LATERNA MAGICA: Blog

Les dernières nouvelles du site

Sat, 05 Jul 2008 23:55:29 GMT

Ce billet est permanent. Il est régulièrement actualisé afin de vous simplifier le suivi du site et ses différentes mises à jour. Pour une navigation facile, pensez aussi à utiliser les boutons bleus au-dessus de ce billet. Ils renvoient chacun aux rubriques principales.

Cycle spécial cinéma japonais

Tout au long du mois de Juillet, un cycle spécial cinéma japonais est organisé sur net. De nombreux sites et blogs y participent, dont Laterna Magica. Tout est centralisé sur le site Wildgrounds, qui répertorie les contributions de tous les participants. Sur Laterna Magica, nous vous donnons rendez-vous tous les jours de juillet pour parler de cinéma japonais.

Cette initiative ne nous empêchera pas, on l'espère, de continuer à alimenter les rubriques traditionnelles du site. Pour vous aider à suivre facilement les rubriques qui vous intéresse en priorité, suivez les liens vers ces mini-blogs :

Cycle spécial cinéma japonais

Actualité des sorties en salle (a lire entre autres : Sparrow (04/06) ; Phénomènes (11/06) ; Eldorado, La Nouvelle vie de Monsieur Horten et Speed Racer (18/06) ; Valse avec Bashir, Bons Baisers de Bruges, Seuls two et Diary of the dead (25/06) Les Sept jours (02/07)

Actualité des projets qui agitent la planète cinéma

Quiizzzz ! C'est le retour du Quiz sur Laterna Magica. On change de formule et ce sera très simple. Suivez le lien pour participer ! (13e photo online !)

Avant-premières (cliquez sur les vignettes pour accéder aux critiques)

Technorati Profile

Femmes en miroir (Kagami No Onnatachi) de Kiju Yohida

Sat, 05 Jul 2008 23:54:43 GMT

Comment évoquer Hiroshima quand on ne l’a pas soi-même vécu ? Ceux qui l’on ressenti de l’intérieur n’ont jamais pu témoigner, et c’est ce respect envers la mémoire de ces victimes qui interdisait Yoshida de réaliser un film dont le sujet serait la bombe atomique lancée le 6 août 1945 par les américains sur la cité japonaise tristement célèbre.

Finalement, l’ancien chef de file de la nouvelle vague japonaise dans les années 60-70 avec Nagisa Oshima trouve dans le sujet de Femmes en miroir le moyen de traiter des traumatismes provoqués à tout jamais par la bombe. Célèbre pour la subtilité du traitement de ses projets, ce réalisateur parfois provocateur (découvrir le très troublant Promesse à propos de l’euthanasie) nous invite donc à la croisée des chemins de trois femmes plus seulement liées par leur parenté mais surtout par ce jour du 6 août 45.

C’est parce que Yoshida estime que la guerre est un crime perpétré par la seule folie des hommes qu’il pose son regard à travers celui de trois femmes : Aï, une femme âgée, retrouve sa fille Masako, disparue 24 ans auparavant sans laisser de traces si ce n’est le bébé, Natsuki, qu’elle venait de mettre au monde.

Masako est devenue amnésique. Seul le nom d’Hiroshima résonne dans sa mémoire et, avec Aï et Natsuki, fait le voyage à Hiroshima pour tenter de reconstruire son histoire, leur histoire. L’occasion alors pour le cinéaste d’évoquer la bombe, ses conséquences dramatiques et irrémédiables, le traumatisme suscité dans la société japonaise.

Ces miroirs brisés, non remplacés, qui balisent le film, sont autant de symboles de la quête d’une mémoire perdue, enfouie, difficile à admettre : les cicatrices de blessures abominables.

Si les interprétations tout en retenue du trio d’actrices sont bouleversantes, cette œuvre aux qualités esthétiques peu communes pourrait être résumée par un plan terriblement émouvant et essentiel. Dans le but d’une exposition photo en mémoire de la bombe atomique, de jeunes gens déplacent trois photos évoquant l’horreur. Les trois photos se succèdent, comme trois plan intensément évocateur et bouleversant. La puissance de cette évocation interdit tout commentaire.

Tout au long du film, le réalisateur s’applique à raviver les séquelles de ce crime, les différents traumatismes ressentis, encore aujourd’hui, par chacune des générations qui font le Japon actuel. Plus qu’une leçon de cinéma, le cinéaste - au sommet de son art - nous inculque là une authentique leçon d’humanité.

Benoît Thevenin

Femmes en miroir - Note pour ce film :
Réalisé par Kiju Yoshida
Avec Mariko Okada, Yoshiko Tanaka, Sae Issiki ...

Année de production : 2001
Sortie française le 2 avril 2003

Martyrs de Pascal Laugier

Sat, 05 Jul 2008 14:26:14 GMT

Après une polémique assez insensée, Martyrs s'est enfin frayé un chemin jusqu'aux salles de cinéma, esquivant une assassine interdiction aux moins de 18 ans au profit d'une interdiction aux moins de 16. Martyrs mérite t'il autant de battage ? Pour sa violence, la réponse est très clairement OUI. Pascal Laugier ne fait guère de compromis dans ce qu'il montre et le film devrait effectivement choquer la plupart des spectateurs aux coeur fébrilement accroché.

Le film commence avec une jeune fille, le crâne rasé, le débardeur tâché de sang, la jambe boiteuse, courant à gorge déployée dans une rue résidentielle. La première partie du film s'avèrera assez impressionnante, le temps de la première demi-heure surtout. On regrette les premiers dialogues affligeant de mièvrerie mais soudain, une porte s'ouvre, des coups de fusil à pompe terrassent un à un les membres d'une famille bourgeoise. Le carnage risque de vous clouer dans votre fauteuil.

