LATERNA MAGICA: Mes films coups de coeur

"Usual Suspects" de Bryan Singer

Wed, 27 Jun 2007 21:38:55 GMT

Mai 1995. Un petit polar US, totalement inattendu, est acclamé par les festivaliers cannois. C’est l’effervescence. Sortit dès l’été dans les salles françaises, le film jouit d’un succès considérable et essentiellement basé sur le bouche-à-oreille. « Usual Suspects » (1) restera près d’un an à l’affiche dans certaines salles. Un film culte est né.

Avec son visage juvénile, Bryan Singer fait alors figure de nouveau prodige. Il n’a alors que 30 ans et la maestria de son film en a impressionné plus d’un. « Usual Suspects » est le second opus du cinéaste. Les Américains avaient déjà flairé son talent après la présentation de son premier film « Public Access » au festival du cinéma indépendant de Sundance en 1993. La France n’aura jamais droit, en salles, aux honneurs de cet essai qui atterrit finalement directement dans les bacs des vidéos-clubs, après le succès de son aîné.

« Public Access » était le film de fin d’études de Bryan Singer. Le résultat est imparfait, certes, mais on y découvre déjà les ressorts thématiques et même visuels du cinéma à venir de l’auteur. Singer est malin, machiavélique et, si son cinéma est assez typique de la culture cinématographique très manichéenne des américains, il est manifestement fasciné par les forces du mal.

Dans « Public Access » il y a aussi tout « Usual Suspects » puisque c’est sûr ce film que collaboreront pour la première fois ensemble quelques-uns des artisans de l’ombre les plus intéressants du cinéma US actuel : John Ottman (compositeur et monteur), et Christopher McQuarrie (scénariste) ont ainsi fait leurs classes avec Singer. Signalons aussi l’apport non négligeable de Newton Thomas Siegel, le directeur de la photo.

« Usual Suspects » c’est d’abord un scénario génial (nous ne pesons pas nos mots). Il semblerait presque suffire à lui-même puisque évoquer « Usual Suspects » revient souvent à s’exclamer à propos du twist final. Le film en a même lancé la mode mais peu peuvent prétendre rivaliser avec l’impact suscité chez la quasi-totalité des spectateurs lors du spectaculaire final de "Usual Suspects".

Au-delà, les visionnages répétés du film démontrent la solidité de l’édifice en général. Le plaisir de redécouvrir « Usual Suspects », de répéter encore et encore le nombre de visionnages, est sans cesse démultiplié et le secret final est en fait ressentit comme d’autant plus renversant. Ce qui en soi est un comble… La rigueur élégante de la mise en scène de Singer ne gâche évidemment rien.

Keyser Söze est ainsi rentré au Panthéon des personnages cultes du cinéma. Aurait-il pu en être autrement ? Cette figure du Mal à quelque chose de mythique qui provoque chez les spectateurs un désir d’identification probablement assez jouissif, par sa dimension cathartique. En ce sens, Keyser Söze, génie du crime absolu, à prit le relais d’un Tony Montana. On ne perd pas au change.

Keyser Söze aura valu à Kevin Spacey une reconnaissance internationale largement méritée, via un légitime Oscar du meilleur Second rôle (le film a aussi reçu celui du meilleurs scénario original). Et Spacey, après dix ans d'apparitions plus ou moins insignifiantes, saura tirer les marrons du feu. Peu avant « Usual Suspects », Kevin Spacey s’était déjà fait remarquer dans l’excellent « Swimming with sharks ». Il enchaînera ensuite avec un rôle mineur mais inoubliable dans « Seven » de Fincher puis cumulera les très bons choix : « L.A Confidential » (Hanson), « Minuit dans le jardin du bien et du mal » (Eastwood), « American Beauty » (Mendes) etc. Grace au film de Mendes, Spacey sera même une seconde fois Oscarisé. La cote de l’acteur est à son maximum.

Le reste du casting de « Usual Suspects » n’aura pas forcément connu le même succès. Il faut dire qu’il regroupait nombres d’acteurs de secondes zones ou has-been (Gabriel Byrne)

Benicio del Toro s’en est lui tiré honorablement (« 21 grammes » d’Innaritu, « Traffic » de Soderbergh notamment).

Stephen Baldwin, le moins doué des frères, accumulera ensuite les séries B d’action. Chazz Palminteri, Kevin Pollack, Pete Posllethwaite, Dan Hedaya, Giancarlo Esposito n’ont jusqu'à présent pas été plus gâté. Même Gabriel Byrne n’a plus trouvé de rôle véritablement à sa mesure.

