avoir sur quelqu'un. Un regard qui souvent condamne assez vite. Je me suis aperçu finalement que le personnage de Juliette (Kristin Scott-Thomas) était assez proche du personnage de Brodeck dans mon dernier roman, assez proche aussi de l'un des personnage de La Petite fille de Monsieur Linh, c'est à dire des personnages qui reviennent de quelque part, qui sont loin d'un milieu dans lequel ils ont vécu longtemps, et qui essayent de trouver une place au sein d'une communauté. Cette communauté, la plupart du temps les rejette. Il se trouve que là, le film est beaucoup plus optimiste que les romans. Ce qui m'intéressait justement c'était de voir comment les liens pouvaient se recréer, et comment les autres arrivaient à briser l'enfermement et à faire revenir malgré elle, la personne dans la communauté. Il y a beaucoup plus d'espoir dans ce film que dans les livres que j'ai écris.

Les sujets de vos livres et de ce film sont très différents les uns des autres mais le dénominateur commun serait un profond attachement à l'être humain. Accepteriez-vous que l'on vous définisse comme un humaniste ?

Je me méfie toujours un peu des étiquettes mais c'est vrai qu'à chaque fois qu'un journaliste ou un lecteur vient me dire ça, c'est quelque chose qui me touche beaucoup. Il est dur de classer les gens mais il y a comme ça un immense tiroir qui serait celui de l'humanisme et qui me convient très bien. Mon soucis, c'est jamais d'être noir pour être noir, d'être tragique pour me repaître de ça. Ce qui m'intéresse c'est vraiment d'observer nos vies, ou la condition humaine, en essayant de toujours montrer, dans toute cette noirceur, une ouverture, une possibilité à vivre avec les autres en humanité. Je pense que le film porte des valeurs humanistes, fraternelles.

Entre tous vos romans et vos scénarii, vous êtes un auteur très productif, ou puisez vous toutes vos histoires, et ou trouvez-vous le temps de toutes les raconter ?

C'est à la fois une question de goût et d'organisation... Enfin non, ce n'est même pas de l'organisation car ca laisserait imaginer que c'est pensé alors que ca ne l'est pas... Je ne sais pas... Je ne regarde jamais la télévision par exemple. Par rapport a d'autres personnes qui y consacrent plusieurs heures par jour, ça dégage déjà du temps. Je suis plutôt quelqu'un qui me lève assez tôt. Mais je me couche tôt aussi, je suis un gros dormeur alors je ne rogne rien sur le sommeil. Je ne passe pas quinze heures par jour au téléphone et je ne me sert d'internet que pour mes mails, je ne surf jamais sur des sites etc. Je prends ces trois exemples car je crois qu'aujourd'hui, quand l'on prends l'emploi du temps de quelqu'un, si l'on compte la télé, le téléphone et internet, ça prend déjà pas mal de temps. Après, quand une histoire me hante violemment, je me donne les moyens de l'écrire. J'arrête tout et je ne fais que ça.

Une question très en marge du film... Vous avez écrit Les Âmes grises et la semaine dernière Lazare Ponticelli est décédé. Quelle a été votre réaction ?

Ce n'est pas de la tristesse, parce que quand quelqu'un de 110 ans meurt, on ne peut pas être triste. Surtout qu'apparemment cet homme était en parfaite condition intellectuelle. Ce n'est pas de la tristesse mais il y a de vraies questions qui se posent. A partir du moment ou l'on perd cette mémoire biologique du dernier survivant, comment cette mémoire là va t'elle exister maintenant ? Il y avait quand même tout un ensemble de commémorations qui se mettaient en place autour de 14/18 parce qu'il y avait encore des survivants. Il y a avait d'ailleurs une sorte de décompte assez macabre. Il en reste dix, cinq, un... Vous avez vu que le dernier soldat allemand est mort très peu de temps avant. Ils sont presque morts en même temps et je trouve ça assez symbolique. L'interrogation, c'est qu'est ce que l'on va faire de toute cette mémoire là ? Est-ce que le protocole de célébration et de commémoration va continuer tel qu'il était ? Ca fait presque 100 ans quand même la Guerre de 14. Il faudrait peut-être aussi se poser la question d'une sorte de dépassement de cette mémoire là... C'est devenu un marronnier... Ce qu'ils on fait à Verdun, qui a été tellement le symbole de cette guerre pendant longtemps, qui est devenu une capitale de la paix, avec une sorte de pédagogie de l'horreur pour éviter qu'elle ne se reproduise, je trouve que c'est plutôt une transformation de la mémoire qui est intéressante. On est dans des pays qui sommes tellement attachés à ça... Voila, je vais observer ça de façon très intéressée.

Vers quoi vous tournez-vous dorénavant ?

Là, je n'ai pas de projets précis et je ne me mets sur rien. La sortie d'un film c'est très prenant. En plus je dois enchaîner avec une tournée à l'étranger pour la traduction de mes livres. Je n'ai pas trop le temps de me reposer ou de penser. Mais je pense que je vais continuer comme avant. Ecrire des romans quand j'en ai envie et puis préparer assez rapidement un nouveau film. J'ai deux sujets, on va voir lequel m'achoppe le plus. Mais je ne suis pas pressé. J'ai publié mon premier roman à 37 ans et fait mon premier film à 46...

Tout s'est accéleré pour vous ces dernières années...

Oui mais je fais les choses quand je me sens prêt. Parce que j'ai envie et parce que je me sens prêt. Le prochain film, il faut donc que j'ai envie et que je me sente prêt. C'est quand-même deux ans d'une vie, un film. Entre l'écriture, la préparation, le tournage et la post-production... quand tout va bien. Tout ça est à envisager aussi. Il faut penser également à sa vie personnelle, à sa famille. Il faut faire des équilibres entre tout ça.

Vous ne vouliez pas d'une adaptation de La Petite fille de Monsieur Linh, puis nous avons appris que Richard Berry s'y intéressait. Qu'en est-il aujourd'hui ?

Effectivement, j'ai déclaré pendant des mois quand le livre est sorti que je ne voulais pas d'une adaptation. Les producteurs m'ont approché et je n'ai pas voulu les voir pendant six mois jusqu'à ce que j'accepte un rendez-vous. Il y avait deux metteurs en scène intéressés, dont Richard Berry. J'ai rencontré les deux et Richard Berry me paraissait avoir un projet qui dans l'esprit se rapprochait le plus du livre. On m'a demandé de faire le scénario, ce que j'ai fait. C'est en le faisant que je me suis rendu compte que c'était vraiment très intéressant d'en faire un film, qu'il y avait quelque chose à réinventer et que ça pourrait être bien. Je l'ai montrer à Richard. Il se l'est accaparé et l'a emmené dans une voie qui était sans doute pour lui intéressante mais qui moi ne m'intéressait plus et qui surtout, en terme de production, devenait un truc à 15-16 millions d'euros. C'était incompatible avec le projet et les producteurs ont dit "on arrête tout". Maintenant, ils voudraient que ce soit moi qui le réalise. Dans mes deux projets, il y a celui-là. Ca m'intéresse mais il faut que je réfléchisse encore.

Enfin, quels sont les cinéastes que vous admirez, dont vous vous sentez proche ?

Proche, je ne sais pas trop, mais qui m'intéressent, il y en a plein. Mais vous savez je ne suis pas... Si demain j'avais un fort désir de faire un film de SF, je ferais un film de SF. C'est à dire que je ne suis pas dans un genre. Je l'ai souvent dit à propos de mes romans. Ils sont assez différents les uns des autres et j'ai toujours dit aux journalistes que je revendiquais la liberté d'un cinéaste. Quand vous prenez de grands cinéastes comme Stanley Kubrick ou Ridley Scott, ce sont des gens qui ont exploré des genres très différents. Kubrick a fait des films de guerre, de SF, d'horreur, historique, des polars... Je trouve ça génial et j'aime bien cette liberté là. Je viens de faire un mélodrame mais je rêverais de faire une grande comédie d'amour, un vrai film noir... J'aime les genres.
Les cinéastes ? Aujourd'hui, je suis très admiratif de certains films d'Inarritu, j'aime beaucoup Amenabar, Nanni Moretti, certains films des frères Coen mais pas le dernier. J'ai adoré les premiers films de Paul Thomas Anderson, mais le dernier non..

Ah oui ?!

Oui oui, je suis resté vraiment en dehors de ça... Il y en a plein d'autres... Dans les films plus patrimoniaux, j'ai souvent cité Sautet. C'est un cinéaste qui m'intéresse beaucoup et il y a un peu des clins d'oeil à Sautet dans mon film, des atmosphères, une façon de regarder les gens. Voila, Sautet mais encore la grande période de Woody Allen ou, pour remonter plus loin encore, les Lubitsch, les Capra, tout le cinéma français des Duvivier, Carné, les nanars des années 50...

Duvivier, Carné, ce sont des références que les cinéastes français n'osent plus citer aujourd'hui...