Passé l'écueil, le film bascule dans quelque chose de plus conceptuel, levant le voile sur une conspiration secrète autour de certaines manipulation scientifiques et psychologiques. Ces expériences sont le prétexte à un déchaînement de violence dans la lignée de Hostel ou de la série Saw (ce que le cinéma d'horreur fait de pire ces derniers temps). Il y a bien quelques plans franchement traumatisants (lorsque l'on retire le "casque" que porte une jeune fille par exemple), mais le film a depuis longtemps déjà basculé dans quelque chose de complètement con, terriblement complaisant et racoleur, et au service d'une sorte d'idéologie assez effrayante.

A l'intérieur et Frontière(s) ont déjà démontré que les réalisateurs français étaient assez couillus au niveaux de leurs envies de montrer une violence brute délestée de tous compromis. A l'intérieur n'était pas parfait et s'en tire honorablement quand Frontière (s), édifiant de connerie, s'impose comme l'un des films d'horreurs les plus honteux de ces dernières années. Martyrs est un peu entre les deux. On ne peut pas nier à Pascal Laugier un certain talent de faiseur - ce qu'on avait déjà ressentis devant le pourtant très moyen Saint-Ange - mais manifestement la mise en image ne suffit pas. Intense, ultra-violent, Martyrs l'est ; consternant, le film l'est aussi. Et c'est cette impression qui reste à l'issue de la projo. Un coup d'épée dans l'eau de plus pour le cinéma de genre français, lequel a décidément du mal à sortir de l'ornière.

Benoît Thevenin

Martyrs - Note pour ce film :

Réalisé par Pascal Laugier
Avec Mylène Jampanoï, Morjana Alaoui, Catherine Bégin, ...
Année de production : 2007
Sortie française le 3 septembre 2008

Harry Potter et le Prince de Sang-Mêlé : Toutes les premières photos

Sat, 05 Jul 2008 10:46:21 GMT

Cliquez sur les vignettes pour agrandir les images
Sortie française du film le 26 novembre 2008

Dai Nipponjin de Hitoshi Matsumoto

Fri, 04 Jul 2008 23:18:55 GMT

Quinzaine des réalisateurs, Cannes 2007

La sortie prochaine de Hancock - un des blockbusters de l'été et avec Will Smith et Charlize Theron - convoque le souvenir de Dai Nipponjin, un film complètement improbable, grosse bouffée d'oxygène de Cannes 2007. A notre grand dam le film ne sortira sans doute jamais dans les salles françaises mais puisque nous sommes en plein cycle spécial cinéma japonais, voilà une double occasion d'évoquer en quelques mots le film d'Hitoshi Matsumoto.

Difficile d'écrire sur ce film sans le trahir. Dai Nipponjin commence comme une sorte de documentaire. Le personnage évoque son travail, son mode de vie mais tout le sens nous échappe malgré la tonalité quelque peu décalée de l’ensemble. Et soudain la révélation. Dai Nipponjin bascule dans un délire excentrique dont seuls les Japonais sont capables. A partir de là, c’est le grand n’importe quoi. Le cinéaste réussit à nous embarquer systématiquement dans des sentiers non répertoriés et nous étonne par le non-sens total de « ce truc » (sic). Néanmoins, le film traîne un peu en longueurs. La partie documentaire n’est pas toujours très intéressante et le reste finit par devenir assez répétitif. Dai Nipponjin est un OFNI assez déroutant et peut-être trop typique de la culture japonaise moderne pour séduire le public occidental. Encore que… à voir

B.T

Dai Nipponjin - Note pour ce film :

Réalisé par Hitoshi Matsumoto
Avec Hitoshi Matsumoto, Riki Takeuchi, UA, ...
Année de production : 2007

L'actu cinéma du 4 juillet

Fri, 04 Jul 2008 07:26:01 GMT

Bande-annonce : "Knowing" d'Alex Proyas. L'inénarrable Nicolas Cage confronté à une fin du monde dont il possède les clés pour l'éviter. Souvent, depuis quelques années en tout cas, ce genre de projets pour cet acteur nous inquiète, la faute à une succession de choix assez cataclysmiques... Cette fois, Nicolas Cage peut néanmoins compter sur la divine Rose Byrne (Sunshine, 28 semaines plus tard, The Dead Girl et la série Damages) ; mais aussi sur le talent certain d'Alex Proyas (The Crow, Dark City, I Robot) pour mener à bien sa "mission". Si ceci vous suffit à savoir ce que Nicolas Cage sait, faites comme nous, découvrez cette première bande-annonce. Le film sortira le 20 mars 2009 aux Etats-Unis.

Paul Verhoeven s'intéresse au "Soldat Oublié". Le réalisateur néerlandais de Black Book, Paul Verhoeven, focalisera de nouveau son attention sur la seconde guerre mondiale via l'adaptation du roman autobiographique Le Soldat Oublié de Guy Sajer. Le livre est le récit d'un jeune soldat (17 ans) franco-allemand, d'abord séduit par les Jeunesses Hitlérienne puis envoyé sur le front de l'Est. Le Soldat oublié est sans doute un support idéal aux obsessions troubles du cinéaste. A noter que le roman est précédé de sa rumeur, Guy Sajer étant accusé d'imposteur et un certain nombre des évènements décris dans le roman étant remis en questions par certaines voix. Michael Frost Breckner, scénariste de Spy Game, travaille sur le script. Verhoeven est lui attendu pour The Topkapi Affair, suite du Thomas Crown de McTiernan mais aussi remake du film éponyme de Jules Dassin. (avec Le Film Français)