Quant à Bryan Singer, il continue son petit bonhomme de chemin. Son troisième film, presque aussi brillant que celui-ci mais jugé trop malsain, aura quelques peu déçu. « Un Elève doué » est pourtant, sans aucun doute, l’une des très rares adaptations réussies de Stephen King au cinéma. Il dévoile en tous cas plus nettement le côté machiavélique du cinéaste.

En s’exilant à Hollywood pour « X-Men », Singer n’a pas abandonné en route tous ces éléments qui font aussi l’intérêt et la richesse de son cinéma. En l’état, et même si nous avons plus de réserves concernant « Superman Returns », Singer a réalisé avec ses deux opus des « X-Men » deux des émanations de l’univers Marvel les plus passionnantes qui soit (seul « Spiderman » joue dans la même cour !).

Hollywood, dans son inénarrable besoin compulsif de pomper jusqu'à la corde le potentiel mercantile d’un titre comme « Usual Suspects », envisageait il n’y a encore pas si longtemps de produire une suite aux aventures de Keyser Söze. Singer a fermement refusé l’offre. Le projet n’est lui officiellement plus dans les tiroirs. Espérons en tous cas qu’il ne voit jamais le jour.

Quant à Singer, on salive déjà à la découverte de son prochain film. « Walkyrie », avec Tom Cruise et Carice van Houten (Black Book) racontera l’histoire d’un complot avorté contre Adolph Hitler (2). La face sombre du monde, les camps de concentrations et le nazisme restent les fils conducteurs de l’œuvre d’un élève doué du cinéma américain mais qui, rien que pour « Usual Suspects », mérite son statut de maître…

(1) Le titre "Usual Suspects" fait référence à une réplique très célèbre du chef d'oeuvre de Michael Curtiz, "Casablanca" (1942) :

"Rassemblez tous les suspects habituels" (Round up the usual suspects)

(2) La production du film est lancée mais néanmoins pertubée... Tom Cruise, scientologue notoire, n'est effectivement pas le bienvenu en Allemagne et est globalement peu apprécié des autorités germaniques. Ceci, d'autant plus que Cruise est ici amené à jouer le rôle d'un héros de la résistance allemande au nazisme... Pour en savoir plus, je vous renvoie à cet article :

Tom Cruise n'a pas le profil du héros allemand, Nathalie Versieux, Libération, jeudi 28 juin 2007

Retrouvez également "Usual Suspects" chez Cinecitta >> ICI <<

The Usual suspects - ma note pour ce film :

Réalisé par Bryan Singer
Avec Gabriel Byrne, Kevin Spacey, Benicio Del Toro, ...
Année de production : 1994

"Assurance sur la mort" de Billy Wilder

Mon, 11 Jun 2007 11:56:10 GMT

Une femme au foyer abandonnée par son époux (Barbara Stanwyck) séduit un agent d’assurance (Fred MacMurray) et prévoit un complot contre son mari (Tom Powers) : assassiner celui-ci et toucher la prime.

Pour Woody Allen, « le plus grand films jamais tourné ». Billy Wilder, en 1944, n’a encore réalisé que trois films, dont deux seulement à Hollywood, et qui resteront mineurs à la lumière d’une carrière hors norme. Lorsqu’il s’attèle à « Assurance sur la mort », il est néanmoins un scénariste réputé, notamment auteur pour Lubitsch d’une des plus grande comédie de l’Histoire du cinéma « Ninotchka » (1939).

« Assurance sur la mort » est coécrit par Wilder avec l’un des papes du roman noir, Raymond Chandler dont il vient de lire Le Grand Sommeil. Les deux adapteront Double Indemnity, roman policier de James M. Cain ( à qui l’on doit également Le facteur sonne toujours deux fois) lequel s’inspirait déjà d’un fait divers réel survenu dans les années 20.

Le commentaire de Woody Allen n’est pas anodin. « Assurance sur la mort » est un film en tous points parfait, de la construction scénaristique à la mise en scène, dont chaque plan nous ébahit par sa sophistication. Le travail sur la lumière est époustouflant.