Oui c'est vrai. Mais moi, le cinéma français des années 30 à 50, c'est le cinéma qui m'a le plus nourri entre 15 ans et 30 ans. Par exemple, si vous prenez, Carné, Renoir, Duvivier, ce sont quand même de grands cinéastes de l'écriture. C'est d'abord un scénario. Si vous enlevez Prévert à Carné... C'est du grand cinéma d'écriture. Des gens comme Pierre Bost, Jean Aurenche... Ce sont quand même de sacrés scénaristes qui se sont fait allumés par les Truffaut et autres alors que Truffaut, qu'a t'il fait après ? Des films hyper classiques. Que reste t'il de la nouvelle vague dans les films de Truffaut à partir des années 70 ?
J'ai aussi été très influencé quand j'étais petit par la série des gendarmes, La Grande Vadrouille, puis par les premiers films de Claude Zidi, les Charlots...

Propos recueillis par Benoît Thevenin à Paris le 20 mars 2008.

Principalement connu pour ses documentaires Kurt & Courtney et Biggie & Tupac, l'anglais Nick Broomfield réalise avec Battle for Haditha, son premier film de fiction. Le film décrit néanmoins, avec les moyens du documentaires des évènements réels, le massacre par des soldats de l'armée américaine de civils irakiens à Haditha, le 19 novembre 2005. Le film s'inscrit dans une mouvance de long-métrages dénonciateur de l'engagement militaire américain au moyen-orient. Nick Broomfield tente lui de se placer autant du point de vue des G.I que des civils et des insurgés pour donner un panorama aussi juste que possible d'une situation rapidement calculée comme inextricable. La charge est violente mais ce qui caractérise le film est d'abord sa lucidité et son humanisme. Rencontre avec le réalisateur :

LATERNA MAGICA : Le film s’appelle "Battle for Haditha" mais décrit un massacre, pas une bataille. Le titre du film est il un hommage à "La Bataille d’Alger" de Gillo Pontecorvo, un film qui raconte des évènements similaires à ce qui se passe en Irak aujourd’hui ?

Nick Broomfield : Il s’agit d’une sorte d’hommage à La Bataille d’Alger, un film vraiment brillant qui m’a sans doute plus influencé que n’importe quel autre film. Je pense que le mot « bataille » fait d’abord référence à la bataille des idées, à la confrontation des désillusions, et au regard différent que chaque camp dans cette guerre porte sur la réalité de ce conflit, la façon dont ils se regardent. C’est de ces batailles là dont il est question.

Initialement, êtes vous parti en Irak pour tourner un documentaire ou aviez vous déjà dans l’idée de réaliser votre premier film de fiction ?

Je savais que je ferais le film de cette manière. Je voulais essayer de raconter cette histoire dans un nouveau style. J’ai fait beaucoup de recherches, comme je l’aurait fait pour un documentaire, et j’ai ensuite écrit un scénario en me basant sur le résultat de ces recherches. J’ai aussi essayé de convaincre beaucoup de personnes, qui ont été marines ou qui ont vécu le conflit de l’intérieur, de participer au film. Ils pouvaient apporter quelques chose que les gens étrangers à tout ca n’ont peut-être pas. Je pense qu’il y a une nouvelle manière de faire du cinéma qui utilise la réalité mais d’une manière cinématographique, par les moyens visuels ou par l’action. C’est différent des docu-dramas qui tente de reconstituer les évènements et c’est une nouvelle façon de faire du cinéma.

Est-ce que vous aimez les films de Michael Winterbottom ou Paul Greengrass ?

Certains des films de Paul Greengrass sont très intéressants. Je pense que l’on travail un peu de la même manière, il tourne d’ailleurs avec l’un des opérateur avec qui j’ai fait plusieurs films. Les films de Michael Winterbottom sont également très intéressants. Je pense en particulier à In This World, qui est sans doute celui qu’il ait fait qui est le plus proche dans le style de ce que j’ai fait pour Battle for Haditha.

Votre casting est composé d’acteurs amateurs qui pour l’essentiel ont participé de près à la guerre d’Irak. Comment avez vous travaillez avec toutes ces personnes et étaient-ils en accord avec votre vision personnelle des faits ?

Ils n’avaient pas besoin d’être d’accord avec moi. Ce qui était important c’est qu’ils soient en accord avec leurs personnages.

Y’a t’il eu des difficultés pendant le tournage nées du fait qu’une partie du casting est composée d’ex-marines, et l’autre partie d’Irakiens qui ont vécu la guerre ?

Quand les marines ont rencontré pour la première fois les irakiens, il y  avait beaucoup de tension mais a mesure que le film avançait ils sont devenu amis. Ils étaient tous surpris finalement d’arriver à s’apprécier. Les marines pensaient sans doute que les Irakiens ne sont pas civilisés mais ils ont passé du temps avec eux, ont appris à se connaître et ils ont changé d’opinion. Les irakiens avaient les mêmes sentiments et beaucoup de méfiance par rapport aux marines. C’était très intéressant et surprenant de les voir s’entendre bien au final.

Les enjeux de la guerre d’Irak sont régulièrement évoqués dans de nombreux films américains récents ("Jarhead", "Dans la vallée d’Elah", "Redacted", "Lions et Agneaux" etc.) Les cinéastes se sont-ils, de votre point de vue, substitués aux journalistes, souvent décriés dans leur travail sur la guerre d’Irak ?

Oui. Dans cette guerre en particulier, peu de journalistes sont vraiment allé sur le terrain. Ils ont surtout répétés les communiqués de la Maison Blanche. Sur le terrain, ils sont encadrés par l’armée et n’ont pas une vraie liberté de parole, ou la possibilité de voir et de discuter avec les irakiens pour mieux comprendre ce qui se passe. Mon film est sans doute le premier à montrer le point de vue des irakiens. Je pense que la presse américaine est très ignorante par rapport à cette guerre, par rapport à la vie en Irak, la culture irakienne. Il y a vraiment peu d’information sur ces sujets. Ce que j’espère que le film permet, c’est de montrer ceci, cet autre point de vue. Je ne crois pas que cette guerre oppose d’un côté les bons et de l’autre les méchants, je pense qu’il s’agit d’abord de comprendre les différents points de vues des uns et des autres. Le film est donc une tentative de représenter la situation d’un de vue humaniste, de trouver l’humain dans tout ça. Je pense que c’est à partir de là que l’on pourra sortir de cette guerre et commencer à voir plus loin devant. En se comprenant les uns les autres.  

Le film montre une situation inextricable dans lequel tout le monde est perdant : l’armée américaine autant que les insurgés et avec une population en otage.

Je crois qu’il s’agit aussi d’une célébration de la bonté qu’il y a dans toutes ces personnes. Aucun ne sont des tueurs diaboliques, ils croient tous en ce qu’ils font. D’une certaine manière, le film est optimiste. 

Le film montre une armée dépassée par les évènements et paranoïaque. Or c’est cette paranoïa qui explique en partie le massacre d’Haditha.

Je crois que c’est vrai. Les Marines en Irak sont complètement renfermés sur eux même. Ils ne voient personnes, n’ont aucune interaction avec l’extérieur. Ils ne voient pas leurs petites amies. La seule chose qu’ils essayent de faire, c’est survivre. Ces marines sont aussi très jeune. Ils ont a peine 17 ans, n’ont jamais vu un autre pays que les USA avant, ils n’ont pas fini leurs études… Je pense qu’ils se retrouvent de plus en plus isolés et ca les rend vraiment paranoïaques. De nombreux soldats développent des troubles psychiatriques. Ils sont stressés, n’arrivent pas à dormir. Tout ceci rend la situation très difficile.

Le massacre d’Haditha, comparé au scandale de la prison d’Abu Grahib, a t’il eu un impact plus fort sur l’opinion public américaine ?

Le peuple américain ne veut pas avoir à faire à ça. Je crois que cela s’explique par le fait que, depuis la guerre du Vietnam, les enfants de la classe moyenne ne s’engagent pas pour partir au combat en Irak. Ce sont principalement des jeunes défavorisés qui partent là bas : des afro-américains, des latinos, des portoricains. Le grand public américain s’intéressent très peu à ce qui se passe en Irak.

Propos recueillis par Benoît Thevenin à Paris, le 3 décembre 2007

A l'occasion de son festival, Gérardmer rend cette année hommage au réalisateur japonais Takashi Shimizu, connu en particulier pour la série Ju-on et remaké par ces soins à Hollywood sous le titre The Grudge. LATERNA MAGICA est allé à la rencontre du cinéaste, un petit bonhomme très attachant à qui on donnerait volontiers le bon dieu sans confession...

Laterna Magica: Vous avez réalisé de nombreux films de fantômes, qu'est-ce qui vous intéresse particulièrement dans ces histoires là ?

Takashi Shimizu : Quand j'étais petit, j'étais très peureux et j'avais moi même peur de l'éventuelle existence des fantômes. Je me suis mis assez tard à regarder des films d'horreur car ça m'effrayait un peu trop. Quand j'ai commencé à tourner, on m'a proposé le scénario d'un film d'horreur avec des fantômes. Il se trouve que Ju-On a bien marché et que l'on m'a proposé de faire la suite. On m'a ensuite étiqueté réalisateur de film avec des fantômes. Quand j'ai décidé d'arrêter, on m'a alors proposer de faire le remake (The Grudge) aux Etats-Unis. J'ai accepté pour quelques films mais là je crois qu'il est temps de passer à autre chose.

Vous avez des projets ?

J'ai un projet en cours aux Etats-Unis mais avec la grève, ca n'avance pour l'instant pas

De quoi s'agit-il ?