Christian Bale président ? Le Chevalier noir, annoncé sur de multiples projets dont Nottingham de Ridley Scott, pourrait remplacer Tom Cruise dans le thriller politique The 28th amendment. Le film devait être réalisé par Philippe Noyce mais rien n'est désormais moins sûr, Noyce ayant repris en main Edwin Salt, dans lequel il dirigera... Tom Cruise (lire l'article) ! Concernant The 28th amendment, Denzel Washington pourrait lui aussi rejoindre la distribution, et incarner le chef d'une organisation secrète oeuvrant contre le gouvernement. Un gouvernement qui serait donc présidé par Christian Bale. Un Christian Bale de tous les bons coups : il est attendu, ou The Dark Knight, dans les prochains films de Michael Mann (Public Ennemies), Jonathan Mostow (Terminator Salvation) et Joe Carnahan (Killing Pablo). (avec MovieHole)

David Fincher produit "The Goon". Le réalisateur de Seven et Fight Club s'est associé avec le studio d'animation Blur House pour porter à l'écran, sous la forme d'un film d'animation en images de synthèses, le comic The Goon. Ecrit et dessiné par Eric Powell, The Goon, comic en 5 volumes, a commencé d'être publié en 1999. Dans une ville infestée de zombies, fantômes et autres créatures fantastiques, The Goon, le chef d'un groupe de gros bras à la solde du parrain de la mafia de la ville, tente de faire régner l'ordre. Nonsense, action et fantastique devraient être au programme de cet alléchant projet. L'intérêt de Fincher pour les comics ne se dément surtout pas. Rappelons que le cinéaste doit normalement adapté le culte Black Hole de Charles Burns. En attendant, on retrouvera David Fincher en salle à l'automne avec The Curious Case of Benjamin Button, dont revoici la bande-annonce. (avec The Hollywood Reporter)

John Madden traque les nazis. Nominé aux Oscars en 1998 pour Shakespeare in love, John Madden devrait reprendre du service avec un remake du thriller israélien Ha-Hov d'Assaf Bernstein. Le film original évoque la traque, des années 60 à aujourd'hui et par trois agents du Mossad, d'un criminel nazi insaisissable. Le scénario adapté de Ha-Hov a été écrit par Matthew Vaughn (réalisateur de Stardust) et Jane Goldman (co-scénariste du même film). (avec The Hollywood Reporter)

Val Kilmer & co rejoignent "Bad Lieutenant". Val Kilmer, Fairuza Balk, Jennifer Coolidge, Vondie Curtis Hall, Shawn Hatosy, Denzel Whitaker and Xzibit partageront avec Nicolas Cage et Eva Mendes l'affiche de Bad Lieutenant, remake par Werner Herzog du film culte d'Abel Ferrara. Shea Wigham, Katie Chonacas (Righteous Kill) et Brad Dourif rejoignent eux aussi la distribution. Val Kilmer jouera le partenaire de Nicolas Cage, et Xzibit le méchant de l'histoire. Plus d'infos sur le film en suivant ce lien (avec The Hollywood Reporter)

B.T

Pressentiment d’amour (Ai No Yokan), de Masahiro Kobayashi

Fri, 04 Jul 2008 00:11:41 GMT

Grand Prix du festival de Locarno en 2007

Film présenté Hors compétion lors du festival des Cinéma d'Asie de Vesoul en 2008.

Récompensé à Locarno par un Léopard d'or en 2007, Pressentiment d'amour, nouveau film de Masahiro Kobayashi après l'excellent Bashing (en compétition à Cannes 2005), est un film exigeant, minimaliste et particulièrement difficile à supporter.

En plan fixe, une jeune femme, Noriko, répond à un interrogatoire. Sa fille adolescente à assassiné une camarade du même âge. Junichi, le père de la victime, répond lui aussi à quelques questions. La confrontation qui se joue dans le parallèle de ses deux séquences est impressionnante et l'on se demande alors ce qui pourra en découler...

Noriko et Junichi sont deux êtres solitaires, terrassés par le même évènement. Ils vivent dans une auberge dont Noriko et la cuisinière. C'est donc elle qui prépare ces repas. Solitaires, mutiques, ils s'évitent plus ou moins volontairement.
Pressentiment d'amour se déroule sur un rythme lancinant et selon une mécanique narrative, répétée perpétuellement, d'où le risque de jouer dangereusement avec la patience des spectateurs. Car les vies des deux personnages sont réglées comme des réveil. La routine est implacable et il ne se passe strictement rien en facade. Les journées se répètent, et rien, absolument rien, ne vient pertuber l'équilibre de ces vie mornes et saccagées. La mise en scène elle même obéit à une logique cyclique et se redéploie en permanence.

Le jeu, s'il y en a un, consiste presque à repérer les infimes variations qui surgissent d'un cycle à l'autre. L'attention est mise à l'épreuve, très clairement, et la fine observation par Kobayashi de ces vies confine franchement à l'agacement. Le frémissement amoureux qui agite (si peu) Junichi par rapport à Noriko, est pourtant perceptible mais les enjeux, étouffés d'emblés tant les personnages sont meurtris et dénué d'une quelconque pulsion de vie, n'existent finalement pas.

L'expérience de Pressentiment d'amour est simplement éprouvante et terriblement dépressive. Les films sur le deuil ne manquent pourtant pas, rien que pour le Japon, Shara et La Forêt de Mogari de Naomi Kawase ont par exemple réussit à nous bouleverser, mais là, le film de Kobayashi nous paraît simplement vain...

B.T

Pressentiment d'amour - Note pour ce film :

Réalisé par Masahiro Kobayashi
Avec Masahiro Kobayashi
Année de production : 2007

Quand l'embryon part braconner (Taiji ga mitsuryosuru toki) de Kôji Wakamatsu

Wed, 02 Jul 2008 23:46:08 GMT

Cinéaste majeur, Kôji Wakamatsu est assez méconnu en France. Il a un petit peu fait parlé de lui à l'automne 2007 avec la sortie confidentielle de ce film, Quand l'embryon part braconner. Le film a suscité une certaine polémique, parce qu'interdit aux moins de 18 ans (une pétition a ensuite permit de baisser la censure aux moins de 16 ans), interdiction qui aurait précipité encore plus l'anonymat d'un tel long-métrage, de toutes les façons pas destiné au grand public.