Quelques scènes clés : Phyllis (B. Stanwyck) descend les escaliers et s’apprête à recevoir le pigeon qu’elle séduira pour commettre ses méfaits ; la scène du meurtre, hors-champs, filmé en plan fixe sur le visage de Phyllis ; la colère du patron de l’agence d’assurance « Vous n’avez jamais lu un tableau d’espérance de vie ? Il y en a dix volumes rien que sur le suicide (…) mais parmi tous les cas archivés, on ne trouve pas un seul cas de suicide par saut de l’arrière d’un train en marche (…) ».

« Assurance sur la mort » a beau être une des œuvres pionnières du film noir, il en retourne tous les codes et les transcende même. Le simple choix des acteurs est anti-conventionnel. Barbara Stanwyck n’a pas la même beauté ténébreuse qu’une Ava Gardner mais, grâce à ce film, elle est devenue une figure de la femme fatale au cinéma. Stanwyck est d’une beauté trop discrète pour remplir les standards de cette fonction narrative mais le mystère froid qu’elle dégage et son association avec Fred MacMurray, son équivalent masculin, font de son personnage l’un des plus fascinant du genre.

« Assurance sur la mort » n’est pas complètement représentatif du film noir en général mais l’incarne à merveille. Le film se déroule à échelle humaine avec des personnages tous tiraillés par leurs propres contradictions. Il n’y a pas les bons d’un côté et les malfaisants en face, tout est plus nuancé. Les bureaucrates s’ennuient de leurs routines et rêvent d’aventures. Un homme apparemment honnête vacille à l’idée de basculer de l’autre côté de la barrière. Au final, « Assurance sur la mort » est profondément cynique - c’est là, aussi, l’une des marque de fabrique du cinéaste - et c’est ce qui le rend aussi jouissif. Le temps ne fera jamais son affaire, « Assurance sur la mort » s’apprécie à tous les âges et s’enrichit de visions successives.

En lien avec cet article, je vous invite à consulter l'album photo "Les femmes fatales du film noir", consultable via l'onglet 'Photos' en tête de page de ce blog.

Assurance sur la mort - ma note pour ce film :

Réalisé par Billy Wilder
Avec Fred MacMurray, Barbara Stanwyck, Edward G. Robinson, ...
Année de production : 1944

"Le Monde, la chair et le diable" de Ranald Mac Dougall

Sat, 09 Jun 2007 21:09:49 GMT

Ralph Burton, un ouvrier noir, est coincé dans une galerie suite à un éboulement. Lorsqu’il parvient à remonter à la surface, la ville est déserte. Ralph finit par apprendre que des bombes nucléaires ont éradiqué la vie à la surface du globe…

Réalisé en 1959, « Le Monde, la chair et le diable » évoque – vous vous en doutez bien – le contexte de la Guerre Froide et ses psychoses. Le film de Ranald Mac Dougall va bien au-delà de cette interprétation au premier degré et dresse un constat lucide et cinglant de la société américaine d’alors, autant que de l’humanité en générale.

Ralph (Harry Belafonte) est un garçon plein d’énergie et d’espoir. Lorsqu’il apprend qu’il a survécu à l’apocalypse, une légitime tristesse l’entame. Il se sent seul, désespérément seul et, même s’il s’invente des compagnons de jeu, le temps qui passe le rend logiquement irritable. C’est à ce moment là qu’une jeune fille blonde, Sarah Crandall, celle là même qui l’épiait depuis plusieurs jours, se laisse découvrir. Ils semblent être les deux seuls survivants new-yorkais. Sarah, jolie femme blanche de bonne famille, ne se serait jamais liée à un ouvrier noir en d’autres circonstances. Les clivages sociaux s’estompent dès lors que la société n’existe plus. Même si les deux personnages apprennent à s’apprécier, les rapports de classe n’auront de cesse d’interférer dans leurs relations.

Un troisième homme, Benson Tacker, arrive bientôt, un marin à bout de force qui trouve en Ralph une sorte de providence. Une fois correctement rétablit, un nouveau rapport de force s’impose entre les deux personnages, dont Sarah est l’enjeu. La bienséance voudrait que Ralph s’efface devant Benson lequel est moins prude à convoiter la belle Sarah. Les faits sont plus nuancés. Sarah n’est pas si insensible au charme de Ralph. L’arrogance de Benson la dérange en tous les cas beaucoup. Ralph ne se résigne pas et provoque la colère d’un Benson qui ne peut imaginer qu’une belle blanche se réfugie dans les bras d’un noir… Les deux hommes s’affrontent bientôt sans état d’âme. La survie de l’humanité ne compte plus. Ils ne sont plus que trois mais il y a déjà un individu de trop.