Cette fois il s'agira d'un film de science-fiction avec des extraterrestres. Le casting n'est pas encore fait.

Il y a quelques-temps, Tsai Ming-Liang nous confiait qu'en Asie, dès qu'un jeune réalisateur réalisait un film un peu personnel, on lui proposait immédiatement de faire un film de fantômes. N'y a t'il pas là un danger pour les jeunes cinéastes asiatiques ? (1)

Je pense que chacun à son libre-arbitre pour accepter ou refuser des projets. D'autre part, je pense que l'on peut encore très bien réussir à faire des films d'horreur et continuer d'innover. Ce n'est donc pas forcément un travers ou un danger potentiel pour les jeunes réalisateurs. En tout cas, personnellement, j'en suis à un point ou j'en ai assez de tourner des films de fantômes, assez de tourner de des remakes, et j'ai envie de passer à autre chose.

Vous souvez-vous du premier film d'horreur que vous avez vu ?

Il y a eu deux phases. Je suis d'abord tombé par hasard sur un film d'horreur à la télévision et ça m'a alors un peu traumatisé. J'ai complètement arrêté d'en regarder jusqu'à ce que qu'un ami me propose de voir Vendredi 13, le second.

Quel est votre film d'horreur préféré ?

Personnellement, je n'aime pas les films uniquement gore, ou uniquement violent, qui sont trop caricaturaux dans leur genre. Un des films qui m'a le plus marqué, c'est Shining.

Quel regard portez-vous sur la production actuelle de films de genre ?

Il y a eu une vague de films d'horreur et de fantômes venant du Japon. Maintenant, la pluspart de ces films sont formatés et sans intérêt. Je pense qu'il serait bien maintenant qu'il y a ait de nouveau cinéastes, qui apportent de nouveaux sujet et un nouvel élan au genre.

Propos recueillis par Benoît Thevenin à Gérardmer, le 25 janvier 2008.

Traduit du japonais par Léa Le Dimna.

(1) : Propos tenus par Tsai Ming Liang le 5 juin 2007 et que vous pouvez retrouver en suivant ce lien

Révélation de la Quinzaine des réalisateurs en 2007 à Cannes, "Garage" débarque sur les écrans français. L'occasion idéale de bien commencer l'année cinéma avec un film simple mais riche et aussi drôle que touchant. Pour son second long-métrage après "Adam & Paul", Lenny Abrahamson a frappé fort. Le cinéaste à accepter de rencontrer LATERNA MAGICA et répond à nos questions.

• LATERNA MAGICA : Quelles sont les origines de cette histoire ?

Lenny Abrahamson : Mon collaborateur et scénariste, Mark O’Halloran est originaire d’un village de campagne en Irlande qui ressemble un petit peu au village dans Garage. Il a écrit l’histoire de personnes dont il s’est souvenu, de personnes qui vivaient dans leur monde, profondément timides etc. Il s’est particulièrement souvenu d’une personne qui ressemble beaucoup au personnage de Josie. C’est de là qu’est venue l’idée. Je crois que Mark et moi somme tous les deux intéressés par les personnages un peu marginaux. Ce genre de personnes, ils sont tout petit face à un monde qui est très grand. Je pense que c’est vrai pour n’importe qui, mais la plupart des gens arrivent à cacher cela. Les personnes les plus faibles, comme Josie, il est facile de déceler leurs faiblesses, leurs craintes…

• L’histoire de "Garage" se déroule donc dans un petit village irlandais très isolé. La croissance économique est responsable de cet isolement. Les personnes comme Josie sont elles condamnées à être reléguées à l’écart de la société ?

Je crois que c’est le principal danger. Dans de nombreux endroits dans le pays, l’activité économique est importante, il y a de nombreuses industries, beaucoup d’argent qui circule etc. Beaucoup de personnes abandonnent les villages parce qu’ils sont à la recherche de la moindre opportunité. Mais ce qu’ils laissent derrière eux, c’est une communauté qui peu à peu se meurt et ou il ne reste plus que les plus faibles. La vie en ville serait insupportable pour une personne comme Josie. Je pense qu’il ne pourrait y survivre. Il a besoin d’un petit endroit, de côtoyer des personnes qu’il connaît bien, de trouver un travail simple qu’il est capable de faire etc. En ville, ce serait beaucoup plus difficile pour les gens comme lui.

• Josie est quelqu’un de très innocent et il est sans doute très heureux de la vie qu’il mène. Ce qui lui arrive est horrible et terriblement injuste. Votre vision de l’humanité est-elle si pessimiste ?

Il y a différente façon de voir les choses. Bien sûr, Garage est très sombre. Mais le propos et le sens du film c’est d’ouvrir et exposer les gens à la gentillesse. C’est quelque chose de très positif. Le personnage de Josie, tout le monde l’aime et là encore, c’est l’un des aspects très positif du film. Il y a une ambiance douce et belle, on n’est pas chez Ken Loach. J’espère que le public prend du plaisir devant le film. Au-delà de ça, je suis quelqu’un de réaliste et je sais parfaitement que des tas de personnes souffrent terriblement, dans l’anonymat, et sans que personne ne leurs vienne en aide. Il n’y a rien d’extraordinaire à dire cela. Il nous suffit de descendre maintenant dans la rue et de marcher quelques mètres pour voir, je ne sais pas… dix ou même vingt personnes en détresse… Ce n’est donc pas ma vision du monde, c’est juste le monde qui est ainsi.

• Pat Shortt est bouleversant dans ce film. En Irlande, il est un acteur très populaire mais nous le connaissons peu en France. Pouvez-vous me parlez de lui et de votre collaboration sur ce film ?

Pat est probablement le comique le plus célèbre en Irlande. Si vous marchez dans la rue avec Pat… Non ! Vous ne pouvez pas marcher dans la rue avec Pat ! (rires). Les gens se précipitent vers lui dès qu’ils le reconnaissent, ils prennent des photos avec leurs téléphones portables, demandent des autographes etc. 4 millions de personnes suivent son émission de télé. Ca peut même aller jusqu’à 7 millions de spectateurs soit plus encore que n’importe quel match de foot. C’est incroyable. Son style comique est basé sur le burlesque, le slapstick. Il n’est pas la première personne a qui l’on pense pour le personnage de Josie. Cela dit, j’avais déjà travaillé avec Pat à l’occasion de quelques publicités tournées pour la télévision. J’avais adoré travailler avec lui. Il est quelqu’un d’adorable, très modeste et aussi très tendre. Je savais qu’il était capable de jouer le rôle de Josie. D’autant plus qu’il y a comme une tradition avec tous ces grands clowns qui sont aussi de grands comédiens pour les rôles plus sérieux. Il y avait néanmoins un risque pour Pat a accepter ce rôle parce qu’en Irlande le public est habitué a le voir autrement, mais Pat ne s’en est pas inquiété. Il a lu le scénario et a tout de suite donner son accord pour jouer Josie. Pat est lui aussi originaire d’un petit village. Il connaît bien ce contexte et, pour son jeu, il s’est inspiré de ce qu’il connaissait. Il a apporté toute une gestuelle, dans la façon très particulière que Josie a de marcher par exemple.

• Les dialogues de Josie se réduisent à des expressions monosyllabiques. Vous avez eu à transmettre beaucoup avec très peu de matière…

J’aime ce genre de cinéma. J’aime les histoires simples, avec peu de dialogue, il y a d’abord un travail sur l’atmosphère, sur l’image. Le scénario de Garage est très habilement minimal. Tout y est. Mais si vous lisez le script, il n’est pas évident d’imaginer le film. Je collabore de manière très étroite avec Mark O’Halloran, le scénariste. On comprend tous les deux très exactement ce qui doit se passer dans chaque scène. Par exemple, il y a un mot que Josie emploie tout le temps, en anglais c’est « Now ». En français l’équivalent ce serait « bon ». Et ca peut vouloir dire n’importe quoi. La première fois que nous avons travaillé avec Pat sur le script, c’était très difficile pour lui à cause de ça ; parce que ces phrases étaient composées de « Now », « Right « , « No bother » et que le sens de la scène n’était pas à chaque fois si évident. Nous avons beaucoup travailler ça pour que la simplicité des dialogues ne puisse empêcher la compréhension. Dans ma façon de travailler, j’envisage les choses comme un architecte. Je construit d’abord les scènes, avec des fondations solides etc. et quand la structure est complète, stable, je retire tout ce qu’il peut y avoir d’accessoire, mais sans que cela ne perturbe l’équilibre de l’ensemble. C’est comme cela que je travaille, en tout cas jusqu'à maintenant, ca changera peut-être plus tard.

• Les personnages de David et Josie sont tous les deux très similaires. Ils veulent chacun s’intégrer, être accepté des autres. Le drame ne commence t’il pas exactement à partir de ce point précis ?

Oui certainement. David a 16 ans et Josie près de 40 ans. Leur rencontre provoque le début d’un changement. L’arrivée de David permet à Josie de vivre l’expérience de l’adolescence, ce dont il avait sans doute été privé. Lorsqu’il en était justement un, je suis sur qu’il était exclu par les autres garçons et filles de son âge. Là, avec David, il fait enfin partie d’un groupe d’adolescent. Et la tragédie de Josie elle est ici, les gens s’ouvrent à lui pendant un moment et soudain ils le rejettent de nouveau.