Kôji Wakamatsu, connu pour être le producteur de L'Empire des sens d'Oshima, est aussi le maître incontesté du Pinku Eiga, le cinéma érotique japonais, florissant dans les années 60-70. Quand l'embryon part braconner, réalisé en 1966, en est peut-être l'oeuvre emblématique.

Quand l'embryon part braconner est un titre qui trouve son sens dans le sous texte du film, violemment contestataire et énoncé par un cinéaste fortement engagé et qui à souvent trouvé dans les figures érotiques le moyens de développer métaphoriquement son discours. Le cinéma de Wakamatsu est souvent sadique, le viol est une figure récurrente, et les relations sexuelles généralement envisagées selon l'idée d'un combat des corps, de la lutte entre dominant et dominé.

Quand l'embyon part braconner ne fait pas exception. Le pitch est simple : en huis clos dans un appartement, un homme violente sa partenaire, reproduisant ses souvenirs d'une vielle passion sadique. Ce qui s'avère étonnant à la découverte du film, c'est l'exceptionelle grâce du film, son côté onirique qui prend le dessus sur la simple violence, la virtuosité plastique qui sublime et sacralise même, d'une certaine manière, une pratique sexuelle socialement déviante. La charge subversive est détonante et le film assez extrême d'un bout à l'autre. Pourtant, ce qui marque en premier lieu - et au fer rouge c'est entendu - c'est ce travail cinématographique de fond, sur le son, sur la composition des cadres et sur cette photo noir et blanc baignée de lumière et sublime. Une sacré claque.

Koji Wakamatsu, 72 ans, est toujours actif. Son dernier film, United Red Army, a été présenté lors du dernier festival de Berlin, en février dernier. Et en voici la bande-annonce !

Benoît Thevenin

Quand l'embryon part braconner - Note pour ce film :

Réalisé par Kôji Wakamatsu
Avec Hatsuo Yamatani, Miharu Shima
Année de production : 1966
Sortie française le 3 octobre 2007

Philippine Science (Pisay) de Auraeus Solito

Wed, 02 Jul 2008 12:18:14 GMT

14e Festival des cinémas d'Asie de Vesoul, en compétition.

6e Festival Paris Cinéma ; Panorama Cinéma Philippin

Présenté pour la première fois en France lors du Festival des Cinémas d'Asie de Vesoul en janvier dernier, Philippine Science est le second long-métrage du réalisateur philippin Auraeus Solito (42 ans). Le cinéma philippin est en plein essor, ou plutôt réveil, vingt ans après Lino Brocka. Solito n'est aujourd'hui pas le moins connu des représentants de cette filmographie. Son premier film, L'Eveil de Maximo Oliveiro - lequel a également été présenté à Vesoul en 2007 - a bénéficié des honneurs d'une sortie nationale et fût une excellente surprise.

Philippine Science en est une également. Pisay (aka Philippine Science) est le nom d'une université d'élite de Manille. Cette école, par laquelle Solito est passé, est le théâtre dans lequel se joue le film. L'histoire s'articule autour de quatres années de la scolarité d'un groupe de jeunes étudiants et de leurs relations avec quelques uns de leurs professeurs. Parenthèse : on note la présence, dans le rôle de la très exigeante prof principale l'actrice Eugene Domingo, la mère de substitution (de) dans John John de Brillante Mendoza.

Auraeus Solito (à gauche) et son actrice Eugene Domingo

L'Histoire commence au début des années 80, quand les Philippines subissent encore la dictature de Ferdinand Marcos. Le contexte est évidemment important car, si Philippine Sciences semble un film léger, énergique, plein de vie et d'espoir, les évènements politiques qui agitent alors le pays vont influencer les trajectoires des personnages. Ils ont beaux vivre dans une bulle, dans l'insouciance et le sérieux de leurs études, le politique s'imposera de fait à eux.

Auraeus Solito a fait ce film avec son coeur, cela se ressent de la première à la dernière seconde. Léger, drôle, sérieux, intelligent, toujours virevoltant et chatoyant, parfois nostalgique ou même grave, Philippines Sciences est un petit objet exceptionnellement entraînant, une bulle de joie dans laquelle on aimerait rester prisonnier, et un coup de coeur cinéphilique certain. Phlippine Science casse complètement l'image que les occidentaux peuvent avoir de ce pays d'Asie du sud est. Croyez-nous, Philippine Science, ce n'est que pur plaisir, un film vraiment à même de séduire tous les publics car l'histoire qu'il raconte est universelle et traitée avec suffisamment de sincérité, de spontanéité et de subtilité pour nous toucher au plus profond de nos coeurs.

L'enthousiasme que le film de Solito à généré à Vesoul en janvier dernier va maintenant atteindre et contaminer Paris. Le film sera projeté dans le cadre du 6e festival Paris Cinéma. Soyez sûr Parisiens, que peu importe ce que vous verrez d'autres de fabuleux, Philippine Science sera votre principal coup de coeur de cette édition. Une édition qui fait la part belle au cinéma philippin de manière génarale, de Lino Brocka à Brillante Mendoza, en passant par Solito, Raya Martin ou Joseph Kuo. Cette cinématographie est passionnante, impressionnante de vitalité. Philippine Science est lui la porte idéale pour entrer et se familiariser un peu avec ce cinéma.

FESTIVAL PARIS CINEMA 2008 : Projection de Philippine Science (aka Pisay), jeudi 3 juillet à 18h, MK2 Bibliothèque.