Le titre, assez énigmatique aux premiers abords prend ainsi tout son sens. Le film évoque l’humanité pervertie par la passion, tourmentée par ses démons. « Le monde, la chair et le diable » est un film méconnu de la SF américaine. Sa résurrection sur quelques écrans français (avant sans doute une édition dvd et un passage à la télé) est une opportunité formidable de découvrir ce joyau devenu rare. Soyez-en sûr, ce film ne s’oublie pas. Les séquences dans un New-York désert sont proprement hallucinantes. Pas plus que ces scènes de cache-cache lors de l’affrontement final. Les personnages paraissent minuscules par rapport à la grandeur de la cité ; minuscules et ridicules à se battre dans ce vide post-apocalyptique mais l’égoïsme des individus est quelque chose d’inné.

Le film n’est néanmoins pas sans défaut. Les acteurs, dont le bluesman Harry Belafonte, ne sont pas toujours très juste ce qui induit une certaine théâtralité des situations. Mais qu’importe, les enjeux du film sont autres, notamment dans cette parabole raciale assez étonnante, fondée mais radicale pour l’époque. Un véritable bijou que nous vous invitons à découvrir de toute urgence si l’opportunité s’offre à vous.

La fin du monde au cinéma (filmo séléctive)

Les Cinq survivants d’Arch Oboler (1951)

Le Choc des mondes de Rudolphe Mate (1951)

The Day the world ended de Roger Corman (1955)

Le Monde, la chair et le diable de Ranald Mac Dougall (1959)

Le Dernier rivage de Stanley Kramer (1959)

La Jetée de Chris Marker (1962)

The last man on earth de Sidney Salkow (1964)

La Planète des singes de Franklin J. Schaffner (1968)

Le Survivant de Boris Sagal (1971)

Mad Max de George Miller (1979)

Malevil de Christian de Chalonge (1980)

Le Dernier combat de Luc Besson (1982)

Le Dernier testament de Lynne Litman (1983)

Le Dernier survivant de Geoff Murphy (1985)

Last Night de Don McKellar (1998)

28 jours plus tard de Danny Boyle (2002)

Le jour d’après de Roland Emmerich (2004)

La Guerre des mondes de Steven Spielberg (2005)

Les Fils de l'homme d'Alfonso Cuaron (2005)

Je suis une légende de Francis Lawrence (2007)

Le Monde, la chair et le diable - ma note pour ce film :
Année de production : 1959

"Primer" de Shane Carruth

Mon, 26 Feb 2007 15:47:47 GMT

Dans un modeste garage de banlieue, deux jeunes scientifiques travaillent sur une invention qui va radicalement changer leurs vies et leurs façon d’appréhender la réalité…

« Primer » est le tout premier film de Shane Carruth, mathématicien de formation. C’est aussi lui qui enfile le costume de l’un des deux acteurs principaux. Dans un cas comme dans l’autre, c’est à dire tant au niveau de la sophistication de la mise en scène que de la justesse de jeu de(s) acteur(s), nous avons incontestablement affaire à un nouveau talent. Le jury du festival du cinéma indépendant de Sundance ne s’y est d’ailleurs pas trompé, décernant le Grand Prix en 2004 à ce film.

« Primer » s’inscrit dans la droite lignée de thrillers comme « Pi » de Darren Aronofsky ou « Cube » de Vincenzo Natali. Le point commun ? Trois films malins, minutieux, intelligents, réalisés avec très peu de moyens mais une inventivité rare. « Primer » déstabilisera sans doute par sa rigueur mathématique mais il n’en demeure pas moins un objet fascinant, captivant, et qui gagne à être revu et décrypté. Une grande découverte.

Primer - ma note pour ce film :

Réalisé par Shane Carruth
Avec Shane Carruth, David Sullivan, Casey Gooden, ...
Année de production : 2004

"The Last Show" de Robert Altman

Mon, 26 Feb 2007 15:04:34 GMT

« Dans la douceur de l’au-delà, nous nous retrouverons ». C’est sur cette chanson que le dernier film de Robert Altman se termine. Préparez-vous à être ému. En nous quittant si subitement le 28 novembre 2006, Robert Altman nous a légué avec ce qui restera son dernier film, le plus bel épitaphe qu’il soit.