• Pouvez-vous me parler de la relation entre Carmel et Josie ?

Carmel est la jolie fille qui travaille dans le petit magasin au centre du village. Josie l’aime beaucoup. Il est même très amoureux d’elle. Elle est la seule fille sur qui il peut compter. Il y a quelques autres filles au pub mais Carmel est la seule qu’il aime vraiment. Il y a une part de drame là encore. La société accepte que les gens comme Josie fassent beaucoup de choses, qu’ils rient ou même qu’ils flirtent mais surtout pas qu’ils expriment un quelconque désir sexuel. Carmel représente la limite de ce que Josie peut avoir dans sa vie. Carmel est même juste derrière la limite. Elle est elle aussi une des clés du drame dans la façon ou leur relation prend fin. Ca explique en partie le pourquoi Josie va faire ce qu’il va faire.

• Votre premier film "Adam et Paul" était une comédie. "Garage" est plutôt un drame. Quelles difficultés a t’il pu y avoir de passer d’un genre à l’autre ?

Adam et Paul est une comédie mais je crois que c’est aussi un film très dramatique. De la même manière que Garage, s’il est un film dramatique, est également teinté par la comédie. Il n’y a pas une si grande différence entre les deux films. Les deux partagent un certain goût pour l’absurde et pour les personnages en marge. Les deux films, aussi, reposent sur une sorte de comique burlesque, basé sur le physique. Laurel & Hardy, Buster Keaton, Charlie Chaplin sont des références pour moi. Cela dit, je pense que, très certainement, Garage est un film plus mature. C’est un film également plus profond qui représente pour moi mon évolution en tant que cinéaste. Je crois que les gens ont tendances dans l’industrie du cinéma à attendre énormément d’un second film : plus directement comique, des gros noms en tête d’affiche, un potentiel commercial… Marc et moi voulions très simplement rester fidèles à nous même, à développer notre univers. Garage est arrivé. C’est le film que nous voulions faire a ce moment là.

• Vous avez dit avoir réaliser un certain nombre de publicités. Est-ce que ce travail vous a permis d’acquérir une autonomie de cinéaste, une liberté financière ?

Non. C’est vrai que j’ai réalisé de nombreuses pub et j’ai pu gagner comme cela beaucoup d’argent. Mais j’ai aussi longtemps travailler sans être payé. J’ai gardé un peu d’argent de côté. Je pourrais continuer a faire encore des pubs pour gagner encore un peu plus mais j’ai décidé de ne me concentrer plus que sur mon travail de cinéaste. Je ne pense pas que je ferai encore des pubs même si, on ne sait jamais, j’aurai peut-être un jour besoin d’y retourner. Mais j’ai aussi travaillé pour la télévision avec la série Prosperity et j’y ai un certain espace pour faire ce que je veux. Je ne suis certainement pas libre financièrement mais vivre de son cinéma, de ses films, c’est quelque chose de très agréable.

• Peut-on vous demander quel est le cinéma que vous aimez, quels sont les cinéastes, les films, qui vous inspire ?

Mes cinéastes favoris sont des cinéastes français comme Robert Bresson mais aussi Renoir. J’aime des réalisateurs très différents. Bresson est sans doute mon préféré, le premier que j’ai vraiment aimé même si, bizarrement, je n’ai encore jamais vu Mouchette. Sinon, j’aime aussi des cinéastes comme Aki Kaurismaki. D’ailleurs j’ai été très fier parce que Garage à reçu le Grand Prix au festival de Turin et Aki Kaurismaki était dans le jury. Pour moi, c’était fantastique. John Cassavetes figure aussi parmi mes cinéastes favoris. Je suis aussi très sensible aux premiers films de Werner Herzog, au cinéma de Fassbinder. Dans les cinéastes plus actuels, j’aime vraiment beaucoup ce que fait Bruno Dumont ou les nouveaux films roumains, en particulier La Mort de Dante Lazarescu de Cristi Puiu. J’adore ce film, il est absolument remarquable. Sinon j’écoute beaucoup de musique. Elle a une grosse influence sur moi, bien que j’en utilise très peu dans mes films. Et puis, le simple fait de sortir et marcher dans la rue, de regarder autour de soi, c’est ca aussi qui m’inspire. Mark aussi. Il prend tout en note. C’est sa manière de procéder.

Propos recueillis par Benoît Thevenin à Paris, le 7 décembre 2007

Avant l'Agent 47, d'autres tueurs ont marqués de leur empreinte le grand écran. A l'occasion de la sortie de "Hitman", le réalisateur Xavier Gens revient sur ces flingueurs de légende.

Hitman : « L’agent 47 est un croisement entre les personnages issus de comics book et l’influence du cinéma coréen, du cinéma de Jean-Pierre Melville. C’est un peu la synthèse de l’influence de pleins de tueurs connus du cinéma, justement parce qu’au moment ou ils ont crées le jeu, Eidos se sont inspirés d’univers cinéma pour créer le personnage. Le Hitman se retrouve ainsi à la confluence de diverses influences : les films des années 60, l’univers littéraire de John Le Carré et un peu de cet univers des comics books pour ce qui est de la direction artistique du jeu, de tous ces petits détails qui font l’originalité du jeu. »

Léon : « Ce personnage là est plutôt un adulte-enfant qui n’arrive pas à assumer sa position d’adulte mais qui en même temps a le même type de naïveté que le personnage de l’agent 47 dans Hitman. Il y un même rapport entre les personnages de Natalie Portman et Jean Reno dans Léon qu’entre ceux d’Olga Kurylenko et Timothy Olyphant dans Hitman. Les deux personnages, Léon et Hitman, se rapprochent d’une femme pour trouver une humanité qu’ils n’ont jamais connu. » 

Collateral : « L’approche de Michael Mann est ici beaucoup plus réaliste. Le personnage de Tom Cruise est présenté comme un professionnel. C’est traité sous un angle hyper réaliste. Tu te dis que ce mec peut réellement exister. Connaissant un peu le travail de Michael Mann, je pense qu’il s’est énormément documenté sur ce type de personnage pour pouvoir offrir dans ce film là le personnage le plus réaliste possible et en même temps créer une métaphore sur le monde moderne et l’individualisme. Collateral est un film sur la thématique de l’individualisme »

Assassins : « Là on montre plus la vieille école avec un tueur qui a un code l’honneur, qui a des principes et, en face le jeune tueur… C’est plus un film sur le choc de deux générations de tueurs même si, à mon goût, ce n’est pas très bon… »

Pulp Fiction : « C’est plus les tueurs du néo-polar, des tueurs un peu patauds, beaufs, qui font mal leur boulot mais qui en même temps ont une espèce d’assurance jouissive pour le spectateur. C’est des personnages qui se croient arrivés au top mais qui sont pour moi de fantastiques loosers. Ils en deviennent fascinant ».

Fulltime Killer : « On se rapproche plus de l’univers de Michael Mann. On traite a nouveau de personnages hyper réalistes mais avec beaucoup plus de romantisme. Chez Johnnie To, il y a cette espèce de connotation romantique sur ces personnages qui créée tout un drame. On est plus sur l’aspect humain de ces personnages qui cherchent à se sortir de leur quotidien et à trouver de nouveaux horizons. On retrouve aussi ça dans Exilé, son dernier film ».

Ghost Dog : « Un tueur métaphysique, qui a une approche de la vie complètement différente… Connaissant un peu le travail de Jarmush, je pense qu’il a plus traité Ghost Dog comme un film sur la rue, sur la solitude, sur l’envie de vivre une vie meilleur. Le personnage de Forest Whitaker est devenu tueur pour se sortir de sa condition sociale, des codes de la rue dans lesquels il a évolué pour aller vers quelque chose de plus lumineux.C’est un film très spirituel. »

Le Chacal : « Le remake, on ne va pas en parler (rires)… Sinon, dans l’original, on a un traitement du tueur hyper réaliste, inspiré par un fait réel. On a un tueur du quotidien, super efficace dans ce qu’il doit faire, qui devient une légende urbaine. Ou comment la réalité devient légende grâce à l’actualité. »

The Killer : « Déjà, c’est le remake camouflé du Samouraï. On a là LE film de tueur le plus romantique, absolu. C’est sublime, parfait. Un chef d’œuvre. »

Le Samouraï : « C’est le tueur original, celui qui va devenir la référence pour tous les autres réalisateurs ou acteurs. On s’en est nous aussi inspiré pour Hitman. C’est le premier film que j’ai donné à Timothy Olyphant pour qu’il s’inspire de Delon pour son personnage, de cet épure de dialogue. Je dirais que Melville à tout inventé. Il a posé les fondations même du film de tueurs. » 

Crying Freeman : « On a la plutôt un tueur de Comics book, maudit, qui n’accepte pas du tout sa condition et qui vit dans un environnement complètement décalé. On est plus dans le manga avec l’aspect romantique du personnage, un peu comme dans The Killer mais en même temps avec cette approche fantastique qui fait qu’on à ce côté un peu solitaire, ce tueur qui cherche l’amour etc. Pour moi il y a beaucoup de similitudes avec The Killer mais il y a cet aspect fantastique qui fait la différence. »