Benoît Thevenin

Philippine Science - Note pour ce film :

Réalisé par Auraeus Solito
Avec Eugene Domingo
Année de production : 2005

L'actu cinéma du 2 juillet

Wed, 02 Jul 2008 00:24:37 GMT

Pas de Porno à Paris ! Le cinéma porno tente de se refrayer un chemin vers les salles obscures et tente de s'acheter une certaine respectabilité. Il y a quelques mois, l'incontournable Marc Dorcel organisait dans un cinéma près des Champs-Elysées une projection presse de sa dernière superproduction, Casino No Limit. Initiative unique dans le genre. Le film, on l'a vu et on hésite à vous le chroniquer ici. Faites pression sur nous, peut-être que ça marchera ! Le lobbying peut fonctionner mais du point de vue des pornopraphes, pas forcément dans le sens souhaité. Du 3 au 6 juillet devait se tenir au très respectable cinéma Action Christine à Paris, en plein coeur du Quartier Latin, la première édition du Paris Porn Film Fest. Athènes a déjà organisé un tel événement, en 2007 et 2008 ; Madrid et Tokyo s'apprêtent à le faire. La tenue du festival parisien a elle été annulée, provisoirement du moins, la faute à certains groupes de pression. Le Paris Porn Film Fest pourrait néanmoins être organisé à l'automne... si les bonnes consciences le permettent... Affaire à suivre.

Pour en savoir plus : lire le communiqué de presse

Funny Sherlock. Hollywood est schyzo, pour ceux qui ne le savaient encore pas. Dernier symptôme en date, le projet d'adaptation du Sherlock Holmes de Conan Doyle par Judd Apatow. L'annonce de ce projet fait suite à celle, que nous avions relaté ici, d'un projet similaire mené par Guy Ritchie... On peut néanmoins se douter que les deux films n'auront pas grand chose à voir. Celui que nous évoquons aujourd'hui, réunira le couple Will Ferrell et Sacha Baron Cohen, les deux héros de Ricky Bobby, rois du circuit (un petit bonheur d'humour potache), Cohen incarnant Sherlock et Ferrell son élémentaire et chère Watson. Le nom du réalisateur n'a pas été divulgué mais on sait que Judd Apatow produira, en duo avec Jimmy Miller. Ce dernier est le producteur de l'essentiel des comédies-potache avec Ferrell, dont Ricky Bobby et Semi Pro (encore récemment à l'affiche). (avec Variety)

Val Kilmer à la vie à la mort. Shane West, Cam Gigandet, Val Kilmer, Arielle Kebbel et Eric Balfour seront à l'affiche de Silver Cord, drame que réalisera James Ordonez. Le film évoquera l'histoire du propre frère de James Ordonez, lequel est revenu plusieurs fois à la vie après été déclaré à multiples reprises cliniquement mort. Le frère est décédé en 2004. (avec Variety)

La Mort en ligne (Chakushin ari) de Takashi Miike

Tue, 01 Jul 2008 23:44:08 GMT

Depuis Ring, le cinéma fantastique japonais s'est refait une virginité en occident et est devenu une sorte de standard pour le consommateur occidental lambda d'honnêtes productions horrifiques. Il y a beaucoup à jeter dans tout ce qui est produit dans le genre au Japon. La pluspart sont des films de commandes sans âme et sans style, mis en scène par d'obscurs faiseurs. Comme tant d'autres, La Mort en ligne (aka One Missed Call) est d'abord une commande et le scénario est sans doute très inspiré par Phone de Byeong-ki Ahn, thriller coréeen un peu mal foutu et réalisé en 2002. Rien de bien neuf donc mais le fait que Takashi Miike soit derrière laisse au moins augurer de la singularité du film. Cela se révèlera assez vrai.

Miike, popularisé chez nous avec le clin d'oeil d'Eli Roth dans l'infâme Hostel, est avant tout connu pour la folie certaine qui caractérise la pluspart de ces films : Fudoh, Gozu, The Happiness Of Kakakuris, Dead or Alive ou encore Ichii the killer. On doit aussi au cinéaste le très tordu Audition, sans doute son meilleur film dans une filmographie somme toute très inégale.

La Mort en ligne paraît être le plus sage de tous les films suscités. Le canevas très classique (une malédiction, un objet pour propager la mort) convoque de fait le souvenir de tout ce que nous avons pu voir dans le genre ces dernières années, provenant du Japon. Comme Ring et Ju-On, La Mort en ligne est d'ailleurs devenu une franchise apparemment lucratrive : il existe déjà 3 films et un remake US est sorti en janvier aux Etats-Unis, réalisé par le français Eric Valette.

La Mort en ligne commence très simplement par par la réception d'un appel maudit. La mise en place des ressorts de la malédiction est simple, efficace et Miike ne s'y attarde pas trop. Reste que très vite, on se retrouve coincé par la logique implacable de la mort, aussi infaillible que dans Destination Finale. Eteindre son téléphone, ça ne suffira évidemment pas à déjouer un destin prévu par la Faucheuse. Les premières morts n'étant pas particulièrement originales dans leurs mises en scène, on craint très fort la mécanique scénaristique du film. La Mort en ligne n'est pas avare de surprise, rassurez-vous. Le premier élément vraiment intéressant intervient vers la fin du premiers tiers du film. Les appels maudits annoncent des morts brutales. Une fois la malédiction enclenchée et comprise, il est évident pour chacun, personnages du film compris, d'anticiper ce qui va se passer. Première réaction, malheureusement pas développée, le rejet de la future victime par ses camarades. Puisqu'elle est maudite, il faut la fuir, se couper d'elle, et, plus que tout, retirer son numéro de téléphone de son répertoire avant que la Mort ne vienne y faire son marché. Autre réaction, cette fois centrale au récit, l'intervention des médias en quêtes de sensationnalisme. Une séance d'exorcisme sera notamment prévue en direct à la télévision...