« The Last Show » est parcouru d’un flamboyant souffle nostalgique. La raison principale tient au fait que le film, est en fait un hommage de Robert Altman au programme radio culte aux Etats-Unis, « A Prairie home companion ». Le show en question est d’ailleurs le titre original du film d’Altman. Celui choisit par les distributeurs français est éloquent tant il aura, malheureusement, finit par prendre un aspect prémonitoire. Le sentiment nostalgique n’est donc qu’exacerbé.

Le film constitue en quelque sorte l’aller et retour entre les coulisses et le direct de l’émission. Nous découvrons les personnages sous leurs doubles casquettes et, en cela, « The Last Show » est d’abord un film sur le spectacle, sa conception, la cohabitation des artistes…

« The last Show » a par ailleurs été tourné (en cinq semaines pendant l’été 2005) sur la scène même du show radio, devant un vrai public. Altman avait déjà réalisé un film dans ces conditions, « Company » en 2003. Cela dit, le film ne prend pas une tournure documentaire. Il joue simplement avec les frontières entre le réel et la fiction. Les acteurs historiquement liés à l’émission radio se mêlent donc aux acteurs en provenance direct de Hollywood (Meryl Streep, Lindsay Lohan, Woody Harrelson, John C. Reilly, Tommy Lee Jones etc.). Des personnages issus de la fiction radio prennent également corps et vie tel ce rôle de Guy Noir interprété par Kevin Kline et qui donne une tonalité particulière a l’œuvre d’Altman. « The Last Show » semble ainsi lié directement à l’âge d’or de Hollywood, la source même de ce souffle nostalgique qui parcourt donc le film.

« The Last Show » est une œuvre enjouée, vivante. La mélancolie est assumée mais, d’une certaine manière, tous les personnages refusent de se laissent abattre par l’inéluctable. Cet inéluctable c’est la mort du show. L’ombre de la mort plane tout au long du film et prend même forme humaine via le personnage de Virginia Madsen. Mystérieuse, immaculée, jamais nommée, elle est une envoyée céleste dont on ne sait rien. La mort rôde ainsi en permanence.

En nous quittant quelques jours seulement avant la sortie de son film, Altman nous a légué un film qui prend tout de suite un écho particulier. Le goût n’est pas amer, il est savoureux de lucidité, de cynisme et, surtout, de lyrisme.

The Last Show - ma note pour ce film :

Réalisé par Robert Altman
Avec Meryl Streep, Lily Tomlin, Lindsay Lohan, ...
Année de production : 2006

Analyse de "La Jetée" de Chris Marker, par Luc Lagier

Wed, 27 Dec 2006 13:09:05 GMT

Une Rêverie cinéphile au pays du paradoxe en plein cœur de « La Jetée »

(par Luc Lagier)

« Ceci est l’histoire d’un homme marqué par une image d’enfance ».

« La Jetée » (1962), sans doute, aujourd’hui, le film le plus célèbre et le plus commentée de Chris Marker. « La Jetée », un court-métrage d’anticipation en images fixes sous fond d’apocalypse. Un film sur le paradoxe temporel qui invite au voyage et à la perte.

Comment voyager au cœur de « La Jetée » ? Quel serait le point d’entrée du film de Chris Marker ?

Dans le CD-ROM « Immemory » qu’il réalise en 1998, Chris Marker nous ouvre la voie. Conçu par Marker comme une visite dans un musée imaginaire qui serait peut-être celui de sa mémoire, « Immemory » nous présente le film matrice du cinéaste : un film d’Alfred Hitchcock, réalisé en 1958, « Vertigo ».

Alors, avant de voyager au cœur de « La Jetée », il faudrait en passer par « Vertigo ».

Le vertige de « Vertigo », c’est celui de Scottie (James Stewart), un détective privée obsédé par Madeleine (Kim Novak), une apparition fantomatique, mystérieuse et insaisissable. Une image dont il tombe inévitablement amoureux. Après la mort accidentelle de Madeleine, Scottie tente de la recréer en remodelant une autre femme, à l’identique. Il redonne vie à une femme morte.

« Vertigo » se fonde sur la spirale. La spirale d’un temps dans lequel Scottie est amené à vivre les évènements deux fois, en boucle. C’est ce même vertige du temps que Marker met en scène dans « La Jetée ». Quatre ans après « Vertigo », « La Jetée » pourrait se lire comme une variation personnelle, une relecture du film d’Hitchcock.