Desperado : El Mariachi, ca marche bien, c’est original, avec cette espèce de légende urbaine mexicaine. Le deuxième (Desperado), ca marche aussi très bien avec une sorte de relecture du petit film qu’avait fait Rodriguez avant, avec ce côté beaucoup plus fort, un espèce de décalage avec l’apport de Tarantino dans le film. Il y aussi la violence exacerbée qui donne un côté comics book au film. Le troisième, c’est un film très bizarre ou d’un seul coup le personnage passe au second plan au profit du personnage de Johnny Depp qui n’est pas super intéressant. Le film est très bizarre parce qu’on ne sait pas si on a un film sur la révolution mexicaine ou si on est réellement sur un film de tueur. On en arrive a ne plus savoir quel personnage on doit suivre. La narration est très azimutée en fait. »

L’Homme au colt d’or : C’est un peu old school, avec les vieux codes de l’honneur. On est à la fin des années 50 et on sent comme un passage de relais. On sent un essoufflement avec ces personnages fatigués qu’on voit alors depuis longtemps déjà. On sent le besoin d’un vent nouveau, d’un raffraîchissement. Pour moi c’est le film de la fin d’une ère. Derrière, on a Melville qui arrive avec quelque chose de complètement nouveau. »

Eastwood : Tout ce qu’il a pu faire dans ces westerns, avec Sergio Leone etc, je trouve que c’est super intéressant. C’est des chasseurs de prime un peu solitaire, les lonesome cowboys avec toute la mythologie que Léone a apporté autour. Ensuite il y a son personnage dans Impitoyable qui est pour moi un peu le point culminant dans la carrière d’Eastwood. On voit là le regard qu’il peut porter sur ce qu’il représente lui, et sur ce qu’on représentés ces personnages dans sa vie… Finalement, le recul qu’il peut y avoir par rapport aux Inspecteurs Harry et sur ce qui se racontait par rapport au côté facho du personnage »

Domino : Le personnage joué par Kieira Knightley et tous les chasseurs de primes du film sont bouffés par les médias, la télé-réalité. Même si pour moi le film est bancal, il critique l’avènement de la télé-réalité dans notre univers et comment la télé-réalité passe à de tels extrêmes qu’elle se permet de montrer des chasseurs de primes en action. C’est de la pur télé-poubelle mais au cinéma, ça donne un truc assez jouissif. »

Boba Fett : Dans la première trilogie Star Wars, il est un personnage mythique mais dans la seconde… T'as juste envie de pleurer tellement ca devient minable. C’est catastrophique… Comment détruire le mythe crée… Je pense qu’il ne fallait pas du tout expliquer les origines, et de Boba Fett, et de la Force, et de Dark Vador etc. Pourquoi ?! On a l’impression d’être devant Highlander 2. On nous explique le pourquoi du comment alors qu’on en avait rien a faire. On se laissait porter par notre imagination et c’était beaucoup plus fort que de savoir qu’il y a des midicloriens dans ton sang qui font que tu vas avoir la Force et que tu es un Jedi… Aujourd’hui, si tu fais une prise de sang, tu sais si tu es un Jedi ou non (rires) ! c’est un peu dommage (rires).»

Propos recueillis par Benoît Thevenin à Paris le 26 novembre 2007

Autres Interviews autour d'Hitman (*)

• Interview vidéo Timothy Olyphant/Olga Kurylenko
• Interview vidéo Robert Knepper (1/2)
• Interview vidéo Robert Knepper (2/2)

(*) Interviews réalisées pour le site www.allocine.fr

Producteur exécutif des films de Stanley Kubrick à partir du milieu des années 70, Jan Harlan était le principal collaborateur du cinéaste. A l'occasion de la sortie chez Warner d'un nouveau coffret regroupant certains des films de Kubrick - et à l'occasion de la reprise en salle de "Barry Lyndon" - Jan Harlan évoque pour Laterna Magica son travail avec le maître.

 "Fear and Desire"

"C’est un film a propos d’une guerre fictive. Stanley n’aimait pas ce film et ne voulait pas le montrer. Le grand public le verra t’il un jour ? Je ne le pense pas. Seul sa femme Christiane ou ses filles peuvent décider de le montrer. Mais vous savez, Stanley ne désirait pas montrer ce film, et nous respectons ce que Stanley voulait."

Du "Baiser du tueur" à "Orange Mécanique"

"Je n’ai rien a dire a propos de ces films. Pour les premiers, lorsqu’ils sont sorti, je n’étais alors qu’un enfant et j’allais à l’école. J’ai vu tous ces films, comme beaucoup de monde, mais je n’y ai pas participé et je ne suis pas compétent pour en parler. Je ne peux en parler qu’avec mon simple regard de spectateur. C’est sur "Les Sentiers de la Gloire" que je l’ai rencontré. Il a épousé ma sœur ! Mais je n’étais encore qu’un enfant. Je lui disait simplement « Bonjour », « Comment vas-tu ? ». Je n’ai évidemment pas participé au film. Je n’ai commencé à travailler avec Stanley qu’au moment de "Napoléon". 

Le projet "Napoléon"

"Stanley était un véritable expert de cette période qui va de la Révolution Française au Congrès de Vienne en 1815. Il a du lire presque tous les livres publiés en anglais sur le sujet et il aussi collectionné une quantité impressionnante d’archives à travers le monde. Il a écrit son propre scénario et il a commencé a préparer le tournage, prévu en Roumanie, parce qu’il pouvait compter là bas sur la cavalerie roumaine pour environ 15 jours, y compris les officiers etc. Mais malheureusement, le film n’a pas pu se faire."

Pourquoi "Napoléon" n'a t'il pu se faire ?

"A cause de "Waterloo", une production Dino de Laurentiis qui a été un énorme échec. "Napoléon" est arrivé à ce moment là. C’aurait été un projet très couteux. Stanley était très triste de devoir abandonner le projet. C’est a ce moment là qu’il a voulu acheter les droits de Traumnovel, la nouvelle de Schnitzler. Stanley était fasciné par cette histoire et ce n’est que trente ans plus tard qu’il en a fait "Eyes Wide Shut".

"Napoléon", un projet typiquement Kubrikien

"Napoléon" aurait été typiquement un film de Stanley Kubrick. Napoléon était à la fois un génie, un visionnaire et en même temps il a commis de graves erreurs. Peu ont regretté sa disparition du pouvoir sinon lui-même. Un des thèmes du film était dans tous les autres films de Stanley, comment l’humain finit par échouer dans ses plus grands projets a cause de ses émotions. Pas a cause de son intelligence, non plus a cause de sa capacité a analysé ou comprendre, mais parce qu’un moment donné, ses décisions sont prises sous l’influence de ses émotions, de sa propre vanité par exemple. Ce sujet intéressait particulièrement Stanley."

"Barry Lyndon"

"Le film a été tourné en Irlande et en Angleterre. Stanley voulait vraiment recréer l’atmosphère de la fin du XVIIIe siècle. Il s’est beaucoup inspiré des tableaux et dessins de l’époque… On n’avait pas de photos ! (rires). Et puis bien sûr, nous avions les bâtiments construits à cette époque. On pouvait donc savoir a quoi ressemblait le XVIIIe et il voulait transférer tout cela dans le film. Il a beaucoup travaillé sur l’éclairage, principalement à la bougie. Il a eu beaucoup de difficultés à trouver la caméra etc. Mais tout le monde connaît cette histoire maintenant."

L'accueil du public pour "Barry Lyndon"

"Le film a connu un grand succès en Europe, au Brésil, au Japon mais ca n’a pas été le cas dans les pays anglo-saxons. Comment l’expliquer ? Je ne sais pas, c’est très difficile. Je suppose que cela vient des goûts différents des gens. Vous avez beaucoup de chance à Paris, c’est une ville ou le cinéma est réellement apprécié, peu importe l’âge, ou l’origine sociale des gens. Tous les pays n’ont pas cette chance. A Paris, vous pouvez aussi avoir le choix de voir les films en version originale. Si vous n’avez pas ce choix, c’est un vrai problème. Le doublage tue les films. Un film japonais doublé en français ou en Anglais, c’est une catastrophe ! C’est simplement ridicule."

"Shining"

"Stanley voulait essayer de faire un film de genre. Il a payé les droits du livre de Stephen King mais il a complètement modifié l’histoire. Stephen King était très en colère par rapport à l’adaptation faite par Stanley. Mais ils avaient signé un contrat qui autorisait Stanley à faire les changements qu’il voulait. Si Stephen King était en colère, alors pourquoi a t’il signé ce contrat ? Stanley a toujours adapté des bouquins selon sa propre vision."

"Full Metal Jacket"

"Le film représentait un challenge très particulier, parce qu’il parle du Vietnam et que Stanley l’a recréé en Angleterre. Stanley ne voulait pas envisager de partir pour les Philippines tourner ce film, il n’en était pas question. Mais Stanley voulait faire ce film. Il était intéressé, encore une fois, par le phénomène de la guerre. Il était stupéfait de l’intérêt des gens pour ce sujet. Quand il a commencé a travaillé sur "Full Metal Jacket", on était en pleine guerre Iran-Irak et les gens étaient fasciné par ce qu’ils découvraient à la télévision."