La Mort en ligne se distingue jusqu'alors et Miike ménage la tension du film avec un savoir-faire certain, et un cynisme tout aussi manifeste. Le film bascule ensuite dans un schéma nettement plus classique. L'accent est mis sur les ressorts psychanalytiques de la malédiction et une montée progressive de l'horreur. Il y a des séquences assez incroyables, comme les corps qui se contorsionnent pour, par exemple, aller jusqu'à s'auto décapiter. Le film se perd néanmoins dans les dédales d'une enquête difficile. Il y a peu de lisibilité face à toutes les pistes énoncées et les rebondissements qui finissent immanquablement par émaillés le final n'impressionnent pas outre mesure. Dans La Mort en ligne, Miike a su injecter suffisamment de ses obsessions malsaines pour que le film soit intéressant. Le film restera mineur dans sa filmographie mais aussi un de ses plus accessibles et une contribution au cinéma d'horreur nippon tout à fait honorable.

B.T

La Mort en ligne - Note pour ce film :

Réalisé par Takashi Miike
Avec Kô Shibasaki, Shinichi Tsutsumi, Kazue Fukiishi, ...
Année de production : 2004
Sortie française le 21 septembre 2005

Les Sept jours de Ronit et Shlomi Elkabetz

Tue, 01 Jul 2008 23:35:56 GMT

article publié initialement le 29 mai 2008

Semaine de la critique, Cannes 2008. Film d'ouverture, Hors-compétition.

On avait découvert en 2004 un talent de cinéastes chez Elkabetz, frère et soeur. Un duo de réalisateurs inédit dont l'une, Ronit, et la Catherine Deneuve du cinéma israélien. Il y a quatre ans, Ronit et Shlomi Elkabetz livraient avec Prendre Femme le premier volet d'une trilogie consacrée à la femme israélienne contemporaine. L'espace diégétique de Prendre Femme étaient déjà circonscrit pour l'essentiel à un appartement de Jérusalem et s'y déroulait, sans aucune surenchère émotionnelle, une intense confrontation entre une épouse et son mari et une ombre, celle de l'amant. Depuis, on a revu Ronit Elkabetz filmée par d'autres, notamment - et magnifiquement - par Eran Kolirin dans La Visite de la Fanfare. Avec Les Sept jours, le retour vers la fonction de réalisateur coïncide logiquement avec la livraison du second volet de la trilogie initiée avec Prendre Femme. On retrouve les mêmes personnages mais les histoires sont indépendantes. La narration ne souffrirait donc pas d'un manque si jamais vous avez manqué le premier film.

L'espace est un peu moins réduit, le temps est un peu plus étiré, mais le principe est le même : un huit-clos dans lequel les secrets surgissent, les vérités se disent, les rancoeurs s'affirment. Les sept jours sont ceux du deuil que doivent respecter, conformément à la coutume, les membres d'une famille à la disparition d'un des leurs. La tradition est mise à mal dans ses Sept jours. Ils ne sont finalement prétexte qu'à une violente confrontations entre époux divorcés, veuves, oncles, frères, soeurs et leurs beauf' respectifs. Les personnages qui s'affirment le plus sont les femmes, tout gravitant de toute façon autour de Viviane (Ronit Elkabetz). C'est à travers elle que toutes les tensions sont exacerbées. La famille éclate mais la femme triomphe, entre autres parce que les hommes sont lâches et vils. La morale est un peu étrange quand même. La femme, dans son image traditionnelle et rétrograde de bonne épouse au foyer, incarnait une sorte de ciment familiale, quoique dans une position soumise face à un homme fort. Là, le cynisme qui émane des films est terrible : les relations entre les individus, au sein même de la famille, ne sont entrevus que par le prisme de l'argent. L'homme est faible, le socle familiale fragile, la femme s'émancipe mais la famille est complètement dynamitée. Le renversement est brutale, comme les affrontements auxquels se livrent les personnages.

Le respect du deuil induit un rapprochement entre les membres de la famille. Ce qui arrive en fait, c'est donc tout le contraire. La contradiction est d'autant plus forte que, filmée constamment en grand angle et en plan séquence, la cohabitation des personnages dans le cadre est sans cesse obligée. L'intimité est impossible. La mise en scène provoque en un sens le malaise qui régit la demeure. La promiscuité engendre le chaos. Les Sept jours laisse quand même un sentiment bizarre. La mise en scène épurée, assez austère - jusque dans le décors et ses grand murs blanc - se conjugue à des scènes de disputes souvent longues et âpres. Le film est assez long (2H) et on en sort comme asphyxié, fatigué, sentiment que nous n'avions pas ressentis devant Prendre Femme ou la mise en scène jouait pourtant clairement la carte de l'étouffement. Un peu de déception cette fois, mais ce second long-métrage confirme quand même les belles dispositions de cinéastes affichées avec le précédent.

Benoît Thevenin

Entre les murs de Laurent Cantet

Tue, 01 Jul 2008 10:55:41 GMT

article publié initialement le 24 mai 2008

La 6e édition du festival Paris Cinéma s'ouvre ce soir 1 juillet avec la présentation à la Cinémathèque française - et en présence de l'équipe du film - du film de Laurent Cantet. Pour l'occasion, nous vous reproposons le texte que nous avions écrit à propos du film pendant le festival de Cannes, où le film a, rappelons le, reçu la Palme d'Or.
Jusqu'au 12 juillet, Laterna Magica tentera de partager avec vous l'expérience de cette 6e édition de Paris Cinéma. On ne promet encore rien sur le contenu mais on fera de notre mieux. Sans doute nous concentrerons nous en priorité sur la compétition. Rendez-vous donc ici, via la rubrique festival, pour un compte rendu régulier de la manifestation...