Postulat de « La Jetée ». Au lendemain de la troisième Guerre Mondiale, les survivants se réfugient dans les souterrains de Paris. Un homme sans nom, capable de voyager dans le temps et de se réintégrer dans le passé, est chargé par le reste de l’humanité, de ramener de ses voyages temporels, des vivres et de l’énergie.

« Au début, rien d’autre que l’arrachement au temps présent, et ses chevalets »

Le personnage jouit d’un pouvoir, celui de défier le temps, et d’une liberté, celle de pouvoir se réintégrer dans une autre dimension. Mais nous aimerions proposer une autre lecture du film de Marker. Certes le personnage de « La Jetée » voyage dans le temps, mais s’il voyageait aussi et surtout dans l’histoire du cinéma ?

Quelques indices pourraient étayer l’hypothèse. Tout d’abord, un écho du temps. Le personnage est enfermé dans les souterrains de Chaillot lesquels deviendront, quelques mois plus tard, en 1963, les souterrains de la Cinémathèque Française. Ces couloirs que filme Marker seront donc bientôt envahis de milliers de bobines de films et de millions d’images fixes. Dans un film qui manie le paradoxe temporel, voici une coïncidence particulièrement troublante. D’autant plus que ce personnage au chevet de notre voyageur est interprété par Jacques Ledoux, à l’époque responsable de la Cinémathèque Royale de Belgique. Dans des couloirs qui abriteront bientôt la mémoire du cinéma, sous les yeux d’un passionné de cinéma, notre voyageur à donc des visions dans un lieu propice à la rêverie cinéphile. Dans l’obscurité, sous hypnose, notre homme est un voyageur immobile. Il est une métaphore possible du spectateur de cinéma.

Proposons une hypothèse absurde et paradoxale. Et si un personnage pouvait gagner une autonomie, une indépendance, s’il pouvait créer non seulement des trous dans le temps mais aussi des trous dans les films ? Des failles, des passerelles, des lieux de passage ? S’il pouvait s’échapper de son film à lui et en rejoindre un autre ?

Pour notre personnage de « La Jetée », l’enjeu consisterait alors à retrouver une image de cinéma qui l’a marqué dans son passé, celle de Madeleine dans « Vertigo » et tenter, peut-être, de s’y réintégré.

Le voyage du personnage de « La Jetée » se déclinerait alors en quatre temps. Tout d’abord (10^ème minute du film), la recherche. Notre homme passe en revue toutes ces images fixes, tous ces photogrammes, tous ces films qui peuplent sa mémoire mais ne l’intéressent pas, pour essayer de retrouver « Vertigo ».

«… un matin du temps d’hiver, de vrais oiseaux, de vrais chats, de vraies tombes… »

Puis (12^ème minute), les retrouvailles. Première apparition d’une femme dont le personnage doit tomber amoureux.

Première apparition de Madeleine dans "Vertigo". Madeleine treverse le miroir.

Même cadrage, même profil droit, même coiffure et même charme ensorceleur que la première apparition de Madeleine dans « Vertigo ». Le personnage vient de trouver la porte d’entrée qui va lui permettre de plonger dans le film d’Hitchcock.

« Ceux qui mènent l’expérience resservent leur contrôle, le relance sur la piste… »

13^ème minute, le voyage. L’image revient, mais différente. Car le plan suivant, notre homme s’est inscrit sur la pellicule et a intégré l’image. Il vient de traverser le miroir. Il vient de changer de film.

« Elle l’accueille, sans étonnement. Ils sont sans souvenir, sans projet… »

Une fois à l’intérieur du film « Vertigo », le personnage a donc prit la place de James Stewart. Il vit des scènes déjà vécues par un autre.

Et enfin, dernier temps du voyage (18^ème minute), scène très connue de « La Jetée », le temps de la réanimation. Le personnage réveille la jeune femme, il réveille également son image en en recréant une.

Madeleine redonne vie à une image morte.

Alors résumons-nous : tomber fou amoureux d’une image, ensuite traverser le miroir pour la rejoindre, et enfin la réanimer. Comme dans « Vertigo », le personnage principal vient de redonner vie à une image morte.

Si « La Jetée » raconte l’histoire d’un homme marqué par une image d’enfance, il raconte également en filigrane l’histoire d’un cinéaste, Chris Marker, marqué à jamais par un personnage de cinéma à retrouver et pourquoi pas, à rencontrer.