Une guerre irréelle

"Ce que Stanley voulait retranscrire, c’était la réalité de ces jeunes gens envoyés au combat. Il a eu beaucoup de difficultés à trouver des acteurs âges de 17-18 ans et c’est pourquoi les acteurs du films ont 25 ans environ. Mais ce qui l’intéressait surtout c’était a quel point ces jeunes soldats étaient perdus. Que faisaient-ils au Vietnam ? Que font-ils aujourd’hui en Irak ? C’est la même problématique. Ils n’auraient même pas su situer ces pays sur une carte et ils se retrouvent soudain avec des armes dans les mains. Quelle horreur ! Stanley était fasciné par ça. Il y avait là quelque chose d’irréel."

Reconstruire le Vietnam à Londres

"Il n’a pas été si difficile de reconstruire le Vietnam. Il suffisait de palmiers, de buildings en ruines et de faire parler les vietnamiens dans leur langage ! Vous avez vu le film ? Ca marche très bien, on croit parfaitement à la reconstitution !"

Entre "Full Metal Jacket" et "Eyes Wide Shut"

"Stanley à longtemps préparé deux films, "Aryan Paper" et "A.I." Il s’y est consacré pendant de nombreuses années. "Aryan Paper" n’a pas été fait parce que Steven Spielberg a réalisé "La Liste de Schindler" et Stanley ne voulait pas faire un film sur un sujet similaire. Il s’est alors tourné vers "A.I". Il aimait profondément l’histoire écrite par Brian Aldiss, une histoire très très très sombre mais… pas si sombre que cela ! Mais un jour, en 1992, Brian Aldiss a décidé que Steven Spielberg serait un meilleur réalisateur que Stanley pour mettre en scène cette histoire. Steven avait lui d’autres plans et le film a mis longtemps avant de voir le jour. D’autant plus que Stanley s’était déjà retourné vers son projet d’adaptation de Schnitzler."

"Eyes Wide Shut"

"Stanley considérait qu’"Eyes Wide Shut" serait sa plus grande contribution apportée à l’art du cinéma. Il aimait beaucoup Tom Cruise et il l’a très tôt engagé pour le film. Nicole Kidman a signé beaucoup plus tard. Contrairement a ce qui se disait, il ne tenait pas spécifiquement à engager deux acteurs en couple. Kim Basinger et Alec Baldwin ont été prévu a un moment donné et ils étaient alors en couple mais ce n’est là qu’une pure coïncidence. Stanley a vu Nicole Kidman dans le film de Gus Van Sant, "Prête à tout" et l’a trouvé particulièrement brillante, c’est là qu’il a pensé à elle pour "Eyes Wide Shut"".

Un Enfer moderne

"Beaucoup de personnes ont vu "Eyes Wide Shut" comme un pseudo film érotique, voire pornographique mais ce n’est pas du tout ça ! C’est un Enfer moderne, un monde bizarre de décadence ou des hommes menaçants cachés derrières des masques payent pour être des voyeurs. C’est un mini Sodome et Gomorrhe. C’est le contraire d’un film érotique. Mais si vous éprouvez du dégoût, alors c’est très bien ! Aux Etats-Unis le film n’a pas été compris et la censure a obligé à faire ce que Stanley n’aurait jamais accepté, faire des coupures. Ils ont censurés le film au prétexte qu’il y avait trop de femmes entièrement nues. Ils n’ont donc pas compris la séquence ! Ce qui est au cœur de la scène, c’est les voyeurs, pas ces filles !" 

Harvey Keitel quitte le plateau

"Il n’est pas parti du plateau, nous l’avons remplacé parce que Stanley n’était plus satisfait parce ce qui se passait sur le plateau. Je l’admire beaucoup mais il était capable d’arriver un jour sur le plateau et de dire que plus rien ne lui convenait, qu’il fallait faire autrement. Par exemple « Les salles de bains ne sont pas comme ça à New-York ! Oublie ça, il faut en construire une autre ». Alors nous avons fait construire une autre salle de bain, ça a pris quelques semaines. Puis la salle de billard ne lui convenait plus, et nous avons mis deux mois supplémentaires pour en reconstruire une. Nous avons essayer d’obtenir un accord avec l’agent d’Harvey Keitel pour rompre le contrat pendant la durée des travaux et qu’il revienne ensuite avec un nouveau contrat, d’autant plus qu’il ne lui restait presque plus rien a tourner. Harvey Keitel et son agent ont refusé le deal. Nous ne pouvions pas nous permettre d’accepter ça et, même si Harvey Keitel est un grand acteur, nous lui avons dit au-revoir. Sydney Pollack l’a remplacé. Il a un jeu très différent mais il est très bon lui aussi. Je ne peux pas dire que l’un est meilleur que l’autre mais avec Sydney Pollack ça donne quelque chose de différent et qui rend très bien au final. Stanley a donc du retourner certaines scènes avec Pollack à la place de Keitel. Et ça a été très facile."

Propos recueillis par Benoît Thevenin à Paris le 13 décembre 2007

  Laterna Magica est allé à la rencontre de Norah Jones et de Wong Kar Wai à l'occasion de la sortie de "My Blueberry Nights". Premier film américain du cinéaste, mais également premiers pas d'actrice pour la reine de la soul.

WKW : Oui, cette musique a été composée il y a quelques années, pour ce chapitre. C’est pourquoi je l’ai utilisée dans le film. Parce que ce chapitre n’a jamais été montré. Il n’a été projeté qu’une seule fois, à Cannes, en 2001.

 

WKW : En fait, quand nous préparions ce film, nous avons traversé les Etats-Unis et visité de nombreux endroits. Nous sommes arrivé à la Nouvelle-Orléans, juste après le passage de Katrina. Il y avait de nombreuses raisons de filmer dans cette ville… Tout d’abord, pour des raisons historiques. Ensuite, ils essayaient vraiment d’aider cette ville, et il y avait donc beaucoup d’aides financières pour filmer là-bas. J’ai été très impressionné par les gens : ils sont très proches, et, malgré les dommages importants, ils ont gardé un certain sens de l’humour face à ces événements. Au final, nous avons choisi de ne pas tourner là-bas. Tout d’abord, en termes de logistique, les choses auraient été trop compliquées. Ensuite, je ne voulais pas tirer profit de ce désastre. Nous avons donc choisi de tourner à Memphis plutôt qu’à la Nouvelle-Orléans.

 

 

Propos recueillis par Benoît Thevenin à Paris, le 13 novembre 2007

 

 

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My Blueberry Nights - ma note pour ce film :

Réalisé par Wong Kar-Wai
Avec Norah Jones, Jude Law, David Strathairn, ...
Année de production : 2006

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Dans "Mon frère est fils unique", deux frères s'opposent mais aiment la même femme, Francesca. Rencontre avec Diane Fleri, objet de leurs tourments et véritable révélation du film.

LATERNA MAGICA : Pouvez-vous nous expliquer le titre du film ?

Diane Fleri : C’est d’abord le titre d’une chanson italienne de Rino Gaetano. Il est très connu en Italie et là-bas, tout le monde à compris que ça venait de là. En même temps, ça joue sur le jeu de mot du fait que dans le film on sent bien que les deux frères se sentent comme des fils uniques, isolés. Surtout le personnage principal, Accio, il se sent comme le mouton noir.

Pourquoi Accio se sent-il rejeté ?

Je crois qu’il n’a pas le caractère extraverti de son frère Manrico. Il est le cadet et lorsqu’il arrive, toute la place est déjà prise à la maison. Ce n’est pas évident pour le cadet d’une famille nombreuse. En même temps, il est plus fragile, plus sensible. Il a besoin de trouver sa propre identité, un sens à sa vie. Tout cela rentre en conflit avec cette facilité qu’a son frère, son caractère très séducteur qu’il a sur toutes les femmes y compris sa mère. Accio lui est plus renfermé, plus timide.

Accio a pourtant un tempérament très bouillonnant…

Bouillonnant oui, mais on fond de lui, il est plus renfermé. Il paraît extraverti dans son attitude mais il fait partie de ces gens qui ont du mal à exprimer ce qu’ils ressentent. C’est ce qu’on voit avec Francesca. Elle a une relation très particulière avec Manrico et est très différente avec l’autre. Son vrai ami, la personne avec qui elle développe un lien, c’est pourtant Accio.

Lorsque Accio révèle à Francesca qu'il est encarté au parti fasciste, elle qui a des convictions diamétralement opposées ne semble pas heurtée, pas en colère, par cette révélation

Oui, mais il faut dire que Latina, la ville ou ils sont, est une ville ouvrière très à droite et qui a d’ailleurs été construite par Mussolini. Alors, elle ne s’attend peut-être pas à ça de la part du frère de son petit ami, qui lui est très a gauche, mais ce n’est pas non plus si difficile à admettre. A cette époque, la politique est très présente, tout est politisé et il y a même une très forte bipolarisation. Beaucoup de gens - et beaucoup de jeunes - sont engagés, soit au parti fasciste, soit au parti communiste.

Le cinéma italien, à ses plus grandes heures en tout cas, a souvent, à travers des histoires intimes mis en perspective la société, la politique etc. C’est quelque chose que l’on a longtemps perdu que l’on commence à retrouver aujourd’hui : "Nos Meilleures années", "Buongiorno Notte", "Romanzo Criminale" etc. Est-ce qu’il y a un retour de ce cinéma là en Italie ?