Palme d'Or 2008, 61e festival de Cannes

Avant le film il y a le roman. Ancien professeur de français, François Bégaudeau y racontait une année de la vie d'une classe de 4e d'un collège parisien difficile. Le livre est déjà admirable tant les enjeux de la société française et certaines questions pédagogiques sont judicieusement énoncés et sans prétendre donner la moindre leçon. Comme le livre, le film signé Laurent Cantet constitue un état des lieux concret et lucide du rapport difficile qu'entretiennent aujourd'hui professeurs et élèves dans certains collèges et lycées.

La première prouesse de Laurent Cantet est d'avoir réussit à puiser dans la substance même du récit. Le pari était audacieux dans la mesure ou le roman, s'il est court, est foisonnant ; et instruit aussi une réflexion sur le langage peut évidente à dupliquer sur grand écran. Surtout, le livre de Bégaudeau se déroule exclusivement entre les murs d'une salle de classe, le seul contre-point se trouvant entre les murs de la salle des professeurs du collège. Cantet a logiquement maintenu le principe et les 2h du film se passent donc à l'intérieur de la salle de classe et celle des profs.

Laurent Cantet, dès son premier film Ressources Humaines, avait prouvé son brio pour capter en profondeur la subtilité des rapports de forces au sein d'une entreprise. Depuis, il a réalisé son chef d'oeuvre L'Emploi du temps et le mésestimé Vers le sud, pourtant brillante incursion dominicaine ou de riches bourgeoises parisiennes viennent s'épanouirent sexuellement sous le soleil d'une région ravagée. Laurent Cantet s'est donc imposé comme un cinéaste intelligent et subtil, probablement le plus fin des cinéastes-sociologues aujourd'hui.

Entre les murs rentre parfaitement dans ce cadre là et élargit l'horizon de la société française auscultée par l'oeil alerte de Cantet. Là encore, ce sont les rapports de forces, les conflits moraux qui font toute la substance du film. Entre les murs est cependant porteur d'une autre richesse et c'est celle-là qui porte le film bien au-dessus de tous les autres traitant du même sujet. L'énergie de la mise en scène et du montage n'a d'égale que celle des jeunes acteurs du film. François Bégaudeau joue son propre rôle et les élèves aussi. Reconstituer l'ambiance d'une classe, définir les enjeux n'avait rien d'évident et c'est là que Cantet impressionne le plus tant le film respire la vérité, l'authenticité, l'enthousiasme, la simplicité aussi, à chacune de ses scènes. En faisant à cette classe le cadeau d'une Palme d'Or méritée, Sean Penn va peut-être permettre à chacun en France d'envisager l'éducation autrement et avec moins de légèreté. Il y a beaucoup à apprendre du film, beaucoup a réviser. Entre les murs est riche et donc essentiel.

Benoît Thevenin

Entre les murs - Note pour ce film :

Réalisé par Laurent Cantet
Avec François Bégaudeau, Nassim Amrabt, Laura Baquela, ...
Année de production : 2007
Sortie française le 24 septembre 2008

La Femme de Seisaku (Seisaku no tsuma) de Yasuzo Masumura

Tue, 01 Jul 2008 10:29:45 GMT

La femme de Seisaku est une œuvre d’une force émotionnelle incontestable. Réalisé par Yasuzo Masumura en 1965, à l’époque dans l’ombre du grand Mizoguchi, ce film raconte une histoire d’amour littéralement passionnée dans le contexte de la guerre Japon-Russie du début du XXème siècle. Les traditions en prennent pour leur grade.

Seisaku est un militaire fraîchement décoré qui revient en héros dans son village. Il tombe amoureux d’Okane (Ayako Wakao), jeune et belle femme dont le vieux mari à qui elle a été vendue vient de mourir. Ils tombent amoureux. Alors qu’Okane est jalousée pour sa beauté, maudite parce qu’elle plait à Seisaku et rejetée aussi pour des principes moraux, la liaison qu’ils entretiennent scandalise.

Masumura capte l’essence même de la sensualité qui se dégage de cette relation amoureuse. Au- delà de toute rationalité, ce sera à la vie à la mort. Ainsi se justifie l’ambiance mélodramatique, la bande son aux accent funeste etc. Dès le début, le spectateur saisit les enjeux dramatiques, l’irrémédiable fatalité qui se joue, se noue entre les protagonistes. Masumura ne fait aucun mystère mais capte l’attention avec un lyrisme un romantisme désespéré qui font de ce film une œuvre d’une grande richesse, tant formelle que scénaristique. La séquence ou Okane se crève les yeux par amour, pour contraindre celui qu’elle aime à ne pas retourner au front, est d’une intensité rare. Il y a aussi cette conclusion tragique, aussi prévisible que brillante. Un authentique chef d'oeuvre, brutal, fascinant et ultra sophistiqué, qui vous hantera longtemps. Laissez vous emporter par cette rage et cette folie !

B.T (février 2005)

« C’est en prenant la femme comme sujet central qu’on peut le plus facilement exprimer l’humanité. L’homme est un être complètement dépourvu de liberté. Sans doute parcequ’il n’enfante pas. L’homme est obligé de penser à l’honneur, à la vérité. C’est un animal qui ne vit que pour la femme. C’est donc pour toutes ses raisons qu’il n’est pas intéeressant de dépeindre des hommes (…) Il n’y a rien de plus inintéressant qu’un homme viril… Pour exprimer l’humain, il n’y a que la femme. Ce n’est pas pour exprimer la femme que je choisis la femme… Je ne suis pas un spécialiste des femmes comme Mizoguchi. »

(Propos recueillis en 1969 à Tokyo par Aoi Ichiro, Shirai Yoshio et Yamada Koichi et repris à partit du journal du festival des cinémas d'asie de Vesoul)

La Femme de Seisaku - Note pour ce film :

Réalisé par Yasuzo Masumura
Avec Takahiro Tamura, Ayako Wakao, Yuka Kono, ...
Année de production : 1965
Sortie française le 4 août 2004