Chris Marker rêve ainsi à une conception magique du cinéma, capable de susciter le vertige. Car après tout, si une image est suffisamment forte pour nous rendre amoureux, si une image peut s’immiscer ainsi dans nos vies, pourquoi nous-même ne serions-nous pas capable, en retour, d’aller faire un tour de l’autre côté.

En 1982, dans son film « Sans Soleil » explicitera définitivement ce fantasme de cinéphile en visitant lui-même tous les lieux de tournage de « Vertigo » à San Francisco. Marker plonge alors dans la fiction et dans l’espace du film d’Hitchcock, il s’intègre à la mise en abyme et boucle la boucle.

De « La Jetée » à « Sans Soleil » en passant par « Immemory », Chris Marker ne semble finalement n’avoir jamais échapper au pouvoir de « Vertigo ». Un jour de l’année 58, Chris Marker est donc tomber pour toujours sous le charme d’une ensorceleuse, il a été prit dans sa toile.

Chris Marker à vu le film d’Hitchcock 19 fois nous dit on dans « Sans Soleil ». A 19 reprises, Marker s’est perdu dans la spirale de « Vertigo » et à sans doute espérer s’y trouver dans l’image pour y rejoindre Madeleine. 19 fois, et aujourd’hui peut-être plus, en espérant qu’a chaque fois, Madeleine accepte comme un phénomène naturel les passages de ce visiteur qui apparaît et disparaît, qui existe, parle, rit avec elle, se tait, l’écoute et puis s’en va

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Une scène du remake officielle de « la Jetée », « L’armée des 12 singes « de Terry Gilliam. C’est vers la fin du film lorsque Bruce Willis et Madeleine Stowe, poursuivis par la police, se réfugient dans une salle de cinéma. Et évidemment, le film qu’ils vont voir n’est pas n’importe lequel…

B.W : Je crois que j’ai déjà vu ce film, quand j’étais petit à la télé.

M.S : Tais toi !

B.W : Je l’ai déjà vu.

Ecran de cinéma, James Stewart à Kim Nowak : Vous êtes déjà venue ici ?

K.N : Oui.

J.S : Quand ?

B.W : Je… reconnais pas.

M.S : Qu’y a t’il ?

B.W : C’est exactement comme ce qui nous arrive. Comme le passé. Le film ne change pas, il ne peut pas changer, mais… A chaque vision, il paraît différent parce qu’on est différents. On voit d’autres choses.

M.S : Si on ne peut rien changer car c’est déjà arrivé, cueillons les roses de la vie.

B.W : Quelles roses ?

M.S : C’est une expression.

Madeleine Stowe colle sur le visage de Bruce Willis une fausse moustache.

B.W : Pourquoi fais-tu ça ? Je veux savoir pourquoi ! Si je me trompais ? Si tu te trompais ? Si j’étais vraiment fou ?

M.S : Dans quelques semaines on sera fixés. S’il y a toujours… des matchs de foot, des embouteillages, des émissions de télés, des hold-up, on sera tellement contents que ce sera une joie de se rendre à la police.

B.W : Que veux tu faire ?

M.S : Tu n’as jamais vu l’océan…

"Little Miss Sunshine" de Jonathan Dayton et Valerie Faris

Sat, 21 Oct 2006 10:36:32 GMT

Vous êtes probablement nombreux à connaître sans trop le savoir ce couple de réalisateur, Jonathan Dayton et Valérie Faris.

« Little Miss Sunshine » est leur premier film mais les deux traînent derrière eux une très jolie carrière dans l’univers du clip ce qui leur vaut une solide réputation. Ils ont beaucoup travaillés avec les Red Hot Chili Peppers (« Around the World », « Californication » « By the way » entre autres). C’est aussi à eux que l’on doit la formidable vidéo - mythique devrait-on même dire - de « Tonight, Tonight » des Smashing Pumpkins, dans laquelle les réalisateurs rendaient hommage à Méliès et à son « Voyage dans la lune ».

"Tonight, Tonight" des Smashing Pumpkins ; "Otherside" des Red Hot Chili Peppers

Ainsi, comme de nombreux illustres (ou pas) prédécesseurs (Fincher, Romanek, Gondry, Jonze etc.) Dayton et Faris sont passés du clip au long-métrage de cinéma.

A première vue, « Little Miss Sunshine » n’est pas le produit quasi publicitaire que l’on serait en droit d’attendre de personnes émergeant du clip. Pourtant, la rigueur formelle de ce film témoigne d’un évident savoir-faire.