C’est aussi une impression que j’ai. Et heureusement ! A travers ces films, j’ai d’ailleurs le sentiment que le cinéma italien récupère du sens et de la profondeur. De la vitalité aussi. Ca, c’est parce qu’il a le courage de livrer ses sentiments les plus profonds et qui font l’identité de l’Italie.

A travers ces films notamment, on a l’impression que l’Italie est comme hantée par ‘les années de plombs’ (années 70-80). Est-ce vraiment le cas ?

Je ne dirais pas que l’Italie est hantée par ‘les années de plombs’. En revanche, ça reste bien sûr un moment très fort d’une Histoire qui est encore récente et que l’on a pas encore totalement comprise aujourd’hui. Il reste des zones d’ombres et c’est ce qui fait que l’on se retourne toujours vers cette période. On y cherche des réponses.

L’histoire de "Mon Frère est fils unique" se situe juste avant ces années-là, pendant les années 60-70. Est-ce que le film permet de mieux comprendre comment on en est arrivé à cette violence ?

Je crois que, pour une fois, le film interroge cette période sans parti pris politique, mais plutôt qu’il montre comment cela s’est passé de l’intérieur. Il n’y a pas de jugement. La fin du film introduit ‘les années de plombs’ mais ça n’explique en rien ce qui va alors se passer. Ce que le film montre, c’est comment l’Italie bouillonnait alors, tant à gauche qu’à droite, ce besoin qu’il y avait des deux côtés de politiser la vie, de lui trouver un sens à travers la politique.

Est-ce qu’Accio est freiné dans ses sentiments par le fait que Francesca est la petite amie de son frère ou, tout simplement, est-ce qu’il n’ose pas avouer qu’il l’aime ?

A mon avis, le problème c’est que lui voit très bien que Francesca est amoureuse de Manrico. Et ce qui l’énerve, c’est qu’il comprend tout aussi bien que ça n’a pas vraiment d’importance pour son frère alors que lui pourrait lui donner de l’amour. Il le fait d’ailleurs comprendre à Francesca mais ça ne va pas plus loin que ça. Mais Accio c’est quelqu’un de très misanthrope. Il est plus intéresser à dire à son frère " il faut que tu t’occupe mieux d’elle ". Lui se met en retrait par rapport à l’amour qu’il porte à Francesca. Ce qu’il veut c’est qu’elle soit heureuse.

Paradoxalement, Francesca va rapprocher les deux frères alors qu’au départ, tous les opposent…

Oui forcément car c’est la seule chose qu’ils ont en commun à un moment donné : tous les deux aiment Francesca. D’une façon différente, mais tous les deux l’aiment. Manrico qui semble d’abord assez détaché de Francesca veut finalement construire une famille avec elle.

Manrico est plus dans une logique politique et collective. La famille, c’est finalement secondaire chez lui ?

Pour Manrico, la famille c’est une évidence, il ne se pose même pas la question. La politique pour lui, c’est plus de l’amusement, c’est moins viscéral que chez Accio. Manrico est sincère dans ce qu’il fait et ce qu’il dit, bien sûr, mais il y a beaucoup de facilité chez lui. Même lorsqu’il y a les séminaires, il se plait dans son rôle de leader et s’y amuse. Il veut lutter mais jamais il n’ira sacrifier sa vie ou sa famille. D’ailleurs, l’argent qu’il prend, c’est pour lui, sa femme et son enfant. En revanche, Accio est beaucoup plus attaché aux autres. Cet argent, s’il l’avait eu, il l’aurait partagé. On le voit à travers le problème des maisons. Il ne règle pas cette histoire seulement pour sa famille mais pour tout le monde. Le vrai politique entre les deux, à mon avis, c’est Accio. C’est lui qui bouillonne, qui a ce besoin de lire tout ce qu’il y a d’écrit sur la droite ou sur la gauche. Il s’interroge beaucoup plus que son frère.

Finalement, est-ce que Francesca est quand même amoureuse d’Accio ?

Je pense qu’elle aurait pu l’être. Elle est amoureuse de Manrico et ne se pose pas plus de question. Mais la vraie personne avec qui elle parle, avec qui elle partage des choses, son vrai ami, c’est Accio. Elle a de la tendresse pour lui. Elle en dit beaucoup plus sur elle quand elle est avec Accio. Avec Manrico, c’est différent, elle se sent femme, elle a envie d’être désirée.

Quand Accio essaye de l’embrasser, est-ce qu’elle se sent trahie ?

Quand on a tourné cette scène on s’est posé la question. Mais non. On s’est dit qu’elle allait être ferme. Elle doit faire comprendre que ça ne doit plus arriver. Elle ne se sent pas trahie car elle sait très bien qui elle a en face d’elle. Elle s’y attend un peu et c’est aussi pour ça qu’elle n’a pas une réaction violente. Elle ne le ressent donc pas comme une trahison, simplement elle doit remettre les choses à leurs places.

Une question peut-être un peu difficile… Est-ce qu’il est possible de comparer la jeunesse insouciante de ces années là avec la jeunesse d’aujourd’hui ?

Aujourd’hui, on est plus bombardé d’informations, de sens et de non-sens. Il y a moins de politisation aussi. C’est parfois extrême mais peut-être plus caché. Ce qui se passe c’est que les grands mouvements idéologiques sont sûrement finis. Mais ce besoin de rechercher un sens, ce que l’on avait dans les années 60-70, moi je le ressens toujours aujourd’hui, chez d’autres personnes du même âge aussi, et de manière très forte. Après, on peut-être moins d’illusions. On a l’impression que tout se passe dans les hautes sphères alors que dans les années 60-70, on avait peut-être plus le sentiment qu’il était possible de faire bouger les choses. Ce besoin de donner du sens à la vie, il sera de toutes façons toujours présent, surtout chez les jeunes.

Propos recueillis par Benoît Thevenin à Paris, le 20 juillet 2007

LATERNA MAGICA est allé à la rencontre de Cristian Mungiu et Anamaria Marinca à l'occasion de la sortie, le 29 août, de "4 mois, 3 semaines et 2 jours", Palme d'Or du 60e festival de Cannes. Entretiens.

LATERNA MAGICA :Le film est très intense. Le tournage a t’il été aussi éprouvant ?

Cristian Mungiu : Je crois qu’on a eu un tournage assez tranquille, sans grand problème. On a essayé de tourner autant que possible dans la continuité, pour les acteurs et aussi parce que je continuais d’écrire, ce que j’ai fait pendant toute la durée du tournage. Le premier ou le second jour, on a fait l’un des premiers long plans. C’était compliqué à mettre en place. Une fois réussi, on était tellement content ! Le tournage a duré 3 mois. Il y avait beaucoup de défis techniques avec des séquences de 5, 8 ou même 10 minutes. Mais petit à petit, on se rendait compte que tout devenait possible. Par exemple, vers la fin du film, nous devions tourner, en extérieur et en nocturne, un long plan-séquence avec Otilia. La séquence se déroulait sur 200 mètres. Nous n’avions aucune caméra spécifique pour cela et nous avons tourné caméra à l’épaule, avec un technicien pour tenir la lumière etc. C’était compliqué mais nous avons réussi ! Et puis aussi, je voulais absolument commencer le film en octobre. Nous devions donc aussi faire face à la météo.

Il y a un climat de tension permanente qui règne sur le film. On ne sait pas sur qui elles vont tomber pour l’avortement, si elles seront découvertes dans leurs manœuvres, ou même si Gabita va survivre. Est-ce que c’est ce climat de tension qu’il y avait en Roumanie à l’époque ?

En partie oui. La première partie du film si vous préférez. Ca concerne surtout l’environnement, le contexte, tout l’arrière plan… Il y a des scènes qui ne semblent pas contribuer directement à l’évolution narrative de l’histoire. Par exemple, il y a la séquence ou Otilia prend le bus. On s’est demandé s’il fallait utiliser cette scène. C’est dans ce type de situation que la tension s’empare de vous. Les rapports entre les gens ne sont pas sains. C’est pour cette raison que j’ai gardé la scène. De la même manière, il était très important pour moi de garder toutes les scènes dans les hôtels. Le point de vue narratif est très simple. C’est celui d’Otilia. On ressent son stress, son anxiété permanente. On ne sait pas plus qu’elle ce qui va se passer. N’importe qui peut découvrir son secret à n’importe quel moment.

A ce propos, il y a une séquence parfaitement anodine ou cette tension est justement maximale. Gabita sort simplement de sa chambre pour fumer une cigarette mais, à ce moment là, on s’attend au pire, on la sent en danger.

C’est très bien si on le ressent comme ça. A ce moment précis du film, et pendant tout le temps ou Otilia doit quitter la chambre d’hôtel, je voulais que l’on ressente une tension différente, celle qui s’empare de son personnage. Dans ce film, on sait en fait très bien ce qui va se passer, depuis le début, mais je voulais que les spectateurs vivent cette expérience à travers le point de vue des personnages. Ce qui effraye, c’est l’incertitude par rapport à ce qui va se passer. On imagine le pire. Lorsque Otilia rencontre des policiers, on se dit qu’elle va être découverte. Lorsqu’Otilia et Gabita se séparent, on imagine facilement que Gabita n’a pas survécu. Je voulais que, à n’importe quel moment du film, le point de vue du spectateur épouse celui des héroïnes.