L'actu cinéma du 1er juillet

Tue, 01 Jul 2008 07:35:50 GMT

Scully, correspondante de guerre. Gillian Anderson, bientôt de retour dans la peau de l'agent Scully avec X-Files 2, produira et incarnera le rôle-titre de Gellhorn. Correspondante de guerre pendant la guerre civile espagnole ou encore la guerre du vietnam, Martha Gellhorn demeure l'une des journalistes les plus connues outre-atlantique. Martha Gellhorn est également célèbre pour avoir été l'épouse d'Ernest Hemingway, l'auteur de L'Adieu aux armes et de Pour qui sonne le glas, et pour avoir entretenu une relation avec un autre écrivain célèbre, l'auteur de la Guerre des mondes H.G Wells. Le biopic sera inspiré par la biographie écrite par Caroline Moorehead en 2004, Gellhorn: A Twentieth-Century Life. (avec Variety)

Philippe Noyce dirige Tom Cruise. D'abord dévolu à Terry George (Hôtel Rwanda, Reservation Road) puis à Peter Berg (Le Royaume, Hancock), la réalisation du thriller d'espionnage Edwin A. Salt avec Tom Cruise incombera finalement au réalisateur australien Philippe Noyce (Le Chemin de la liberté). Le film racontera l'histoire d'un agent de la CIA, Edwin Salt, accusé d'oeuvrer pour la Russie et bientôt contraint de fuir la traque lancé par ses employeurs. (avec Variety)

Chabat passe une "Nuit au musée". Actuellement à l'affiche de la sympathique comédie-concept La Personne aux deux personnes, Alain Chabat rejoint maintenant la distribution de La Nuit au musée 2. Chabat, déjà César dans Mission Cléoptatre, incarnera un autre personnage historique fameux... Napoléon ! Le Musée sera donc copieusement garnit. Aux côtés de Ben Stiller et d'Alain Chabat, nous retrouverons Robin Williams (le président Roosevelt), Ricky Gervais et Owen Wilson, tous déjà vus dans le premier opus, mais aussi Jon Bernthal (Al Capone), Christopher Guest (Ivan le terrible) et Bill Hader (Général. George Armstrong Custer). La Nuit au musée 2 sera réalisé, comme le premier, par Shawn Levy. (avec The Hollywood Reporter)

Daniel Auteuil est cocu. Héros de La Personne aux deux personnes, Daniel Auteuil sera en tête d'affiche du prochain film qu'Antoine de Caunes envisage déjà de tourner, alors même que son Coluche n'est pas encore sorti. Le film en question, Le Montespan, est une adaptation du roman de Jean Teulé lequel évoque les déboires du Marquis de Montespan. Ce dernier était affublé de la triste réputation d'"Homme le plus cocu de France" au XVIIe siècle, son épouse entretenant une liaison avec le Roi Soleil Louis XIV. Le scénario sera signé par un fidèle de De Caunes, Laurent Chalumeau, entre autres auteur du script des Morsures de l'aube, le premier long-métrage de cinéaste de l'ex-animateur. Ce n'est pas la première fois que qu'Auteuil incarnera un célèbre Marquis. Il avait été le Sade de Benoît Jacquot en 2000. (avec Le Film Français)

B.T

Court-métrage : On your mark de Hayao Miyazaki

Mon, 30 Jun 2008 20:59:55 GMT

Quelque temps après la livraison de Porco Rosso (1992), Hayao Miyazaki accède à la demande du groupe pop-rock japonais Chage & Aska et réalise ce merveilleux clip, On your mark. Tout l'univers de Miyazaki (de Nausicaa à Chihiro)est condensé en 6 minute à peine. Le messages écologiste et politique passent à merveille. On your mark est un petit miracle.. qui tient parfaitement sa place auprès des grands miracles que le magicien des studios Ghibli nous a offert par ailleurs. Régalez-vous !

On Your Mark (H. Miyazaki, 1995). Dans un futur indéterminé, la surface de la planète a été contaminée par la radioactivité. Les êtres humains survivent dans des megalopoles souterraines. Lors d'un raid contre une secte, deux policiers découvrent une jeune fille ailée mais cette dernières est enlevée par des scientifiques. Les deux policiers vont chercher à la délivrer.

On your mark - Note pour ce film :

Réalisé par Hayao Miyazaki
Année de production : 1995

L'actu cinéma du 30 juin

Mon, 30 Jun 2008 14:56:21 GMT

Les premières images de "Quantum of solace", le nouveau 007. Après son impressionnante résurrection dans Casino Royal, et le tournage chaotique de sa suite immédiate, voila enfin les premières images du nouveau 007, Quantum of Solace. Une bande-annonce plus qu'enthousiasmante et visuellement assez époustouflante. Avec ça, l'attente du 5 novembre (date de la sortie française) risque d'être fébrile.

Helena Bonham Carter rejoint T-4. Le casting de Terminator Salvation s'enrichit d'uné étoile supplélentaire. Helena Bonham Carter rejoint Christian Bale, Sam Worthington, Anton Yelchin, Bryce Dallas Howard et Moon Bloodgood au casting du film que réalise McG en ce moment même. Le rôle d'Helena Bonham Carter n'a pas été clairement révélé mais est décrit comme court et déterminant. La sortie du film est prévue pour le mois de mai 2009 (le 22/05 aux USA). (avec The Hollywood Reporter)

Juliette Lewis & co. roulent pour D. Barrymore. Juliette Lewis, Marcia Gay Harden (Mystic River, The Mist), Kristen Wiig et Zoe Bell (Boulevard de la mort) rejoignent Ellen 'Juno' Page et Drew Barrymore au générique de Whip it ! Cette comédie autour de l'univers du roller sera la première réalisation de Drew Barrymore. Le tournage débutera cet été au Michigan et au Texas. (avec The Hollywood Reporter)

B.T