Reste que la force de « Little Miss Sunshine » va bien au-delà des simples considérations formelles. Elle est ici bien plus brutale car c’est dans l’émotion que le film trouve toute sa substance. A travers le portrait d’une famille totalement dysfonctionelle, « Little Miss Sunshine » dessine le portrait d’une certaine Amérique à la fois baba-cool, et aseptisé par ses habitudes de consommations de masse et, ça va avec, d’une culture de masse toujours plus navrante.

Benjamin Gibeaux

Thu, 21 Sep 2006 16:59:50 GMT

Voici une invitation au voyage, une expédition dans un monde plein d’une poésie enchanteresse. Benjamin Gibeaux n’est pas encore connu mais il gagne à l’être. Ce très jeune cinéaste bricole de courts dessins animés d’une beauté réellement stupéfiante.

Je vous invite donc à vous rendre sur son site www.imagique.net

Vous y trouverez tous ses films dont le plus beau, peut-être, est « Les ailes du papillon »

Son premier, « Pat et Tik » a été réalisé dans le cadre d’un atelier par une bande de jeune gens pas plus vieux que 16 ans à l’époque. Le film est déjà formidable. Une forme simple, une histoire qui ne l’est pas moins mais une infinie tendresse dans la façon dont tout cela est conté. Les films de Benjamin Gibeaux sont d’une apparente simplicité mais, a mesure que vous découvrirez son travail, vous comprendrez à quel point son travail est plus profond qu’il n’y paraît. Entre chacun de ces films, on se rend compte d’une indéniable cohérence artistique. Les films restent plus ou moins aboutit mais chacun dégage une force émotionnelle remarquable. Laissez vous transporter par la magie, la poésie de ses œuvres, la douce mélodie qui les accompagne et les transcende… Vous ne serez pas déçus.

"Bubble" de Steven Soderbergh

Sat, 10 Jun 2006 13:31:03 GMT

Soderbergh est un cinéaste aussi agaçant que fascinant, capable du pire avec « Full Frontal » ou les défilés de mode d’Ocean, comme du meilleur avec « L’Anglais » ou « Hors d’atteinte ».

« Bubble » fait partie de ses délires excentriques tels « Schyzopolis » ou « Kafka ». De plus en plus, d’ailleurs, sa filmographie on ne peut plus hétéroclite revêt des habits kafkaïens. En fait, Steven Soderbergh me fait penser à Lars Von Trier. Ils sont aussi mégalos et arrogants l’un que l’autre, et leurs délires obsessionnels se rejoignent finalement. Je suis à peu près certain que « Bubble » doit beaucoup plaire à Lars Von Trier. Enfin bref, peu importe.

« Bubble » a fait l’événement car Soderbergh à voulu tenter une expérience remettant en cause des décennies de traditions distributrice. Ainsi, lors de sa sortie US, « Bubble » était simultanément accessible en pay-per-view et en vidéo. De quoi effectivement bouleverser certaines habitudes. Mais Soderbergh n’a pas tenté ça avec un gros Bluckbuster à la rentabilité probable et son seul nom ne suffit pas pour vendre des projets aussi ambitieux que modeste comme « Bubble ». L’impact de son expérience était forcément improbable.

Mais tout ceci importe en définitive peu. Il faut s’intéresser à « Bubble » d’abord comme un objet d’art. Soderbergh est connu aussi pour être l’ami des stars, comme le prouve la plupart de ces films hollywoodiens (castings phénoménaux). Il s’éloigne là de toutes les tentations qui peuvent l’agiter sur la côte ouest des Etats-Unis. Tourné avec une économie de moyen très poussé, dans la campagne paumée des states et avec des acteurs inconnus du giron, « Bubble » est au final une formidable expérience créatrice.

Le film est un non-polar. Il ne se passe apparemment rien, Soderbergh laisse le temps s’étirer au maximum et arrive, in fine à instaurer une tension, un malaise, un suspens. Ce cinéma là est infiniment subtil, profondément humain. Soderbergh capte l’âme de ces personnages et se place en position d’observateur, il n’explique rien.

C’est ce cinéma là qui est génial. Soderbergh, comme Lars Von Trier, innove. Il ne se complait pas dans une vision stéréotypée du cinéma. « Bubble » paraît très classique, il ne l’est pas. Et il est porteur d’une émotion unique. Bravo.