Le personnage joué par Vlad Ivanov apparaît au final comme monstrueux. Mais n’est-il pas tout simplement humain ?

Pour moi il n’y a pas de différences qui se feraient entre les personnages avec les bons d’un côté et les méchants de l’autre. Par exemple, à la fin on évoque sa mère, ce qui n’était pas prévu dans le script originel. Je sentais qu’il fallait humaniser ce personnage parce que… vous savez, il n’est pas si important de savoir à quel degré il profite de sa situation. On ne connaît pas son parcours. Lui aussi est sans doute une victime du système et pour survivre dans cet environnement, il lui faut à son tour profiter des plus faibles. Je ne dis pas que c’est un personnage positif. Il ne l’est pas. Mais je voulais qu’on le considère comme un vrai personnage, avec son histoire propre. Il a une famille, il a un fils et lui aussi cherche à s’en sortir. Il n’est pas un monstre mais son comportement est monstrueux car il tire avantage de sa position.

Avez-vous été blessé par la polémique qui a entouré votre film en France ?

Vous savez, je ne vis pas ici, j’habite Bucarest, mais j’en ai entendu parlé. J’étais très heureux de remporter ce prix à Cannes. Je n’ai fait que raconter une histoire. J’espère que mon film peut aider à faire passer un message et il est peut-être utile de montrer ce film à un jeune public. Mon film peut servir de point de départ à un débat sur ce sujet de l’avortement. Le débat n’est pas à l’intérieur du film. Après, je respecte les décisions de chacun. Je n’ai jamais fait ce film pour un quelconque ministère même si cette polémique m’a déçu. Mais s’il y a eu polémique, c’est aussi parce que tout le monde n’était pas d’accord avec la décision du ministère.

Au moment de la sortie de " La Mort de Dante Lazarescu ", le cinéaste Cristi Puiu expliquait la nouvelle vitalité du cinéma roumain par un besoin viscéral des artistes d’exprimer les souffrances actuelles du peuple roumain. Partagez-vous ce point de vue ?

Je ne sais pas… J’essaye de ne pas trop conceptualiser ce que je fait. C’est dangereux. J’essaye de parler de sujets qui me sont proches, qui ont un propos, qui suscitent des émotions chez les spectateurs. Je crois que c’est le cas avec " 4 mois, 3 semaines et 2 jours ". Le film s’en tient aux faits et c’est aux spectateurs d’interpréter, de donner du sens.

Vous m’avez dit que vos films étaient d’abord très personnels. Est-ce que vous-même avez vécu dans votre jeunesse, une histoire similaire à celle de " 4 mois, 3 semaines et 2 jours ", ou connu des jeunes femmes qui ont vécu cette histoire ?

Bien sûr. Surtout, en faisant ce film, je me suis rendu compte que cette histoire était celle de la plupart des jeunes filles de ma génération. J’ai beaucoup parlé avec certaines d’entre elles et, de tout ce qu’elles ont pu faire dans leurs jeunesses, c’est ceci qui les a le plus marqué. Pour être parfaitement honnête, quand je me retourne sur mon passé, je ne suis pas forcément fier de ce que j’ai alors fait, des décisions que j’ai pu prendre, même s’il y avait un contexte particulier. C’était une sorte de devoir que de faire ce film.

3 questions à Anamaria Marinca (Otilia dans le film)

LATERNA MAGICA : Vous avez déjà eu un rôle très dur dans la série " Sex Traffic ". Est-ce que cette expérience vous à aider à appréhender le rôle d’Otilia dans " 4 mois, 3 semaines et 2 jours ".

Anamaria Marinca : Bien sûr. Chaque rôle permet d’évoluer dans son jeu. C’était un rôle très fort sur le plan émotionnel. Mais avant cela, j’ai beaucoup travaillé dans le théâtre. Par exemple, j’ai joué 4.48 Psychose de Sarah Kane, sur une mise en scène de Christian Benedetti. La rencontre avec lui a été très importante, j’ai beaucoup appris. 4.48 psychose est un monologue, le dernier texte écrit par Sarah Kane avant son suicide. Le texte est très dense, très intense et ça m’a beaucoup aider dans la façon d’appréhender les rôles, réussir à faire ressentir la douleur des personnages. " Sex Traffic " est arrivé après.

Le film à reçu la Palme d’Or. Comment mesurez-vous l’importance de ce prix pour la Roumanie ?

On est rentré dans l’Histoire. Ce prix est très important pour les roumains. . La cérémonie était retransmise en direct à la télévision. On a eu des réactions incroyables. Dans la rue, c’était comme si c’était la fête nationale. Ensuite, quand Cristian est revenu en Roumanie, il a été très sollicité Le public roumain a parfaitement compris l’importance de ce prix.

On constate depuis quelques années, notamment venant d’Allemagne ou d’Italie, de plus en plus de films en rapport avec le communisme, les années précédents la chute du mur de Berlin. Comment expliquez-vous cet intérêt ?

Il s’agit d’un désir, d’une volonté de comprendre. C’était il y a vingt ans. A l’échelle de nos vies, c’est très loin mais pour l’Histoire, ce n’est rien. Il y a un besoin de temps pour comprendre ce qui a pu se passer. Cristian avait vingt ans à l’époque du communisme. Aujourd’hui, il est arrivé à maturité dans son art. Il lui a fallu du temps pour faire la part de choses.

Propos recueillis par Benoît Thevenin le 24 août 2007 à Paris

4 mois, 3 semaines, 2 jours - ma note pour ce film :

 Un professeur d’histoire quarantenaire cherche un nouveau sens à sa vie. Sa femme lui conseil de partir se changer les idées à Paris. Au moment d’embarquer, il change d’avis. Il se fait engager sur un chantier de Tel-Aviv parmi un groupe d’ouvrier clandestin…

 « Janem Janem », que l’on pourrait traduire par « Mon âme, mon âme » emprunte son titre à une chanson qui, d’ailleurs, conclut le film. « Janem Janem » est surtout le huitième film de son réalisateur, Haïm Bouzaglo, et le second d’une trilogie entamée avec « Distorsion » (sortie France le 22 novembre) et dont le troisième volet est actuellement en cours de montage.

 « Janem Janem », chaleureux et humaniste, prend à revers l’image que les occidentaux ont généralement d’Israël. Rencontre avec le cinéaste.

Dans quel esprit avez-vous conçu cette trilogie ?

On était en pleine Intifada et je sentais qu’il fallait que je réagisse sur le vif. Les évènements vont très vite et si on ne fait pas le film tout de suite, on passe à autre chose. Cela dit, je n’ai pas voulu faire un film politique mais plutôt raconter la façon dont les violences en Israël peuvent peser sur la vie quotidienne des gens. Par exemple, le fait dans ce film qu’une femme explique ne pas vouloir d’enfant à cause de la peur de ce qui se passe. C’est une idée qui est partagé par beaucoup de femmes ici. Quand à Eldi, le prof d’histoire héros du film, s’il décide de faire le point sur sa vie, c’est en relation directe avec les évènements qui se jouent.

Vous filmez presque exclusivement vos personnages en plan serrés. On a ainsi l’impression que toute cette communauté d’immigrés est entièrement refermée sur elle-même, cloisonnée, qu’ils sont exclus de la société.

Ma caméra est effectivement très proche des acteurs. J’ai décidé de faire parler les visages. On ne voit pas le monde autour, les visages parlent plus. Et l’on sent qu’une famille se crée, que le monde autour compte moins.

En Israël on a l’habitude de cacher les choses, les nier. J’ai une anecdote à ce propos. Un jour je suis aller retirer de l’argent à un distributeur. Je suis partit et cinq 5 minutes après, une bombe explosait. Le lendemain je me demandais si j’aurais le courage de retourner à cet endroit pour retirer encore de l’argent. Finalement, j’y suis allé. C’est très Israélien ceci. On oublie vite pour passer à autre chose, on refuse de voir l’évidence. On peut très bien avoir la guerre au Liban et, tout à côté, bronzer sur la plage… Ainsi le problème des immigrés existent chez nous comme dans beaucoup de pays. On a tendance à se voiler la face et à ne pas les voir. J’habite à Tel-Aviv et il y a un quartier ou les immigrés vivent ensemble. Ils sont mal traités, le quartier perd son âme. Les Israéliens ne vont pas dans ce quartier. Malgré tout, ce que l’on voit dans mon film c’est que le héros va trouver dans cet endroit de la chaleur, de la solidarité, ce qu’il n’avait plus chez lui dans sa belle maison froide.

Dans votre film, vous faites une description très précise de ce milieu, quasi documentaire. Comment avez-vous procédé ?

J’ai passé beaucoup de temps avec eux c’est vrai. Et la plupart des acteurs sont de vrais travailleurs. On a tourné dans les lieux ou ils habitaient. Eux étaient heureux de jouer. De même, quand j’ai demandé l’autorisation de tourner à la police, eux aussi ont voulu participer et se sont laisser prendre au jeu. Ainsi tout est réel, les décors, les personnages etc. Vous savez, à cet endroit, il y a déjà eu quatre attentats…  

 Propos recueillis à Paris par Benoît Thevenin, le 02/11/2006